Alquin - Marks / Mountain Queen (1972 - 1973)

Alquin - Marks (1972)

Alquin - Mountain Queen (1973)

En 1968 unos estudiantes en Delft (Holanda) crean un grupo al que llaman 'Thresold Fear' y con el que tocan principalmente rhytmn and blues. El grupo está formado en 1970 por Hein Mars (bajo, voz), Job Tarenskeen (voces, saxo, percusión), Ronald Ottenhof (saxo, flauta), Ferdinand Bakker (guitarra, voz, teclados), Dick Franssen (teclados) y Bart Terlaak (batería).

A finales de 1971 el grupo cambia de batería: Terlaak se va y Pal Westrate entra. En febrero de 1972 se cambian el nombre a Alquin y consiguen contrato con Polydor para dos lps y cuatro sencillos. De este modo graban su primer trabajo, 'Marks', producido por Hans Van Oosterhout, que también sería productor de Supersister. El álbum es principalmente una mezcla de rock y jazz con influencias clásicas, creando un "rock sinfónico" bastante elaborado y con un cierto colorido a jazz rock melódico.

La popularidad de la banda crece a pasos agigantados durante el año de 1973, sobre todo en su país natal Holanda y llegando a ser elegidos como la mejor banda por la Oor Magazine. Alquin se va de gira por Gran Bretaña en abril y mayo (realizan 17 actuaciones) en lugares como la Universidad de Liverpool, Cavern Club, Greyhound y Marquee Club. También tocan en vivo en el popular programa de televisión 'The Old Grey Whistle Test'.

También en Londres, en el DeLane Lea Studio's, con la ayuda del productor Derek Lawrence (también fue productor de bandas como Deep Purple o Wishbone Ash). Para la mayoría de amantes del rock progresivo y del rock en general este será el mejor disco que registrarán en toda su carrera.

En 1974 y ya con el renombre grabado a pulso gracias a sus dos discos grabados, realmente dos muy buenos trabajos, realizan giras por Alemania, Inglaterra y telonean a The Who por Francia.

Ese año también graban un tercer álbum con el añadido de Michel Van Dijk (que cantó con Brainbox y Ekseption) 'Nobody can wait forever'. El disco se grabó en diciembre en los Rockfield Studios y fue producido por Roger Bain. La música de Alquin sufre cambios, el disco es mucho menos progresivo, las canciones más cortas, mas pesadas e incluso funkys por momentos. Con este disco comenzó el declive de Alquin. Pienso que tomaron un rumbo equivocado y la frescura, originalidad y calidad de sus dos primeros trabajos se pierde. La música se vuelve previsible, ordinaria y carente de cualquier vínculo con sus dos primeros discos. Así es que desde mi punto de vista, Alquin emergió con su primer álbum, 'Marks', con el segundo llegarían a su máximo nivel creativo y con el tercero caerían en el olvido.

La banda siguió tocando y grabó algún disco más hasta 1976 y con la llegada del nuevo milenio volverían a reunirse.

Sus primeros dos trabajos han sido reeditados con una gran calidad de sonido por Esoteric Recordings (como casi todo lo que hace este sello), pero también existe una edición de Polydor que contiene los dos discos en un solo CD.

Marks / Mountain Queen (edición de Polydor)

Boxset/Recopilación editada en 1990

Marks-> 1. Oriental journey (4:22) 

2. The least you could do is send me
some flowers (2:25) 

3. Soft Royce (6:57) 

4. I wish I could (11:27) 

5. You always can change (3:04) 

6. Marc's occasional Showers (3:21) 

7. Catharine's wig (2:31) 

 Mountain Queen-> 8. The dance (13:00) 

9. Soft-eyed woman (2:38) 

10. Convicts of the air (3:50) 

11. Mountain queen (14:45) 

12. Don and Dewey (1:27) 

13. Mr. Barnum's Jr's magnificient and fabulous city (8:25)

Duración: 78:46

Alquin

- Ferdinand Bakker / guitar, keyboards, vocals

- Dick Franssen / keyboards 

- Ronald Ottenhoff / saxes, flute 

- Hein Mars / bass 

- Job Tarenskeen / percussion, vocals 

- Paul Westrate / drums

Merece la pena, y mucho, hacerse con estos dos discos en sus ediciones de Esoteric Recordings. Primero porque son dos discos extraordinarios, en los que se combinan estilos tan diferentes como el día y la noche, repletos de sombras y luces y sin abandonar nunca la calidad que caracteriza la primera época de esta banda. Encontraremos desde el más auténtico sabor jazz pop y jazz rock con coloraciones típicas de la escena Canterbury, pasando por un rock sinfónico en la línea de las mejores bandas británicas, repleto de influencias que abarcan desde la música clásica hasta el hard rock. Impresionantes melodías de guitarras y flautas, increíbles ritmos a cargo de saxofones y secciones rítmicas, vertiginosos violines (en algunos momentos de Marks) y un grupo perfectamente conjuntado que nos asombra con dos discos a cual mejor (a mí me resultaría muy difícil elegir uno por encima de otro). Eso sí, dale tiempo y escucha estos discos con calma. La buena música no siempre tiene que ser fácil de escuchar de buenas a primeras, aunque lo que aquí nos encontramos es bastante fácil de asimilar, tanto por su similitud con bandas como Caravan, Egg o Hatield and the Norh, como por ser una de las mejores bandas progresivas de los primeros setenta. Seguramente te encantará con la belleza de sus canciones.

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Lou Reed, la muerte de un icono

Adiós a Lou Reed

Hace aún unos pocos días me acordaba de este genio y poeta que se dedicó a la música. Una figura que se despide de nosotros, pero que se puede ir satisfecho por el legado que nos deja. Lou Reed siempre ha sido un músico controvertido, con letras depresivas y con una obsesión continua por narrar historias de los personajes más oscuros y marginales. Tenía 71 años, así que se puede decir que ha vivido intensamente y ha dejado una huella imborrable en aquellos que crecimos con su música y con sus canciones. Desde la mítica Velvet Underground hasta sus primeros discos en solitario. Discos como Transformer, Berlin, Rock'n'roll Animal o Coney Island Baby, entre otros grandes y maravillosos discos. Y es que cada uno tendrá sus temas favoritos, incluso habrá quien nunca haya soportado su música. Pero tanto si te gustaba como si no, la música de Lou Reed ha sido y siempre será grande. Hemos tenido la suerte de escucharla durante años y podremos seguir disfrutando de ella durante muchos más, porque la leyenda no ha hecho más que comenzar.

