Jackie McLean - Let Freedom Ring (1962)

 Su Padre tocaba la guitarra en una orquesta y a su muerte, su madre le apunta a los cursos de la New York School of Music. Más tarde, su padrastro le descubre la música de Charlie Parker y otros músicos bop.

McLean tenía por vecinos a Kenny Drew, Andy Kirk y Sonny Rollins. Recibiría clases de piano de Bud Powell. Entre 1951 y 1952 grabó con Miles Davis y tocó en su banda, acompañando a músicos como Sonny Rollins y Thelonious Monk. Entre 1955 y 1956 toca con Charles Mingus.

Posteriormente empieza a editar sus primeros discos. Concretamente con el sello Prestige y con gente como Donald Byrd, Elmo Hope y Art Blakey. También graba para Blue Note con Sonny Clark, Roy Haynes, Bobby Hutcherson, etc. En estas sesiones de Blue Note creo que empieza a concebir, junto a músicos como Grachan Moncur III, Tony Williams, Bobby Hutcherson, Andrew Hill, Herbie Hancock, Kenny Dorham, etc., el grueso de lo que será su legado para el sello, 21 álbumes, de los cuales la inmensa mayoría son auténticas obras de arte. Discos imprescindibles para comprender la evolución de la música jazz en los años 60. El último de éstos trabajos sería Demon’s Dance.

Posteriormente dejaría la escena musical para cumplir condena por el uso de drogas. A la salida de la cárcel se percibe la inmensa influencia que ejerce en su música Ornette Coleman. Se convierte al Islam y abandona el consumo de drogas. Tras esto, aún sigue un tiempo con grandes músicos, siguiendo vinculado principalmente a Ron Carter, Woody Shaw, McCoy Tyner, Herbie Hancock, etc.

La música de Jackie McLean está un par de pasos por delante de las creaciones de sus contemporáneos. Excepto algunos, la mayoría de los cuales tocaron junto a él, que compartieron sus ideas. Sin llegar a la exageración atonal del Free Jazz, traspasó las fronteras y fue de los pocos que se atrevió a experimentar abiertamente, fusionando estilos como el blues, el soul y el jazz y realizando composiciones complejas, a veces melódicas y otras veces más impredecibles, en las que sólo el sabía hacia donde se dirigía.

Música sin límites y sin fronteras, heredera de las fuentes que el mismo describía: “Mi currículum musical procede de las universidades de Bud Powell, Miles Davis, Charles Mingus, Art Blakey y, por supuesto, Bird. Gran parte de mis inicios en el jazz transcurrieron en la casa de Monk, que ha sido un estimado amigo durante años." Sólo hay un modo de descubrir a McLean y es escuchándolo. Para ello he preferido elegir uno de sus trabajos, uno de los que más me gusta y que mejor define su carácter.

Hablo de Let Freedom Ring (1962), aunque también podría haber sido Capuchin Swing (1960), Destination… Out (1963), Demon’s Dance (1967) o como no, la grandiosa One Step Beyond (1963). Y esto por mencionar alguno, porque en lo que se refiere a las grabaciones que realizó para Blue Note, casi todas se convirtieron en escuchas más que recomendadas, la mayoría de las cuales deberían estar en los estantes de tu discoteca.

 Let Freedom Ring en una combinación puramente Bop, tipo Bird o Coltrane junto a las propuestas más radicales de Ornette Coleman. Pero si muchos trabajos de Coltrane ya estaba quedando un poco en el olvido, incluso aventurándose en el avant garde, Ornette Coleman estaba llevando demasiado lejos el concepto de Free Jazz, disgustando a muchos aficionados más ortodoxos.

McLean reordena todo esto y le añade un estilo compositivo más clásico, más complejo y más variado también. En el álbum sólo hay cuatro piezas, una de las cuales es la balada de Bud Powell "I'll Keep Loving You"; Las otras tres son originales de McLean ("Melody for Melonae," "Rene," y "Omega" dedicada a su hija, hijo y madre respectivamente) que ponen de relieve su tremenda capacidad de inventiva en composiciones extensas y sorprendentes que brillan con luz propia. Resultan nuevas incluso hoy día, y más si el oyente que se acerca a ellas por primera vez. Mucho más aún si eres fan del jazz más vanguardista de aquella época.

  En lo que a los acompañantes se refiere, destacan sobre todo Walter Davies jr. al piano y Billy Higgins a la batería, ejerciendo de sólidos pilares sobre los que se sustentan los solos de McLean, y aportando una gran cantidad de ideas frescas que hacen de este disco lo mejor de su discografía,  junto con One Step Beyond.

Jackie McLean — alto saxophone

Walter Davis, Jr. — piano
Herbie Lewis — bas
Billy Higgins — drums

"Melody for Melonae" (McLean) - 13:24

"I'll Keep Loving You" (Powell) - 6:18

"Rene" (McLean) - 10:03

"Omega" (McLean) - 8:31

Escuchar el disco aquí.

Clásicos del jazz para rockeros

Es difícil que la música jazz guste a los rockeros más empedernidos de buenas a primeras. El jazz apareció a finales del siglo XIX en Estados Unidos, aunque seguramente su gestación fue más lenta, desde el mismo momento en que los esclavos africanos empezaron a asimilar cosas de la cultura occidental y sumarlas a la suya. Entre estas aportaciones estarían los instrumentos y algunas características de la melodía y la armonía. El resto, como el ritmo, las frases y demás elementos que se aportan a la música vienen de los sonidos africanos. Por ello la esencia del jazz es la improvisación y el ritmo, es una música espontánea que se crea en tiempo real.

Ahora bien, uno llega a cansarse de escuchar siempre lo mismo con diferentes máscaras, pero en el fondo siempre lo mismo. Después de muchos años escuchando música rock, algo de pop, una pizca de clásica y cada vez más blues y soul, apetece conocer el jazz. Un mundo enorme, alejado de las músicas más comerciales y con infinidad de subgéneros para explorar. Gracias la red, tenemos acceso a miles de grabaciones y eso hace la tarea mucho más sencilla.