Perfect Day  (uno de los mejores temas que jamás se han editado)

Fue en los primeros años setenta, más concretamente en 1972 cuando Lou Reed sorprendió al mundo con la publicación de su gran obra maestra, Transformer. A este disco pertenecen joyas como Vicious, A Perfect Day y Walk on the Wild Side. Este es su mejor disco desde entonces y el que lanzó su carrera hasta el punto de convertirlo en un abanderado de la música glam rock, junto con David Bowie. Después vendrían joyas como Berlin, considerado por él mismo como el disco más deprimente de la historia de la música. Eso era exactamente lo que se proponía cuando lo hizo, llevar las historias de la cara oculta de un mundo en el que no era oro todo lo que relucía. Un mundo oscuro en el que convivían prostitutas con drogadictos, travestis, alcohólicos, vagabundos. Un mundo real que puebla las noches de las grandes ciudades y que él decidió mostrar en su faceta más cruda y poética al mismo tiempo, y lo hizo en sus mejores discos, desde Transformer hasta Coney Island Baby.

Después vendrían más trabajos y colaboraciones, entre las que encontramos grandes discos como The Blue Mask y New Sensations. Pero fue en 1989 cuando volvió a la primera plana de la música con un trabajo excelente y con un nivel compositivo similar al de sus mejores tiempos. Hablo de la publicación de New York, otro retrato oscuro e impactante de la ciudad que nunca duerme.

Desde entonces el nivel de Lou Reed ha tenido muchos altibajos, con cosas malas y otras no tanto, pero la gloria de los primeros tiempos nunca volvió.

             Men of Good Fortune 

Adiós Lou, recordando algunas inolvidables canciones y poemas que nos dejaste.

El resurgir de Jethro Tull

Jethro Tull parece estar de moda últimamente, o al menos su discográfica se empeña en publicitar un poco más que de costumbre a la que fue una de las mejores bandas de la historia del rock.


Libros nuevos y reediciones dedicadas a su 40 aniversario parecen suficiente de momento para que los fans de la banda podamos estar satisfechos.


Y no es para menos, la edición CD + DVD + Libro a todo color del Thick as a Brick es una auténtica joya. Lo mismo se puede decir de las collector's edition de Aqualung, Stand Up y supongo que la de Benefit, que se edita esta semana, será igual de interesante, más aún si te gusta el vinilo.




Si a esto unimos la promesa de un disco nuevo y más rockero que de costumbre, algo que Ian Anderson ha prometido editar el año próximo, lo que supondría la posibilidad de una gira por España en breve. Así pues, ¿que más se puede pedir? Pues un buen libro escrito desde la perspectiva de un fan y no de un crítico musical. Algo así como "El faro de Aqualung", un buen libro muy interesante y con fotografías de la colección personal de Ian Anderson.











Y si además tenemos la This is Rock del mes de octubre para satisfacer nuestro afán fetiche, con una magnífica portada de Ian Anderson y con interesantes artículos, entre los que destacan, como no, los dedicados a Jethro Tull y también a la grabación Unplugged de Eric Clapton.

JETHRO TULL

Buffalo - Dead Forever (1972)

Buffalo:

Dave Tice - vocalista principal

Alan Milano - vocalista

Peter Wells -bajo

John Baxter - guitarra

Paul Balbi - batería

Leader (Tice/Baxter/Wells)

Suzie Sunshine (Brett/Baxter)

Pay My Dues (Lala/Pinera) 

I'm a Mover (Rodgers/Fraser) 

Ballad of Irving Fink (Milano/Baxter)

Bean Stew (Tice/Baxter)

Forest Rain (Tice/Baxter)

Dead Forever (Tice/Baxter)

Hobo (Tice/Baxter)*

Sad Song, Then (Baxter)*

No Particular Place to Go (Chuck Berry)*

Just a Little Rock and Roll (Terry Thompson)*

Barbershop Rock (Baxter)*

* Bonus tracks en la reedición de Aztec Music del 2006

Leader  -  Buffalo (1972)

Siguiendo con la idea de crear comentarios cortos sobre algunos discos que merece la pena desenterrar y sacar a la luz, aquí viene el de esta banda Australiana grabado y lanzado originalmente en 1972. Está considerado por muchos como el primer álbum australiano de heavy metal. Muerto para siempre también nos muestra mucho más que una banda de rock con fuertes influencias de Black Sabbath, sino también del rock progresivo y psicodélico.

Buffalo

También cabe destacar que fue el primer grupo no británico que editó un álbum en el legendario sello Vertigo. El álbum fue remasterizado y reeditado en marzo del 2006 por la discográfica australiana Aztec Music, con bonus tracks y con un sonido muy cuidado. Así pues otro de esos discos que merece la pena descubrir y si es posible añadir a la discoteca de cada uno.

La banda seguiría grabando discos pero ninguno con la calidad y del interés, en mi opinión, de este primer trabajo. Si tuviese que inclinarme por elegir de su discografía recomendaría escuchar sin duda sus tres primeros lps, pero creo que este es el mejor con diferencia.

Dead Forever  -  Buffalo  (1972)

Morly Grey - The Only Truth (1972)

The Only Truth - álbum editado en 1972

01. Peace Officer (Tim Roller, Paul Cassidy) - 5:49

02. You Came To Me (Mark Roller) - 4:12

03. Who Can I Say You Are (Mark Roller) - 3:43

04. I'm Afraid (Paul Cassidy) - 4:32

05. Our Time (Tim Roller) - 6:28

06. After Me Again (Mark Roller) - 3:08

07. A Feeling For You (Mark Roller) - 2:37

08. The Only Truth (Mark Roller) - 17:04

Morly Grey:

- Tim Roller - guitarras, voces

- Mark Roller - bajo, vocalista

- Paul Cassidy - batería (01-05), voces

- Bob LaNave - batería (06-08), percusión (06-08), voz principal

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Morley Grey es una banda estadounidense de rock psicodélico y progresivo que se formó a finales de 1960. El grupo grabó su primer álbum, The Only Truth, en 1972 y fue editado por el sello local Starshine Records (primero y último de este sello discográfico que con el tiempo se convirtió en una pieza de coleccionista muy cotizada, más teniendo en cuenta el póster que incluía el vinilo original). Aún hay muchas especulaciones sobre si el álbum realmente está grabado en 1969, pero parece ser que no, que su fecha de edición real es 1972.