Hay grabaciones míticas que son ideales para todos aquellos que somos neófitos en este género, el jazz. Algunas de estas grabaciones son las que propongo a continuación y espero que os gusten tanto como mí.

Miles Davis, So What de Kind of Blue

Art Blakey & The Jazzmessengers, Moanin

Kenny Burrell, Chitlins con carne de Midnight Blue

Jimmy Smith, Back At The Chicken Shack

Herbie Hancock, Maiden Voyage

¿Falta John Coltrane, el mejor saxo junto a Sonny Rollins? Bueno, Para disfrutar bien a Coltrane pienso que lo mejor es iniciarse con otros músicos más accesibles antes. Mi disco preferido de esta figura del jazz, surgida a la sombra de Miles Davis, siempre ha sido Blue Train, aunque My Favorite Things tampoco se queda atrás. Y su interpretación de Afro Blue (Mongo Santamaría) del álbum "John Coltrane Quartet at Birdland" es una de las mejores del Coltrane melódico.

Afro Blue - John Coltrane

Estos vídeos de youtube pueden servir para hacerse una ligera idea de que va la música, pero lo más probable es que prácticamente nadie los escuche en su totalidad, pues un ordenador no es lo más cómodo para oírlos con atención y de un modo relajado. Lo ideal sería conseguir las grabaciones y escucharlas con calma y paciencia, para de este modo ver como un nuevo mundo sonoro se abre ante nosotros. La música es muy amplia para limitarla a uno o dos géneros musicales, y el jazz con el tiempo puede llegar a gustar a muchos amantes del rock y del blues, pues en esencia viene a ser algo similar, con instrumentos distintos y con una estructura un poco más abierta y libre.

Blue Mitchell

Richard Allen Mitchell (más conocido como Blue Mitchell) es uno de los trompetistas más fantásticos que ha dado la música jazz, y aunque no tan conocido como Clifford Brown, Lee Morgan o Freddie Hubbard, tenía un estilo más cercano al blues y al soul que le hace tal vez más accesible de escuchar que los anteriores. Debido probablemente a sus comienzos tocando en bandas de rithmn&blues y también a su cercanía al blues y al rock.
Sus principales trabajos los editó en Riverside, Blue Note y Mainstream Records. Comenzó en las bandas de Paul Willliams, Earl Bostic y Chuck Willis, todas ellas bandas de r&b, hasta que dio su gran salto cuando fue contratado por Cannonball Adderley. Con él grabó para Riverside en 1958, lo que le sirvió para darse a conocer y conseguir sus primeras grabaciones como líder para este mismo sello. Aquí fue donde editó discos de la talla de Big 6, Blue Soul o Blue's Moods, entre otros.

Se unió más tarde al quinteto de Horace Silver, donde coincidió con Junior Cook (saxo), Gene Taylor (contrabajo) y Roy Brooks (batería). Mitchell permaneció con Silver hasta que éste deshizo la banda en 1964. Sin embargo, Mitchell mantuvo el grupo, con los mismos músicos, pero con Chick Corea en el piano y Al Foster sustituyendo a Brooks. Grabaron una gran cantidad de registros para Blue Note hasta su separación, en 1969. Discos de la envergadura de The Thing To Do (su mejor obra desde mi punto de vista) y Bring It Home To Me, entre otros. Después, Mitchell se uniría a la banda de Ray Charles, hasta 1971.

Horace Silver - Señor Blues (Horace Silver, Blue Mitchell & Junior Cook) y la que sería su banda futura en sus grabaciones con Blue Note, con Chick Corea al piano en lugar de Horace y con Al Foster a la batería.

   
The Thing To Do                                                     Step Lightly

Abajo dos de los mejores discos de Blue Mitchell, Blue's Moods, que fue grabado para el sello Riverside en 1960, aunque puede palidecer un poco al lado de trabajos anteriores como Big 6 y Blues Soul, ambos del año 1959 y también publicados en Riverside.
A su lado otra joya del jazz como fue Bring It Home To Me, publicada por Blue Note en 1966, también después de una hornada de discos encabezados por The Thing To Do, Down With It! y Boss Horn, todos ellos ya bajo el sello Blue Note. De todos los que publicó bajo este sello mítico, me quedo con The Thing To Do y Bring It Home To Me, pero si tuviese que elegir sólo uno de toda su discografía inicial (1959-1966, para mí su mejor época) lo tendría difícil y me costaría decidirme por uno. Por ello recomiendo escucharlos todos y que cada cual elija. Mi selección sería:

1958    Big 6  (Riverside)

1959    Blue Soul  (Riverside)

1960    Blue's Moods  (Riverside)

1964    The Thing to Do  (Blue Note)

1966    Bring It Home to Me  (Blue Note)

   

   Bring It Home To Me, de lo mejor de Mitchell

Entre 1971 y 1973, Mitchell tocó con John Mayall en su serie de discos y giras Jazz Blues Fusion. Durante los años 1970 trabajó básicamente como músico de sesión, aunque también tocó en la big band de Louie Bellson, y con Bill Holman, Bill Berry, Tony Bennett y Lena Horne. Grabó con Lou Donaldson, Grant Green, Philly Joe Jones, Jackie McLean, Hank Mobley, Johnny Griffin, Al Cohn, Dexter Gordon y Jimmy Smith. Después mantuvo un grupo estable con el saxofonista Harold Land, hasta su muerte por cáncer a la edad de 49 años. Algo muy habitual entre muchos de los músicos jazz de la época, vivir de prisa y morir joven.

Blue Mitchell en Jazz Blues Fusion, de John Mayall

Para conocer un poco mejor su obra, aquí tienes este enlace. Te recomiendo los discos de los que se habla en este pequeño homenaje a uno de los mejores trompetistas del siglo pasado.