La banda inicial estaba formada por Paul Cassidy (batería), Randy Byron (guitarra), Tim Roller (guitarra) y Mark Roller (bajo). Más tarde el guitarrista Byron abandonó, quedando la formación como un trío. Para la grabación del álbum 'The Roller Bros. Band' contarían con Mark Roller (bajo), Bob LaNave (batería) y Mark Roller (bajo) como músicos invitados.

Morly Grey grabó otro disco en vivo en 1973 en el sello Vanity (RBB Records), titulado 'The Roller Bros. Band'. En el año 2009 Sundazed Records remasterizó su música  y reeditó una muy buena edición con algunos temas inéditos.

El porqué de elegir una banda en principio tan desconocida es muy simple. La música que hicieron hace más de cuarenta años podría muy bien haberse grabado hoy en día. Su sonido ha envejecido tan bien, salvo por su producción, que podríamos estar hablando de un grupo actual de calidad y original. Uno de esos discos con un sabor característico, en el que se entretejen muy bien los pasajes eléctricos y acústicos. Un disco a caballo entre la psicodelia y el rock progresivo con influencias que abarcan desde Cream hasta Blue Cheer. Las ágiles líneas del bajo de Mark Roller, el trabajo guitarrístico de Tim Roller y los firmes ritmos de la batería de Paul Cassidy crean una música llena de matices y colores, ayudada muchas veces por la simple producción del álbum y logrando en su conjunto un efecto que resulta impresionante.

Morly Grey - Done Rockin - Live 1973

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Asoka - (1971)

Asoka era una banda sueca que evolucionó a partir de otras, como Taste Of Blues, Rhytm & Blues Inc y Take Off. 'Taste of Blues' había sido formada en 1967 por el organista Claes Ericcsson y el batería Patrik Erixson. Los otros miembros de la banda eran Anders Stridsberg como vocalista, Rolf Freedenberg a la guitarra y Robert Möller al bajo. En 1969 lanzaron un disco de debut llamado 'Schizofrenia', con una cara A que contenía un solo tema psicodélico sensacional. La cara B era más tradicional y estaba repleta de temas dentro de un estilo ya más orientado al rock y al rythm'n'blues. El álbum no tuvo ninguna repercusión comercial, pero resultó interesante dentro de un contexto meramente musical y artístico.

Estaban influenciados principalmente por los nuevos grupos americanos y británicos de entonces, Santana, Jimi Hendrix y Deep Purple. Antes de tomar el definitivo nombre de Asoka, se denominaron también Take Off, y junto con algunos miembros (los hermanos Bengston) de otra banda llamada Rhythm & Blues Inc establecieron la formación que daría origen a este primer álbum. Un álbum que aunque no sea precisamente un clásico del rock, si resulta lo bastante interesante para conocer un poco de primera mano el panorama musical de alguna de las bandas primigenias de los países nórdicos.

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Asoka  - Editado en 1971

Claes Ericsson  -  órgano, piano, violín

Patrik Erixson  -  vocalista, percusión

Robban Larsson  -  guitarrista

Tjobbe Bengtson  - bajo

Daffy Bengtson  -  batería

01. "Psykfoni For Ekogitarr Och Poporkester" 2:12

02. "Ataraxia" 3:28

03. "Leave Me" 3:35

04. "Svensson Blues" 3:28

05. "1975" 3:48

06. "If You Feel" 4:25

07. "Tvivlaren" 4:38

08. "I'm Trying" 6:15

09. "Psykfoni For Ekogitarr Och Poporkester" 2:52

bonus:

10. "The Seeker" 3:54

11. "At El-Yago 9-3" 1:58

12. "Ohio" 5:23

13. "Mama" 4:36

14. "Southern Comfort" 6:46

15. "I Need Your Love" 4:45

16. "Another Kind Of Love" 3:53

17. "Take Off Jam" 9:11

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Este primer ábum es un excelente e interesante trabajo repleto de temas psicodélicos y hard rock, muy buena música y con una gran variedad de ritmos progresivos, blues, jazz, etc. Las influencias de la banda están bastante claras, y como decía antes podemos escuchar desde los estilos característicos propios de Santana, hasta sonidos ya más duros y derivados de las influencias de Hendrix y Deep Purple, pero sin perder nunca la crudeza de un sonido propio, repleto de muy buenas guitarras y un fantástico órgano que se erige muchas veces como líder de la formación, siempre bien guiados por la perfecta y equilibrada maquinaria rítmica que son los hermanos Tjobbe y Daffy Bengston.

En la edición actual, además del disco en sí, podemos disfrutar de temas extras, outtakes, y algunas de las primeras grabaciones que realizó la banda. Una buena cantidad de material para degustar esta buena banda escandinava de los primeros años setenta.

Lou Reed - Berlin (1973)

A1 Berlin - 3:23 

A2 Lady Day - 3:40 

A3 Men Of Good Fortune - 4:37 

A4 Caroline Says I 3:57 

A5 How Do You Think It Feels 3:42 

A6 Oh, Jim 5:13 

B1 Caroline Says II - 4:10 

B2 The Kids - 7:55 

B3 The Bed - 5:51 

B4 Sad Song

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Cuando Lou Reed se propuso hacer Berlín, tenía en mente un disco especial. Lo que el consideraba que debía ser "el disco más depresivo de la historia". Si lo logró no lo sé, pero lo que si hizo fue mostrar un nivel de frustración y decadencia a través de un par de perdedores y marginales de nuestra moderna sociedad. La imagen de un par de yonkis que viven en las calles de Berlin, arrastrándose por el fango de los barrios bajos y revelándonos sus emociones.

Lou Reed había afirmado en aquel tiempo que sentía atracción por la estética del suicidio, por los lugares más oscuros de la existencia, decidió deshacerse de su figura idílica e irreal llena de maquillaje y purpurina, mostrarnos la vida de seres marginales, de inadaptadas ovejas descarriadas, de yonkis que intentan sobrevivir en un mundo sumergido en lo más hondo de la sociedad.

Lou Reed ya había demostrado con 'Walk on the Wild Side" (Transformer) que le gustaba contar historias de un mundo distinto al habitual, así que Berlin es el complemento perfecto de aquella, otro paseo por el subconsciente, por el lado salvaje de una mente torturada. Pero en “Berlin” no hay caos, distorsión, ni terrorismo sonoro. Aquí los temas están hechos de acuerdo a las reglas: canción de cuatro-cinco minutos de estructura rítmica y melódica, con arreglos magistrales de cuerda y vientos.

Si Transformer fue su mejor disco, Berlin es sin duda su mejor sucesor y junto con Coney Island Baby (dejando a un lado el magistral directo 'Rock'n'Roll Animal) la trilogía imprescindible de este autor.

El álbum se publicó en 1973 y este año se cumplen 40 años desde su aparición. A pesar de ser un trabajo maldito, no incomprendido, sino más bien maltratado desde las distintas publicaciones musicales de la época que preferían cerrar los ojos ante algo tan "horrendo y de mal gusto". Han tenido que pasar cuatro décadas para que se haga justicia con este fantástico álbum y por fin se hable de él como lo que es, una joya musical y poética. Pero aún así uno se sorprende y apena cuando mira las críticas de Allmusic (o similares) y ve que aún sigue estando maldita en ciertos sectores más conservadores.

Lou Reed

“Estuvimos en un pequeño café / Tú pudiste oír las guitarras tocar / Era algo bonito / Oh, cariño, era el paraíso”. Es “Berlin”, el tema que abre al álbum y le da título. Nos pretende mostrar el ambiente cabaretero del lugar, en el que se celebra un cumpleaños.

A continuación viene “Lady Day” y “Men Of Good Fortune”, dos temas realmente fantásticos y desgarradores, con esos riffs fascinantes y los continuos cambios entre tiempos lentos y fuertes. Dos de los mejores temas del álbum, sobre todo "Men Of Good Fortune", que es sencillamente arrollador y tierno al mismo tiempo. Tal vez mi favorito, junto con el final.

Men Of Good Fortune - Lou Reed Berlin (1973)

“Caroline Says I” se construye sobre un ritmo vivo y un estribillo clásico muy pop, aquí podemos disfrutar  de una sección de cuerda asombrosa. 'How Do You Think It Feels' es uno de esos temas que parecen extraídos de Transformer. Un precioso tema rock en la mejor línea de la Velvet Underground.

A continuación, y cerrando la primera cara, “Oh, Jim”, un ritmo encabezado por los vientos y el fascinante cambio a mitad de canción transformándola  en un ritmo genial de guitarra acústica y voz.

“Caroline Says II” abre la segunda cara con un sonido totalmente opuesto a la anterior, es una balada triste y melancólica, pero encantadora. 'The Kids' continúa en la onda triste y deprimente del tema anterior, llevándolo a su máximo extremo y mostrando el dolor de una madre a quien le quitan su hija.

Caroline Says II - Lou Reed Berlin (1973)

Los dos momentos más grandes del disco llegan al final: “The Bed”, con una bella voz y ese final de perfectos e inquietantes coros que enlazan con el tema “Sad Song”, otra canción genial y deprimente al mismo tiempo, que sólo se pueden describir escuchándolas y devorando sus letras.

        

Berlin                                                                   Lady day

La revista RockdeLux cita algo que me parece una gran verdad, que con “Berlin” Lou Reed alcanzó no sólo una cumbre, sino más bien un fondo, y es que la razón por la que este disco es también una leyenda es simple: su grandeza. Un disco de valor inestimable, con canciones imprescindibles, para conocer la obra de Lou Reed y para comprenderla un poco más.

Dedicado a la memoria de Lou Reed

Wolf - Canis Lupus (1973)

Álbum de estudio, editado en 1973

Temas:

1. The Void (4:35) 

2. Isolation Waltz (4:37) 

3. Go Down (4:45) 

4. Wolf (4:06) 

5. Cadenza (4:48) 

6. Chanson Sans Paroles (6:28) 

7. McDonald's Lament (7:10) 

Duración: 36:29

Darryl Way's Wolf:

- Darryl Way / violín, viola, teclados

- Dek Messecar / bajo

- John Etheridge / guitarra 

- Ian Mosley / batería

músico invitado:

- Ian McDonald / piano, percusión (tema 6)

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Cuando Curved Air se deshizo en 1972, Darryl Way formó una nueva banda llamada Darryl Way's Wolf, más conocida como Wolf a secas. El grupo estaba liderado por Darryl Way como violinista y teclados, Ian Mosley en la batería, John Etheridge en la guitarra (futuro Soft Machine) y Dek Messecar (futuro Caravan) al bajo. Así pues estamos ante una de esas bandas que podemos considerar vinculadas al sonido Canterbury.

Wolf nos dejó tres buenos discos: Canis Lupus (1973), Saturation Point (1973)  y Night Music (1974). Tres buenos discos (a cual mejor) en el corto plazo de un par de años. Si tuviese que elegir dudaría mucho entre su primer álbum Canis Lupus y Saturation Point. Al final decidí dedicar esta mini reseña a Canis Lupus, empezando por el principio, uno de esos discos que tuve la suerte de tener cuando comenzaba a comprar mis primeros vinilos y por el que siento una especial predilección. Saturation Point vino a continuación y es el que probablemente sea su mejor trabajo. Volviendo a Canis Lupus, fue producido por el ex-King Crimson Ian Mcdonald, quien participa en el tema 'Chanson Sans Paroles', tocando el piano y algunas percusiones.

Isolation Waltz  -  Wolf - Canis Lupus (1973)

La música de Wolf está fuertemente influenciada por la música clásica, por el jazz y por la música más experimental, por decirlo de algún modo. Era una banda atípica que no tenía nada que ver (o poco) con otras bandas que utilizaron el violín como instrumento icono, como The Flock, It's a Beatiful Day, High Tide, con la única excepción de la primera época de Curved Air, de donde provenía el líder de esta formación, Darryl Way.

La formación clásica de Way tiene mucho que ver en el sonido de la banda y el modo en que se desarrollan las composiciones en este álbum. Darryl Way es un violinista y compositor excepcional, que después de de disolver Wolf, grabaría algunos discos en solitario y algunas colaboraciones importantes, incluso tocando en temas del Heavy Horses de Jethro Tull (no es que sea algo muy importante en su currículum musical, pero como fan de los Tull no podía dejar de mencionarlo). Entre sus discos en solitario destacaría el 'Concierto para violín eléctrico', que se estrenó en el South Bank Show, con la Real Orquesta Filarmónica en 1978, que fue transmitido en vivo por la BBC Radio Leeds.