Wayne Shorter - Adam's Apple (1966)

"Adam's Apple" - 6:52

"502 Blues (Drinkin' And Drivin')" (Rowles) - 6:36

"El Gaucho" - 6:32

"Footprints" - 7:31

"Teru" - 6:15

"Chief Crazy Horse" - 7:39
"The Collector" - (H. Hancock)- 6:55 * Bonus Track

Músicos

Wayne Shorter - saxo tenor

Herbie Hancock - piano

Reggie Workman - bajo

Joe Chambers - batería

Mi primer disco de jazz fue Blue Train, de John Coltrane. Creo que lo compré más bien por la portada y pensando que se trataba de un disco blues. Debí pensarlo también por el nombre del sello, Blue Note, pero lo cierto es que el disco no me gustó mucho y no cuadraba con mis gustos de adolescencia, más orientados hacia el rock. No creo que lo escuchase más de un par de veces y al final no se muy bien que fue de él, aunque me gustaría haberlo conservado.
Con la llegada del CD, decidí darle otra oportunidad a la música jazz, y más concretamente a los discos más conocidos de Miles Davis, su trabajo Kind of Blue, Bitches Brew,  y a John Coltrane, de nuevo con 'Blue Train' y también con 'A Love Supreme'.  Esta vez, tras unas pocas escuchas, lo que salía de los altavoces me sorprendía más y más. Es cierto que muchos de los mejores trabajos de la música jazz no son fáciles de asimilar para los oyentes más acostumbrados a la música rock. El jazz es fundamentalmente ritmo y sentimiento, es una música mucho más compleja e impredecible que el rock, estructuralmente más simple. Pero al igual que gran parte del rock, sus raíces están en el blues.
Entre las muchas joyas que existen en la música jazz siento especial predilección por todo lo que tenga que ver con el sello Blue Note, y sobre todo, aquello que se grabó a finales de la década de los 50 y durante toda la de los 60. Entre estos discos está uno de los mejores trabajos editados por el saxofonista Wayne Shorter, Adam´s Apple, grabado en 1966 y que contiene temas tan emblemáticos como el propio Adam's Apple, El Gaucho o Footprints, todos ellos interpretados por una formación de lujo con Wayne Shorter al saxo tenor y como líder, Herbie Hancock al piano, Regginald Workman al bajo y Joe Chambers a la batería.
Este es uno de esos discos que irían dando forma a un jazz que terminaría por definirse totalmente en su fusión con el rock. En este disco brilla sobre todo un Wayne Shorter impresionante, con unos fraseos poderosos, fuertes y con el carácter inconfundible que ya nos había mostrado en algunas de sus anteriores grabaciones, como 'Speak No Evil', 'JuJu' y 'The All Seeing Eye'. También es de admirar la labor de Herbie Hancock, siempre dando lo mejor de sí, que es mucho en un intérprete de la talla de semejante monstruo de la música.

    

Footprints

Una Breve Biografía
Wayne Shorter empezó tocando con Horace Silver hasta que se alistó en el ejército. A su regreso conoció al pianista Joe Zawinul en la orquesta de Maynard Ferguson, a la que se había unido. Comenzó a improvisar en clubs de jazz con John Coltrane y Sonny Rollins en 1958. Al año siguiente, Shorter se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, con quienes estuvo hasta 1963. Durante ese periodo con Blakey, hizo su debut como líder grabando algunos discos para el sello de Vee-Jay. Se unió al quinteto de Miles Davis, tras la insistencia de Davis, en septiembre de 1964 y con quien estuvo hasta 1970. En noviembre de 1970 forma junto con Joe Zawinul y Miroslav Vitous el grupo Weather Report, que sería uno de los pilares del recién nacido jazz rock. (fuente wikipedia)
Durante toda su carrera fue un icono del jazz, pero fue en Blue Note donde grabó sus mejores discos como sideman y también como líder, desde mi punto de vista, con trabajos de una enorme envergadura, como este Adam's Apple, entre otros (Speak No Evil, The All Seeing Eye).

502 Blues (Drinkin' and Drivin')

Enlace en Spotify del disco Adam's Apple, de Wayne Shorter

Enlace en GrooveShark del disco.

Unity - Larry Young (1965)

Larry Young, órgano

Elvin Jones, batería

Woody Shaw, trompetista

Joe Henderson, saxo tenor

A1 Zoltan

Written-By – Woody Shaw 7:37

A2 Monk's Dream

Written-By – Thelonious Monk 5:45

A3 If

Written-By – Joe Henderson 6:42

B1 The Moontrane

Written-By – Woody Shaw 7:18

B2 Softy As A Morning Sunrise

Written-By – Hammerstein*, Romberg* 6:21

B3 Beyond All Limits

Written-By – Woody Shaw

Larry Young comenzó estudiando piano clásico y de jazz, pero su inclinación natural hacia el Hammond (su padre, organista, fue su primera influencia) lo hicieron adoptar pronto este instrumento. Tras una adolescencia de cierta inactividad musical, en 1958 irrumpe en la escena de Nueva York y Nueva Jersey al lado de músicos como Lou Donaldson, Kenny Dorham, Hank Mobley y Tommy Turrentine, entre otros, y muy pronto comienza a dirigir sus propias formaciones.

Testifying, su primera grabación para Prestige Records, ve la luz en 1960; en el mismo año aparece Young Blues seguido de Groove Street (1962), y en 1964 el artista firma con Blue Note para publicar Into Somethin. A finales de ese año se traslada a París con su cuarteto para, según sus propias palabras, "poder expresar una mayor diversidad de emociones e ideas a través de la música", pero Young no tenía intención de permanecer mucho tiempo en Europa y vuelve a su país de origen, tras dos meses en la capital francesa y uno en Alemania.