           
     Cadenza                                                        McDonald's Lament 

 

The Flock (1969)

Temas:

01. Introduction - 4:48

02. Clown - 7:42

03. I Am The Tall Tree - 5:36

04. Tired Of Waiting - 4:38

05. Store Bought - Store Thought - 6:58

06. Truth - 15:24

The Flock:

Fred Glickstein - guitarra (01 - 06), guitarra acústica (03, 05), voz principal (02 - 06)

Jerry Goodman - violín (01 - 04, 06), guitarra (02, 05), voces (02 - 05)

Jerry Smith - bajo (02 - 06), voces (02 - 05)

Ron Karpman - batería (02 - 06)

Tom Webb - saxofón tenor (02, 03, 05, 06), maracas (04), flauta (05), armónica (06), voces (05)

Rick Canoff - saxofón tenor (02 - 06), voces (02, 03, 05)

Frank Posa - trompeta (02 - 06)

The Flock se formó en 1968 y dijo adiós en 1975. Así pues son siete años de existencia en los que nos dieron algunos grandes discos del por entonces nuevo jazz rock. Un jazz rock con mucho de rock experimental y menos comercial que el de otras bandas similares con las que siempre se comparan: Blood, Sweat & Tears y Chicago. Lo cierto es que prefiero compararla con otra banda de la misma época, aunque esta británica, IF,  con un sonido muy similar. Lo que distingue especialmente a The Flock de todas estas bandas que menciono es el violín de Jerry Goodman.

En su época dorada The Flock estaba formada por Jerry Goodman (violín), Fred Glikstein (guitarrista y voz principal), Rick Canoff (saxofón tenor), Frank Posa (trompeta), Tom Webb (saxo y flauta), Jerry Smith (bajo), Ron Karpman (batería y percusión). Esta es la formación que aparece en los créditos de su primer álbum, The Flock, y en el segundo, Dinosaur Swamps. Sus dos discos más logrados.

The Flock despegó cuando en 1968 el guitarrista Rick Mann abandona la banda y seleccionan a Jerry Goodman para suplirlo. La incorporación de Goodman fue un soplo de aire fresco para el grupo, con un sonido de violín distinto a cualquier otro que se hubiese escuchado hasta entonces. Goodman toma conceptos de la música clásica, del free jazz y de Charles Mingus, que sumados a sus dotes como front-man, su virtuosismo con el instrumento y su facilidad de improvisación dan una nueva dimensión al sonido y a la imagen de la banda. 

El álbum protagonista de esta reseña es su debut homónimo, The Flock. Ya desde el principio el grupo nos sorprende con 'Introduction', un tema que comienza más bien como una pieza acústica, con una guitarra y un violín relajados al principio, para ir variando hacia algo más cercano a una improvisación a medio camino entre el jazz y la música clásica moderna.

A golpe de bajo entramos en el segundo corte del disco, Clown. Esto ya nos suena mucho más familiar, un rock blues con sabor americano donde la guitarra y el trabajo al bajo realizado por Jerry Smith destacan junto a las apariciones espectaculares del violín. Un tema largo que se disfruta de principio a fin. De lo mejor del álbum.

Introduction - Clown  The Flock Live 1970

'I Am Tall Tree' es una bonita balada rock con sabor americano, repleto de armonías vocales y los acompañamientos relajados del resto de instrumentos. 'Tired of Waiting' se inicia con una improvisación de violín que da paso a otro gran tema de rock soul, con bellas voces también y magníficos solos de guitarra y violín. 'Store Bought - Store Thought' se mueve entre los sonidos funkys y el soul. Otro de esos temas que envuelven varios estilos, pero siempre dentro de un sonido muy similar al de Sly & the Family Stone. La guitarra aquí está también sensacional, al igual que las voces y las secciones de metal. Finaliza este disco con otro grandísimo tema blues y jazz rock totalmente original, donde en vez de las típicas guitarras soleando sobre los ritmos de bajo y batería, nos encontramos con el genial violín (de vez en cuando alguna guitarra, saxos y trompetas) de Jerry Goodman liderando este tema de quince minutos. Escuchar tranquilamente este disco es disfrutar enormemente de la música de The Flock y de uno de los grandes álbumes del rock americano de finales de los sesenta.

The Flock (1969) Álbum completo

"Introduction" -- 4:50

"Clown" -- 7:42

"I Am The Tall Tree" -- 5:37

"Tired of Waiting" -- 4:35

"Store Bought - Store Thought" -- 7:00

"Truth" - 15:25

Tired of Waiting - The Flock (1969)

Crack - Si todo hiciera Crack (1979)

1. Descenso en el Mahellstron

2. Amantes de le Irrealidad 

3. Cobarde O Desertor 

4. Buenos Deseos

5. Marchanda Una del Cid (Pt. 1, 2) 

6. Si Todo Hiciera Crack

7. Epílogo

- Grabado en el periodo de una semana (de lunes 

a viernes) en los antiguos estudios Audiofilm de Madrid (primavera de 1979)

- El disco fue publicado originalmente en formato LP por la discográfica Zafiro dentro de su sello Chapa destinado a sus grupos de rock. Posteriormente el disco ha sido reeditado hasta tres veces en Japón y Korea.

Crack fue un grupo español, más concretamente asturianos afincados en Gijón. Estaba compuesto por el bajista Alex Cabral,  a la guitarra, flauta y voz Alberto Fontaneda, al teclado y voces Mento Hevia, a la batería Manolo Jimenez y el guitarrista Rafael Rodriguez. En 1979 editaron un Lp titulado "Si todo hiciera Crack",  uno de los mejores discos del rock sinfónico que se han editado en nuestro país. 

La banda toma influencias del rock progresivo italiano y también de bandas como Jethro Tull. La música que hacen abunda en instrumentos típicos del género, como el melotron, el órgano moog y el piano, con abundantes pasajes a cargo de las flauta y las guitarras acústicas y eléctricas. 

Las composiciones son muy buenas, al igual que las ejecuciones de las mismas en temas que destilan fuerza, carácter y mucha calidad.

Esta entrada, extraída en su práctica totalidad del Sitio oficial del Grupo Crack, pretende ser un pequeño homenaje a la banda.

 

Crack es un grupo Gijonés...

Hace "sólo" 30 años, en 1979, Crack publicó su primer y último disco: Si Todo Hiciera Crack.

Desde la otra orilla del tiempo Crack asoma de nuevo la nariz y os invita a todos a compartir con nosotros aquel proyecto de rock sinfónico, o progresivo, como parece ahora denominarse aquel estilo. Seguro que nosotros entonces sí sentíamos nuestra música como progresiva, o como progresista, así que en ese sentido esa nueva denominación encaja perfectamente con nuestras ideas.

Así que sin más preámbulos y rememorando la estrofa de uno de los grandes de historia del rock, Emerson Lake & Palmer:

Welcome back my friends to the show that never ends. Come inside. Adelante...

Si todo hiciera Crack  -  Crack (1979)

Cómo se gestó el álbum

Tras la larga travesía del desierto, las horas y horas de local de ensayo , de buscar contactos, aquí y allí, de pelearse con las deficiencias de sonido del equipo y como no con nuestras propias y humanas pequeñeces de todos los días, por fin, un día no sé cómo llego la noticia: alguien en Madrid estaba dispuesto a producir nuestro disco. Y de repente es como si todas las dificultades pasadas tuviesen ya justificación.

Otro grupo de aquellos con los que alguna vez habíamos coincidido en algún concierto, Asfalto, había comentado a Vicente Romero (Mariskal) que por entonces buscaba grupos interesantes de cada región del país, que en Asturias había un grupo que tenía cierto nombre y que no lo hacía mal. Asumo que le dijeron esto último y que ese argumento entre vete tú a saber cuáles otros fue el que hizo que nos llamasen.

Manolo, nuestro batería, habló con Mariskal y le envió una cinta un poco decente, una maqueta como solemos llamarla, hecha con una grabadora de aquellas con enormes cintas que no estaba nada mal para la época. Con ella grabamos algún tema que escucharon en Madrid. Parece que al final, no obstante Mariskal decidió ficharnos para incluirnos dentro del sello Chapa sin tan siquiera haber escuchado esa cinta. En cuanto se fijasen las fechas con el estudio teníamos que presentarnos en Madrid.

Y para allí nos fuimos, encantados de la vida, en cuanto nos llamaron, y sin plantearnos ninguna exigencia que se saliese del guión previsto. Condición sine qua non del productor: recortar los larguísimos temas para llegar a un número razonable, por encima de cinco supongo.

Así pues,la primera tarea era recortar esos temas y retocar aquí y allí para encontrar una cierta coherencia a lo que iba a incluirse en el disco. Acordamos dividir "El Cid", un tema muy largo, con mucha épica sinfónica en tres temas que claramente podían quedar diferenciados:

Descenso en el Mahellstrom

Marchando una del Cid

Epílogo

Ya en aquella época encontrabamos que al menos el título de "El Cid" sonaba quizá demasiado pomposo y por eso decidimos mitigar esa pomposidad dándo al tema un nombre un poco más "simpático", más de andar por casa. Y como el tema tenía mucha marcha, y los huestes del héroe marchaban reconquistando la "tierra patria", y como seguro que en una de las mil veces que ensayábanos el tema a alguno se le ocurrió eso de: "venga otra vez desde el principio, marchando una del Cid" (que hace además pensar en "marchando una de calamares, o una de pulpo", que también son cosa estupendas y a nadie se le escapa) pues ese fue el nombre que decidimos darle a la parte central de nuestro antiguo "Cid".

A "Amantes", "Si todo Hiciera" y "Cobarde" también hubo que recortarlos. Eso sí a pesar de ciertasa reticencias iniciales, llegado el momento creo que todos nos mostramos satisfechios con el resultado. Creo que esa imposición de recortar los temas, arbitaria sin duda cuando viene de alguien que no los ha compuesto, fue sin embargo a la postre una imposición con estupendos resultados.

El disco se grabó en Madrid en la primavera del 79. No sé exactamente ni la semana, ni tan siquiera el mes, quizá a finales de abril. Eso sí, dispusimos, tal y como habíamos previsto de 5 días de estudio para la grabación (supongo que de lunes a viernes.).

No sé si los estudios de Audiofilm eran los mejores de Madrid. Sequro que no, pero a nosotros nos parecieron estupendos. Había todo lo que podíamos necesitar y sobre todo un ingeniero de grabación estupendo, Luis Fernández Soria, un profesional serio y al mismo tiempo dispuesto a escuchar nuestras ideas. Creo que disfrutó trabajando con nosotros aquella semana y creo recordar haberle oído decir que nuestra música le había sorprendido y le había permitido intentar alguna cosa que normalmente no hacía en su trabajo diario.

Especialmente para la grabación contamos con Cani, una chica de Oviedo con una voz sensacional a la en una ocasión habíamos oído cantar en nuestro local de ensayo. Creo que en esa ocasión consideramos la posibilidad de invitarla a que se uniera al grupo, pero no recuerdo ya si por nuestra parte o por la suya la cosa nunca llegó a cristalizar. Tampoco recuerdo cómo y cuándo se decidió contar con ella para la grabación pero su aportación fue muy interesante y el disco tal y como lo conocemos hoy en día no sería el mismo sin ella.

Todas las voces de Cani e incluso algún apoyo vocal de Mento se prepararon directamente en los descansos entre una y otra grabación. Nunca nada tan improvisado tuvo mejor resultado.

Si todo hiciera Crack - Crack (1979) Álbum completo

The Samurai of Prog - Descenso al Maelstrom (versión del tema de Crack)

Pincha aquí para ojear las letras del disco.

Bubu - Anabelas (1978)

Álbum editado en 1978
1. «El cortejo de un día amarillo» 19:26
2. «El viaje de Anabelas» 11:12
3. «Sueño de maniquí» 9:16

Duración: 39:53

Bubu:

- Sergio Polizzi / violín
- Cecilia Tenconi / flauta, picolo
- Win Fortsman / saxo tenor y letras
- Petty Guelache / cantante principal
- Eduardo Rogatti / guitarra
- Eduardo "Fleke" Folino / bajo
- Eduardo "Polo" Corbella / batería y percusión
- Daniel Andreoli / composición y arreglos

Bubu fue una banda de rock sinfónico argentina, inicialmente liderada por Miguel Zavaleta, que se caracterizó por su propuesta musical y teatral, cuya tendencia se emparentaba con la música sinfónica o progresiva de la época y que comenzaron a presentarse en público bajo el nombre de Sion.