Unity (1965), con Joe Henderson, Woody Shaw y Elvin Jones es su gran obra maestra y aún hoy está considerado como una de las obras cumbres de la historia del jazz, pero tras ese álbum, Young se ve atraído por el mundo del fusion jazz y aparece junto a John McLaughlin y Tony Williams en los créditos del álbum de Miles Davis Bitches Brew(1969), verdadera piedra angular del nuevo estilo. Con McLaughlin y Williams forma The Tony Williams Lifetime, una de las primeras bandas de fusión post-Davis y tras ello se suceden una serie de colaboraciones con otros artistas. Larry Young's Fuel (1975), Spaceball (1976) y The Magician (1977) son los últimos trabajos en solitario que Young publica antes de su fallecimiento, que tiene lugar en 1978 por complicaciones derivadas de la neumonía. (Fuente: wikipedia)

En el álbum Unity, el organista Larry Young se anticipó con mucho a lo que posteriormente vendría, tanto en el jazz rock como en vertientes musicales más orientadas hacia el rock progresivo puro y duro, como serían Emerson, Lake & Palmer. Este disco es una auténtica demostración de virtuosismo y de imaginación, del swing y del ritmo, del espíritu y del sonido tan característico del sello Blue Note, con un catálogo de joyas, conocidas y no tanto, en el que todos podrían considerarse, en mayor o menor medida, discos imprescindibles del jazz que ayudaron a dar forma a esta música tal y como hoy la conocemos.

Aquí también podemos disfrutar de un acompañamiento de lujo, el batería Elvin Jones, el trompetista Woody Shaw y el saxofonista Joe Henderson, que completan la formación que participa en este disco mítico. El estilo de Larry Young era bastante diferente del de otro gigante del Hammond como fue Jimmy Smith. Mientras que éste tenía de un estilo más derivado de los ritmos blues y soul, el de Larry Young podría considerarse más imaginativo y cerebral, más innovador y experimental. 

Así pues, estamos ante un disco sin desperdicio ninguno, una joya más de este organista genial que merece la pena conocer y escuchar, empezando tal vez por este trabajo, considerado su mejor álbum, para posteriormente adentrarse más en el resto de su obra.

Unity en Spotify. Larry Young - Unity

Herbie Hancock - Maiden Voyage (1965)

Freddie Hubbard – trompeta

George Coleman – saxo tenor

Herbie Hancock – piano

Ron Carter – bajo

Tony Williams – batería

Blue Note , Marzo 1965

1. Maiden Voyage [7:56]

2. The Eye Of The Hurricane [6:00]

3. Little One [8:46]

4. Survival Of The Fittest [10:02]

5. Dolphin Dance [9:15]

Herbie Hancock fue un genio precoz del piano hasta que Donald Byrd se fijó en su talento y le invitó a unirse a su banda, en 1961. Blue Note le ofreció inmediatamente un contrato individual, siendo 'Takin' Off' su debut, en el que destaca el tema Watermelon Man, del percusionista Mongo Santamaría.

En mayo de 1963, Miles Davis le pidió que se uniese a su banda para las sesiones de Seven Steps to Heaven; se quedó con él durante cinco años, lo que le hizo perder parte de su estilo en favor de una absorción de las directrices musicales de Davis (importancia del silencio y el espacio, concepto del tempo como algo esencial al jazz), quien incluso le sugirió pasarse al piano eléctrico Rhodes. Por su parte, Hancock aportó a la música de Davis un sonido amplio, audaz y a la vez agradable, con marcadas raíces en el blues. Durante esa época, su carrera en solitario con Blue Note siguió adelante, destacando con cuatro sofisticadas composiciones: Maiden Voyage (en su disco homónimo), Cantaloupe Island, Goodbye to Childhood y Speak Like a Child. Tocó también para el productor Creed Taylor y compuso la banda sonora para la película Blow Up de Michelangelo Antonioni, Empyrean Isles (1964), que le abrió las puertas a futuras colaboraciones con el mundo del cine.

Hancock participaría en In A Silent Way, uno de los discos originarios de la fusión jazz-rock.

Abandonó a Davis en 1968 y grabó un disco de funk, Fat Albert Rotunda; en 1969 formó un sexteto que causó sensación. Fuertemente empapado de la era electrónica, añadió a su piano eléctrico y a su clavinet el sintetizador de Patrick Gleeson, y las grabaciones se volvierón más complejas rítmicas y estructuralmente, creando su propia visión de la vanguardia.

Su siguiente gran paso fue un grupo de funk, The Headhunters, cuyo primer disco, Head Hunters, se convirtió en el mayor éxito de ventas de la historia del jazz.

Dentro de sus discos, tal vez el más interesante sea Maiden Voyage, un viaje acuático que está compuesto por cinco temas magníficos. Este álbum lo grabó con Blue Note y ya venía de grabar una serie de discos a cual mejor, desde Takin' Off hasta Empyrean Isles, logrando aquí la culminación de su obra y alcanzando un equilibrio entre el mejor jazz melódico y el hard bop.

El pianista había estado con Miles Davis durante dos años, y de éste tomó muchas de sus innovaciones y experimentaciones musicales. No sólo eso, sino que a través de Davis , Hancock se convirtió en parte de una sección rítmica excepcional junto al bajista Ron Carter y al batería Tony Williams , que son parte de los músicos de Maiden Voyage , junto con el trompetista Freddie Hubbard y el saxofonista tenor George Coleman.  El escaparate perfecto para admirar los provocativos e impredecibles solos de una banda impresionante. Música repleta de texturas y armonías que conforman un disco muy asequible e ideal para iniciarse en la travesía de la música jazz.

     

Wallace Roney, Tony Williams, Herbie Hancock - Little One

Spirit - The Family That Plays Together (1968)

1. "I Got a Line on You" California 2:39

2. "It Shall Be" 3:24

3. "Poor Richard" 2:31

4. "Silky Sam" 4:57

5. "Drunkard" 2:27

6. "Darlin' If" California 2:27

7. "All the Same" California, Cassidy 4:41

8. "Jewish" California 3:23

9. "Dream within a Dream" 3:13

10. "She Smiles"" 2:30

11. "Aren't You Glad" 5:25

12. "Fog †" California, Locke 

13. "So Little To Say †¹" 

14. "Mellow Fellow †¹" Locke 

15. "Now Or Anywhere †" 

16. "Space Chile †¹" Locke 

† - Temas de la reedición de 1996 

¹ - Material no editado antes

Spirit

Mark Andes - Bajo, voces

Randy California - Bajo, Guitarra, Voces

Ed Cassidy - Percusión, Batería

Jay Ferguson - Percusión, Teclados, Voces

John Locke - Teclados

Este fue el segundo álbum de Spirit y uno de los mejores de la banda. Aunque la música sigue siendo esencialmente psicodélica, aquí podemos encontrar desde jazz, folk y blues hasta elementos más progresivos e influenciados por la música clásica, lo que sería prácticamente un denominador común en sus primeros cuatro álbumes.

El disco comienza con un tema bastente fuerte y comercial que se convertiría en uno de sus principales éxitos, I Got a Line On You, escrito por Randy California y que nos sirve de introducción para disfrutar de la extraordinaria calidad que se mostrará en el resto de las canciones, la mayoría de las cuales están escritas por Jay Ferguson. Un álbum apasionante en el que predominan las excelentes guitarras de California, aderezadas con arreglos a base de flautas, secciones de metales y cuerdas, donde las diversas influencias psicodélicas y jazz añaden el encanto necesario para transformar esta joya en uno de esos discos imperecederos de la época.

Aunque no podamos decir de este disco que es uno de los grandes clásicos del rock, si que hay algunos temas en él que resultan imprescindibles para conocer las raíces del rock progresivo.

En las actuales ediciones en CD se pueden disfrutar de temas tan buenos como Mellow Fellow o el excelente Space Child, que añaden aún más interés a un disco ya de por sí imprescindible.

Como dato de interés, resaltar que en algún momento después de la primera edición de este disco, las mezclas iniciales se perdieron. Por este motivo los siguientes lanzamientos en CD de Sony y la reciente reedición realizada en vinilo por Sundazed se tomaron de nuevas mezclas a partir de las grabaciones multipistas originales. Por lo que una comparación entre el LP original y las reediciones en CD y vinilo a partir de 1996 son sustancialmente diferentes. Para escuchar el sonido original de este álbum habría que rastrear los antiguos vinilos.

Track listing:

1. I Got A Line On You (0:00-2:37)

2. It Shall Be (2:38-6:02)

3. Poor Richard (6:03-8:31)

4. Silky Sam (8:32-12:37)

5. Drunkard (12:38-15:19)

6. Darlin' If (15:20-18:58)

7. It's All The Same (18:59-23:41)

8. Jewish (23:42-26:32)

9. Dream Within A Dream (26:33-29:35)

10. She Smiles (29:36-32:07)

11. Aren't You Glad? (32:08-37:47)

Spirit - I Got a Line On You

Frank Zappa - The Grand Wazoo (1972)

Álbum de estudio editado en 1972

Edición en vinilo:

1. For Calvin (And His Next Two Hitch-Hikers) (6:06)

2. The Grand Wazoo (13:20)

3. Cletus Awreetus-Awrightus (2:57)

4. Eat That Question (6:42)

5. Blessed Relief (8:00)

Duración: 37:03

Edición en CD:

1. The Grand Wazoo (13:20)

2. For Calvin (And His Next Two Hitch-Hikers) (6:06)

3. Cletus Awreetus-Awrightus (2:57)

4. Eat That Question (6:42)

5. Blessed Relief (8:00)

Duración: 37:03

La primera vez que me senté a escuchar un disco de Frank Zappa no sentía mucho interés por el jazz ni por el jazz rock y no sé que esperaba encontrarme, pero no me gustó. Mi error fue no escucharlo pacientemente y pasear la aguja de tema en tema hasta que volví a guardar el disco en la carpeta. Y ahí se volvió a quedar durante años. 

Sin embargo con el paso del tiempo aprendí a tomarle el gusto (demasiado) y para mí este es uno de los mejores discos de Zappa. Tal vez para iniciarse en el universo musical de este genio sea mejor su trabajo más conocido, Hot Rats, pero ahora mismo siento una especial predilección por este fantástico álbum. Aquí nos encontramos con uno de los trabajos más jazzísticos de Zappa y con una numerosa banda repleta de músicos prodigiosos que bordan uno de los mejores discos de la época. Presenta una alineación de 21 músicos, muchos de los cuales nunca más volverían a tocar junto a Zappa. 

Un extra es el texto que cuenta la historia de esos dos ejércitos que en Roma combatían cada lunes, uno de ellos comandado por Cletus Awreetus. El texto incluido en el disco, pleno de humor, acude al rigor científico aportando datos irrelevantes que detallan hechos ficticios al grado de convertirlos en ciertos. Esta técnica narrativa hace de la obra una verdadera experiencia conceptual y ha influido en alumnos de Zappa, como F. Steel, para desconcertar y enfurecer a algunos oyentes. Algunos estudiosos dicen que Zappa narra en este disco la batalla de Gargantúa y Picrocle, basándose en la tradición oral francesa que asegura que en esa batalla se usaron instrumentos musicales en vez de armas, tal como se aprecia en la portada, una ilustración de Cal Schenkel.

Como decía, 'The Grand Wazoo' es un excelente ejercicio de jazz rock interpretado por una big band un tanto atípica. La música fluye entre texturas puramente orquestales y grandes adornos, donde predominan los instrumentos de viento, con otros mucho más típicos del jazz rock de guitarras duras, baterías pesadas y bajos eléctricos. El ritmo sobre el que la música se va construyendo es prácticamente el mismo de principio a fin, pero las distintas variaciones que lo envuelven le dan la variedad necesaria. 'For Calvin' es tal vez el tema más excitante y en él se incluyen, seguramente, los mejores momentos del álbum. Un blues con un extraño canto inicial que irá desembocando en un jazz disonante y cercano al free jazz, pero manteniendo siempre la coherencia dentro de una cierta complejidad. 'Cletus Awreetus-Awrightus' es otro número clásico de jazz de esta big band atípica, tres minutos intensos y extravagantes. 'Eat That Question', una exploración de las tendencias mas duras del jazz rock y otro de los mejores temas de este álbum. 'Blessed Relief' finaliza el disco y lo hace con un sonido mucho más relajado, con suaves melodías. Así pues una obra maestra de Frank Zappa, y como casi todos sus discos, para escuchar con la mente abierta y no apto para incursiones desprevenidas.