La banda debutó en el año 1976 caracterizándose por su frescura, alegría y puestas en escena. Grabaron su primer y único disco luego de una serie de exitosos conciertos, pero ya sin la participación de su vocalista Miguel Zavaleta, que había sido sustituido por Petty Guelache.

Bubu

Finalizada la obra conceptual en el año 1978 presentan el álbum con el título de Anabelas, muy influenciada por la música de King Crimson, Genesis y Emerson, Lake & Palmer. El grupo debió esperar un cierto tiempo para que su disco estuviera en las calles.

Así pues estamos ante otra de esas fantásticas bandas que dejaron un único disco como legado. Si tenemos en cuenta que ésta es una banda argentina y no británica o norteamericana, el acceso a los principales mercados discográficos resulta ya prácticamente imposible. Y aún así, este álbum es ampliamente conocido (gracias en parte a la red) como uno de los mejores discos de rock progresivo sinfónico que se han grabado (sin exagerar mucho), con unas cotas de calidad musical difíciles de igualar.

El cortejo de un día amarillo

Bubu nos muestra todas sus cualidades con la complejidad de una música en la que las guitarras, el violín y el saxo se alzan como líderes indiscutibles y llevan el peso de la mayor parte de las melodías y ritmos. También es cierto que las influencias de King Crimson se dejan notar mucho, pero también se aprecian las influencias de la música clásica moderna, según Andreoli, de Igor Stravinsky:

"En el tiempo en que compuse “Anabelas” yo era disciplinado. Era uno de esos chicos que se tomaban las cosas muy en serio, al punto que había sacado las persianas de mi habitación para que cuando saliera el sol me despertara, y ahí empezaba yo mi trabajo del día; tenía mucha convicción, mucha fuerza. En aquel momento estaba muy copado con Igor Stravinsky y Olivier Messiaen, pero básicamente escuchaba a King Crimson, cuya influencia se nota en Bubu.

Otra característica que nos diferenció fue que, en aquel momento, una banda se formaba así, primero se juntaban los músicos y después entre todos armaban las composiciones. Bubu fue al revés: Primero se hizo la música y después se empezaron a probar intérpretes. Y en eso tuvo mucho que ver la mentalidad y el empuje de Wim Fortsman de concretar las cosas, de llevar a cabo la obra.

Las composiciones de Anabelas las ensayamos febrilmente, todos los días. La batería era el instrumento más libre, porque yo consideraba que así tenía que ser. Pero ensayábamos las bases por separado. Bajo y batería por un lado. Después bajo, guitarra y batería. Y saxo, violín y flauta por otro lado. Después se ensamblaban todas las partes. El mérito por el resultado obtenido fue de todos los músicos, ya que el esfuerzo y la entrega fueron totales. Y no era fácil, porque más de uno ya estaba casado y tenía hijos y esto no daba dinero."

La marcha del anterior vocalista Miguel Zavaleta truncó un álbum que de otro modo habría sido mucho mejor. Es mi opinión y la otros muchos fans del rock progresivo, que las letras y la voz no están al nivel del resto. Aún así -como mencioné antes- estamos ante una de las obras maestras del rock progresivo a nivel internacional. Una obra ambiciosa que consigue beber de fuentes muy diversas y variadas sin llegar a perder la originalidad en ningún momento.

Sueños de maniquí

Entrevista a Daniel Andreoli.  Para saber más sobre este disco, extracto de las notas del CD

Toe Fat - Toe Fat (1970)

Álbum editado en mayo de 1970

A1.  That's My Love For You

A2.  Bad Side Of The Moon

A3.  Nobody

A4.  The Wherefors And The Whys

A5.  But I'm Wrong 

B1.  Just Like Me

B2.  Just Like All The Rest

B3.  I Can't Believe

B4.  Working Nights

B5.  You Tried To Make It All 

Toe Fat:

Bajo, Voces – John Konas

Batería, Voces – Lee Kerslake

Flauta, Armónica – Mox

Guitarra, Órgano, Piano, Voces – Ken Hensley

Vocalista principal, Piano – Cliff Bennett

  

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Toe Fat fue una formación británica que se inició en junio de 1969 con el veterano cantante Cliff Bennet (ex- Rebel Rousers), el guitarrista y teclista Ken Hensley (futuro Uriah Heep), el bajista John Glascock (que reemplazaría a John Hammond en Jethro Tull) y el baterista Lee Kerslake (también futuro miembro de Uriah Heep), todos ellos ex miembros de The Gods. Toe Fat (dedo gordo) consiguió rápidamente un contrato con Parlophone en el Reino Unido y Rare Earth en los Estados Unidos. Sin embargo este primer álbum no consiguió el éxito que esperaban de una formación con semejantes figuras de la música y tras grabar un segundo disco, titulado Toe Fat Two, el grupo se disolvió.

          

That's My Love For You                                              Just Like Me      

John Glascock en Toe Fat (1970)

En este disco podemos escuchar un hard rock con muchas influencias de la música blues y de los grandes del hard rock británico de los primeros años setenta, como Led Zeppelin, Humble Pie o Savoy Brown. Un gran disco y el primero de los dos que grabaron, sobre el que no me voy a extender, únicamente recalcar que es una auténtica joya que merece la pena descubrir y con músicos de tal envergadura que acabarían formando parte de algunas de las mejores bandas de la música rock.

La calidad de la banda es asombrosa, desde la voz de Bennett, pasando por las excelentes guitarras siempre en el lugar perfecto y lo suficiente pesadas para ser considerados hard rock. La sección rítmica también impresiona, no en vano aquí está Lee Kerslake como batería y aunque no esté aún John Glascock, el que sería el mejor bajista (en mi opinión) que tendría Jethro Tull, tenemos a John Konas, igualmente un bajo excepcional.

Cartel USA (con el corderito)

Como curiosidad, resaltar que en la edición americana (de Rare Earth) la pareja que se ve en la portada fue censurada y cambiada por un pequeño cordero blanco. Absurdos de entonces, los pechos de la mujer no se podían mostrar pero los del hombre sí, ya ven.

Así pues, un disco para disfrutar y para descubrir una gran banda que debería haber merecido mucho más reconocimiento del que se le otorgó y uno de los grandes discos del rock blues y del nuevo hard rock que se estaba extendiendo por todas las islas británicas.