Frank Zappa - The Grand Wazoo (1972)  Completo






Frank Zappa Live- Cosmik Debris, del álbum Apostrophe



Frank Zappa - Live in Stockholm 1973 - 

Morly Grey - The Only Truth (1972)

The Only Truth - álbum editado en 1972

01. Peace Officer (Tim Roller, Paul Cassidy) - 5:49

02. You Came To Me (Mark Roller) - 4:12

03. Who Can I Say You Are (Mark Roller) - 3:43

04. I'm Afraid (Paul Cassidy) - 4:32

05. Our Time (Tim Roller) - 6:28

06. After Me Again (Mark Roller) - 3:08

07. A Feeling For You (Mark Roller) - 2:37

08. The Only Truth (Mark Roller) - 17:04

Morly Grey:

- Tim Roller - guitarras, voces

- Mark Roller - bajo, vocalista

- Paul Cassidy - batería (01-05), voces

- Bob LaNave - batería (06-08), percusión (06-08), voz principal

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Morley Grey es una banda estadounidense de rock psicodélico y progresivo que se formó a finales de 1960. El grupo grabó su primer álbum, The Only Truth, en 1972 y fue editado por el sello local Starshine Records (primero y último de este sello discográfico que con el tiempo se convirtió en una pieza de coleccionista muy cotizada, más teniendo en cuenta el póster que incluía el vinilo original). Aún hay muchas especulaciones sobre si el álbum realmente está grabado en 1969, pero parece ser que no, que su fecha de edición real es 1972.

La banda inicial estaba formada por Paul Cassidy (batería), Randy Byron (guitarra), Tim Roller (guitarra) y Mark Roller (bajo). Más tarde el guitarrista Byron abandonó, quedando la formación como un trío. Para la grabación del álbum 'The Roller Bros. Band' contarían con Mark Roller (bajo), Bob LaNave (batería) y Mark Roller (bajo) como músicos invitados.

Morly Grey grabó otro disco en vivo en 1973 en el sello Vanity (RBB Records), titulado 'The Roller Bros. Band'. En el año 2009 Sundazed Records remasterizó su música  y reeditó una muy buena edición con algunos temas inéditos.

El porqué de elegir una banda en principio tan desconocida es muy simple. La música que hicieron hace más de cuarenta años podría muy bien haberse grabado hoy en día. Su sonido ha envejecido tan bien, salvo por su producción, que podríamos estar hablando de un grupo actual de calidad y original. Uno de esos discos con un sabor característico, en el que se entretejen muy bien los pasajes eléctricos y acústicos. Un disco a caballo entre la psicodelia y el rock progresivo con influencias que abarcan desde Cream hasta Blue Cheer. Las ágiles líneas del bajo de Mark Roller, el trabajo guitarrístico de Tim Roller y los firmes ritmos de la batería de Paul Cassidy crean una música llena de matices y colores, ayudada muchas veces por la simple producción del álbum y logrando en su conjunto un efecto que resulta impresionante.

Morly Grey - Done Rockin - Live 1973

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Lou Reed - Berlin (1973)

A1 Berlin - 3:23 

A2 Lady Day - 3:40 

A3 Men Of Good Fortune - 4:37 

A4 Caroline Says I 3:57 

A5 How Do You Think It Feels 3:42 

A6 Oh, Jim 5:13 

B1 Caroline Says II - 4:10 

B2 The Kids - 7:55 

B3 The Bed - 5:51 

B4 Sad Song

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Cuando Lou Reed se propuso hacer Berlín, tenía en mente un disco especial. Lo que el consideraba que debía ser "el disco más depresivo de la historia". Si lo logró no lo sé, pero lo que si hizo fue mostrar un nivel de frustración y decadencia a través de un par de perdedores y marginales de nuestra moderna sociedad. La imagen de un par de yonkis que viven en las calles de Berlin, arrastrándose por el fango de los barrios bajos y revelándonos sus emociones.

Lou Reed había afirmado en aquel tiempo que sentía atracción por la estética del suicidio, por los lugares más oscuros de la existencia, decidió deshacerse de su figura idílica e irreal llena de maquillaje y purpurina, mostrarnos la vida de seres marginales, de inadaptadas ovejas descarriadas, de yonkis que intentan sobrevivir en un mundo sumergido en lo más hondo de la sociedad.

Lou Reed ya había demostrado con 'Walk on the Wild Side" (Transformer) que le gustaba contar historias de un mundo distinto al habitual, así que Berlin es el complemento perfecto de aquella, otro paseo por el subconsciente, por el lado salvaje de una mente torturada. Pero en “Berlin” no hay caos, distorsión, ni terrorismo sonoro. Aquí los temas están hechos de acuerdo a las reglas: canción de cuatro-cinco minutos de estructura rítmica y melódica, con arreglos magistrales de cuerda y vientos.

Si Transformer fue su mejor disco, Berlin es sin duda su mejor sucesor y junto con Coney Island Baby (dejando a un lado el magistral directo 'Rock'n'Roll Animal) la trilogía imprescindible de este autor.

El álbum se publicó en 1973 y este año se cumplen 40 años desde su aparición. A pesar de ser un trabajo maldito, no incomprendido, sino más bien maltratado desde las distintas publicaciones musicales de la época que preferían cerrar los ojos ante algo tan "horrendo y de mal gusto". Han tenido que pasar cuatro décadas para que se haga justicia con este fantástico álbum y por fin se hable de él como lo que es, una joya musical y poética. Pero aún así uno se sorprende y apena cuando mira las críticas de Allmusic (o similares) y ve que aún sigue estando maldita en ciertos sectores más conservadores.

Lou Reed

“Estuvimos en un pequeño café / Tú pudiste oír las guitarras tocar / Era algo bonito / Oh, cariño, era el paraíso”. Es “Berlin”, el tema que abre al álbum y le da título. Nos pretende mostrar el ambiente cabaretero del lugar, en el que se celebra un cumpleaños.

A continuación viene “Lady Day” y “Men Of Good Fortune”, dos temas realmente fantásticos y desgarradores, con esos riffs fascinantes y los continuos cambios entre tiempos lentos y fuertes. Dos de los mejores temas del álbum, sobre todo "Men Of Good Fortune", que es sencillamente arrollador y tierno al mismo tiempo. Tal vez mi favorito, junto con el final.

Men Of Good Fortune - Lou Reed Berlin (1973)

“Caroline Says I” se construye sobre un ritmo vivo y un estribillo clásico muy pop, aquí podemos disfrutar  de una sección de cuerda asombrosa. 'How Do You Think It Feels' es uno de esos temas que parecen extraídos de Transformer. Un precioso tema rock en la mejor línea de la Velvet Underground.

A continuación, y cerrando la primera cara, “Oh, Jim”, un ritmo encabezado por los vientos y el fascinante cambio a mitad de canción transformándola  en un ritmo genial de guitarra acústica y voz.

“Caroline Says II” abre la segunda cara con un sonido totalmente opuesto a la anterior, es una balada triste y melancólica, pero encantadora. 'The Kids' continúa en la onda triste y deprimente del tema anterior, llevándolo a su máximo extremo y mostrando el dolor de una madre a quien le quitan su hija.

Caroline Says II - Lou Reed Berlin (1973)

Los dos momentos más grandes del disco llegan al final: “The Bed”, con una bella voz y ese final de perfectos e inquietantes coros que enlazan con el tema “Sad Song”, otra canción genial y deprimente al mismo tiempo, que sólo se pueden describir escuchándolas y devorando sus letras.

        

Berlin                                                                   Lady day

La revista RockdeLux cita algo que me parece una gran verdad, que con “Berlin” Lou Reed alcanzó no sólo una cumbre, sino más bien un fondo, y es que la razón por la que este disco es también una leyenda es simple: su grandeza. Un disco de valor inestimable, con canciones imprescindibles, para conocer la obra de Lou Reed y para comprenderla un poco más.

Dedicado a la memoria de Lou Reed

The Flock (1969)

Temas:

01. Introduction - 4:48

02. Clown - 7:42

03. I Am The Tall Tree - 5:36

04. Tired Of Waiting - 4:38

05. Store Bought - Store Thought - 6:58

06. Truth - 15:24

The Flock:

Fred Glickstein - guitarra (01 - 06), guitarra acústica (03, 05), voz principal (02 - 06)

Jerry Goodman - violín (01 - 04, 06), guitarra (02, 05), voces (02 - 05)

Jerry Smith - bajo (02 - 06), voces (02 - 05)

Ron Karpman - batería (02 - 06)

Tom Webb - saxofón tenor (02, 03, 05, 06), maracas (04), flauta (05), armónica (06), voces (05)

Rick Canoff - saxofón tenor (02 - 06), voces (02, 03, 05)

Frank Posa - trompeta (02 - 06)

The Flock se formó en 1968 y dijo adiós en 1975. Así pues son siete años de existencia en los que nos dieron algunos grandes discos del por entonces nuevo jazz rock. Un jazz rock con mucho de rock experimental y menos comercial que el de otras bandas similares con las que siempre se comparan: Blood, Sweat & Tears y Chicago. Lo cierto es que prefiero compararla con otra banda de la misma época, aunque esta británica, IF,  con un sonido muy similar. Lo que distingue especialmente a The Flock de todas estas bandas que menciono es el violín de Jerry Goodman.

En su época dorada The Flock estaba formada por Jerry Goodman (violín), Fred Glikstein (guitarrista y voz principal), Rick Canoff (saxofón tenor), Frank Posa (trompeta), Tom Webb (saxo y flauta), Jerry Smith (bajo), Ron Karpman (batería y percusión). Esta es la formación que aparece en los créditos de su primer álbum, The Flock, y en el segundo, Dinosaur Swamps. Sus dos discos más logrados.

The Flock despegó cuando en 1968 el guitarrista Rick Mann abandona la banda y seleccionan a Jerry Goodman para suplirlo. La incorporación de Goodman fue un soplo de aire fresco para el grupo, con un sonido de violín distinto a cualquier otro que se hubiese escuchado hasta entonces. Goodman toma conceptos de la música clásica, del free jazz y de Charles Mingus, que sumados a sus dotes como front-man, su virtuosismo con el instrumento y su facilidad de improvisación dan una nueva dimensión al sonido y a la imagen de la banda. 

El álbum protagonista de esta reseña es su debut homónimo, The Flock. Ya desde el principio el grupo nos sorprende con 'Introduction', un tema que comienza más bien como una pieza acústica, con una guitarra y un violín relajados al principio, para ir variando hacia algo más cercano a una improvisación a medio camino entre el jazz y la música clásica moderna.

A golpe de bajo entramos en el segundo corte del disco, Clown. Esto ya nos suena mucho más familiar, un rock blues con sabor americano donde la guitarra y el trabajo al bajo realizado por Jerry Smith destacan junto a las apariciones espectaculares del violín. Un tema largo que se disfruta de principio a fin. De lo mejor del álbum.

Introduction - Clown  The Flock Live 1970

'I Am Tall Tree' es una bonita balada rock con sabor americano, repleto de armonías vocales y los acompañamientos relajados del resto de instrumentos. 'Tired of Waiting' se inicia con una improvisación de violín que da paso a otro gran tema de rock soul, con bellas voces también y magníficos solos de guitarra y violín. 'Store Bought - Store Thought' se mueve entre los sonidos funkys y el soul. Otro de esos temas que envuelven varios estilos, pero siempre dentro de un sonido muy similar al de Sly & the Family Stone. La guitarra aquí está también sensacional, al igual que las voces y las secciones de metal. Finaliza este disco con otro grandísimo tema blues y jazz rock totalmente original, donde en vez de las típicas guitarras soleando sobre los ritmos de bajo y batería, nos encontramos con el genial violín (de vez en cuando alguna guitarra, saxos y trompetas) de Jerry Goodman liderando este tema de quince minutos. Escuchar tranquilamente este disco es disfrutar enormemente de la música de The Flock y de uno de los grandes álbumes del rock americano de finales de los sesenta.