Toe Fat, Just Like All The Rest (1970)

Harmonium - Si On Avait Besoin d'une Cinquième Saison (1975)

Álbum de estudio editado en 1975

Temas:

Cara 1 

1. Vert (5:34) 

2. Dixie (3:26) 

3. Depuis L'Automne (10:25) 

Cara 2 

4. En Pleine Face (4:51) 

5. Histoires Sans Paroles (17:12) 

Duración: 41:28

Harmonium:

- Pierre Daigneault / flaut, picolo, saxofón soprano, clarinete

- Serge Fiori / guitarra, flauta, arpa, 

bombo bajo, voces

- Serge Locat / piano, melotron, sintetizador

- Michel Normandeau / guitarra, acordeón, voces

- Louis Valois / bajo, piano eléctrico, voces 

- Judy Richard / voces (5)

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El cantante y guitarrista Serge Fiori se unió a Michel Normandeau (voz y guitarra) en una obra de teatro musical en noviembre de 1972. Más tarde, en 1973, conocieron al bajista Louis Valois y se convirtieron en Harmonium. Todo esto ocurría en Montreal, Canadá, de donde eran originarios.

En Noviembre de 1973, el grupo realizó su primer concierto en la radio CHOM-FM. Tocaron temas que después estarían en el que sería su primer álbum, 'Harmonium', editado en 1974.

Después de muchos pequeños espectáculos y una pequeña gira por todo Québec, editan su segundo álbum. A veces es conocido como Les Cinq Saisons, su título real es Si On Avait Besoin D'une Cinquième Saison. 

Harmonium, 1974

Publicado una año después de su debut, 'Harmonium', Si On Avait... (si necesitamos una quinta estación) fue un disco con el que impresionaron tanto a críticos como a muchos fans del rock folk y del rock progresivo. La banda había añadido dos nuevos miembros durante la época en que se grabó este disco: Pierre Daigneault, tocando la flauta, saxo y clarinetes, Serge Locat, al piano y sintetizadores, además del invitado especial Judi Richards, que canta la melodía de la quinta temporada, Histoires Sans Paroles.

Realmente es difícil catalogar este álbum, pero llámese rock folk o rock progresivo, la música que nos presenta esta banda es realmente bella y relajante, un rock muy personal y arraigado en la música popular que da gusto escuchar. 

El álbum gira en torno a las estaciones, los cuatro primeros temas representan cada uno de ellos una estación. El quinto tema (o estación) es una suite épica de 17 minutos, tal vez la mejor y más completa composición de todas las que aparecen en el disco. También se ha puesto un especial cuidado en la composición y los arreglos del tema 'Dixie', una canción que representa al verano, enérgica y con docenas de instrumentos que entran y salen, rematadas por un piano genial y la única percusión que aparece en todo el álbum.

     
           Dixie                                                                  Histoires Sans Paroles

La mayoría de las canciones son complejas y extensas, repletas de melotron, piano y flautas que añaden otra dimensión a un sonido ya de por si bastante elaborado y complejo, en el que las guitarras acústicas se alzan con el principal protagonismo. Un disco a medio camino entre lo simple y lo complejo, entre la música popular y la grandeza de la música sinfónica.

Vert  -  Harmonium (1975)

Love Sculpture - Blues Helping (1968)

Love Sculpture fue una banda de Gales (Reino Unido) que tomaban clásicos del blues para reconvertirlos. Estaban liderados por el guitarrista y cantante David Edmunds, el bajista John Williams y Rob Jones 'Congo' a la batería. El grupo se formó en 1966 en Cardiff, de las cenizas de otra banda local llamada The Human Beans, y se disolvieron en 1970. La banda era muy buena, debido principalmente a la habilidad técnica de Dave Edmunds como guitarrista. La mayoría de las canciones del grupo eran clásicos del blues retomados y acelerados, pero muy similares a los originales. Debutaron con un álbum asombroso, como era Blues Helping, que contenía versiones de 'Summertime', 'Wang Dang Doodle' o  'Stumble' entre otros.

Su álbum de 1968, el antes mencionado Blues Helping, fue mucho mejor que el que vendría después, 'Forms and Feelin' de 1969', en el que perderían gran parte de su frescura inicial.

En 1970 Mickey Gee se unió a la banda como segundo guitarrista, y Terry Williams reemplazó a Rob Jones en la batería. Pero ya nada fue lo mismo, la magia se había perdido y la banda se separó después de una gira por los EEUU, con tan solo dos álbumes en su haber.

Pero siempre nos queda el consuelo de esa maravilla que resultó ser su álbum debut, Blues Helping. Más vale poco y bueno, que mucho y malo, y Blues Helping es más que bueno, genial.

Love Sculpture - Blues Helping (1968)

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Temas del álbum

1. The Stumble (Freddy King, Sonny Thompson) - 3:03

2. Three O' Clock Blues (B.B. King, Jules Taub) - 5:08

3. I Believe To My Soul (Ray Charles) - 3:47

4. So Unkind (Elmore James, Marshall Sehorn) - 2:56

5. Summertime (DuBose Heyward, George Gershwin) - 4:02

6. On The Road Again (Floyd Jones, Will Shade) - 3:35

7. Don't Answer The Door (Jimmy Johnson) - 6:02

8. Wang Dang Doodle (Willie Dixon) - 3:31

9. Come Back Baby (Ray Charles) - 2:45

10.Shake Your Hips (James Moore) - 3:19

11.Blues Helping: Instrumental (Bob Jones, Dave Edmunds, John Williams) - 3:46

Temas extras en algunas reediciones

12.Morning Dew: Take Me For A Walk (Bonnie Dobson, Tim Rose, 1967 Single Release as Human Beans) - 2:52

13.It's A Wonder (Isaac Hayes, David Porter, 1967 Single Release as Human Beans) - 2:41

14.River To Another Day (Charles & Kingsley Ward, 1968 Single Release) - 2:36

15.Brand New Woman (Crick Feather, 1968 Single Release) - 2:21

Love Sculpture
Bajo – John Williams

Batería – Bob ''Congo'' Jones

Guitarra, Órgano, Piano, Voz principal – Dave Edmunds

Piano – John Williams (tema: 10)

Voces – John Williams (temas: 3, 5, 6, 8), Bob ''Congo'' Jones (temas: 3, 5)

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I Believe To My Soul - Love Sculpture (1968)