The Flock (1969) Álbum completo

"Introduction" -- 4:50

"Clown" -- 7:42

"I Am The Tall Tree" -- 5:37

"Tired of Waiting" -- 4:35

"Store Bought - Store Thought" -- 7:00

"Truth" - 15:25

Tired of Waiting - The Flock (1969)

Oliver Nelson - The Blues and the Abstract Truth (1961)

Oliver Nelson: compositor, arreglos, saxo alto y tenor
Eric Dolphy: saxo alto y flauta
George Barrow: saxo barítono.
Freddie Hubbard: trompeta
Bill Evans: piano
Paul Chambers: contrabajo
Roy Haynes: batería

Grabado en los estudios Van Gelder de EngleWoods Cliffs.
New Jersey, 23 de febrero de 1961.

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Biografía de Oliver Nelson (hasta la edición de The Blues and The Abstract...)*

Oliver Edwards Nelson nació en junio de 1932, en Saint Louis, Missouri, en una familia abocada a la música. Su hermano mayor era saxofonista en la orquesta de Cootie Williams en los años 40, mientras que su hermana trabajaba como pianista para diversas orquestas locales. De niño, comenzó a estudiar piano y con once años empezó a tocar el saxo alto. Al poco tiempo de tocar el saxo, obtuvo su primer trabajo como profesional, junto a su hermano, con Cootie Williams. Durante toda la década de los 40, Nelson se vio obligado a compaginar trabajos mal pagados en orquestas de baile con su primera actividad profesional: conductor de autobuses.

Todo cambió en 1950, cuando fue llamado por Louis Jordan para ocupar un pupitre en su entonces popular big band. El servicio militar truncó esa buena racha, pero le permitió incorporarse a la banda de la tercera división de marines y viajar por todos los EEUU y Japón, tocando en los clubes de oficiales.

De regreso a la vida civil, se instaló en Washington e intentó, nuevamente sin éxito, abrirse camino en el mundo de la música. Así, mientras estudiaba composición y teoría musical, se ganaba la vida trabajando como taxidermista. En 1959 se traslada a Nueva York y su suerte cambia cuando conoce a Erskine Hawkins, que lo introdujo en el mundillo musical de la Gran Manzana, y le permitió convertirse en el arreglista del popular y mítico teatro Apollo de Harlem. Al mismo tiempo, comenzó a liderar tímidamente sus propios grupos, exponiendo ya ideas musicales novedosas y sorprendentes que llamaron la atención de Quincy Jones, quien le ofreció una plaza en su orquesta. En la banda de Jones, Nelson conoció a muchos de los músicos que le acompañarían después en The Blues and the Abstract Truth.

The Blues and the Abstract Truth

Fue el quinto disco lanzado por el sello Impulse en 1961, aunque probablemente fuera el primero que nació en la cabeza de Creed Taylor, el productor responsable del sello. Taylor y Nelson habían realizado juntos varios discos para Prestige. Así fue que en cuanto crearon Impulse, Taylor ofreció a Nelson la posibilidad de hacer un disco para él, con total libertad y un buen presupuesto para grabarlo en el estudio de Rudy Van Gelder (de moda por aquel entonces). Pero se encontraban con una traba, Nelson tenía contrato en vigor con su actual compañía, Prestige. Finalmente éstos le dejaron grabar el disco para Impulse; poco podían imaginarse que se trataría del mejor disco de Nelson y uno de los más grandes en toda la historia de la música.

El éxito del disco fue inmediato y despertó enormes expectativas ante futuros lanzamientos. Taylor supo aprovecharlo: ese mismo año, además de Nelson, publicó discos de John Coltrane, Art Blakey y Max Roach. Creed Taylor inventó la marca Impulse, en pocos meses la convirtió en sinónimo de calidad jazzística.

A pesar de ser un gran instrumentista y un mejor improvisador, Oliver Nelson pasará a la posteridad como un gran arreglista y un compositor original, pero sobre todo, como el autor de "Stolen Moments".

El tema estrella de este elepé no fue escrito especialmente para este disco;  Nelson lo había escrito un año antes para la grabación de Trane Whistle de Eddie Lockjaw Davis y se editó entonces como "The Stolen Moment". Después de 'The Blues and the Abstract Truth' la pieza se ha difundido siempre con el nuevo título, y existen más de un centenar de versiones grabadas por músicos de la talla de Quincy Jones, Phil Woods, Jimmy Smith, Kenny Burrell, Milt Jackson... Frank Zappa o Andy Summers, entre otros muchos.

"Oliver era muy especial. Tenía sentido melódico, sabía escribir para varias voces como nadie. Era tan elocuente que podía hablar de un montón de cosas. Tenía formación en historia de la música, clásica o de cualquier otro tipo", decía Creed Taylor. Esta formación como musicólogo le sirvió para grabar temas con un enorme sentido melódico, rítmico, variedad de estilos y sobre todo de gran calidad en su composición y desarrollo musical.

Esta obra maestra se grabó en una sola sesión, casi sin repeticiones, e inmediatamente se convirtió en un éxito a pesar de que la mezcla de estilos no formaba parte del lenguaje musical de aquel tiempo ni estaba de moda. Todas las emisoras jazz querían el lp, pero incluso muchas emisoras pop radiaron "Stolen Moments" durante mucho tiempo, convirtiendo al tema en un estándar del jazz moderno.

The Blues and the Abstract Truth (1961)

Escuchar aquí

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The Blues and the Abstract Truth

Todos los temas compuestos por Nelson.

"Stolen Moments" - 8:46

"Hoe-Down" - 4:43

"Cascades" - 5:32

"Yearnin '" - 6:24

"Butch and Butch" - 4:35

"Teenie's Blues" - 6:33

The Blues and the Abstract Truth es un disco que pretende explorar las diversas formas y estructuras de los blues, aunque la mayoría de los temas que lo componen no se estructuran como blues convencionales de 12 compases, sí añaden el componente fundamental del blues, el feelin' o sentimiento que debe prevalecer en cualquier blues que se precie. 

Aquí hay mucho más que 'Stolen Moments', su tema más conocido y tal vez la cara visible de este álbum. 'Hoe-Down' es una pieza de A. Copland que resultará conocida a muchos de escucharla en versiones como la realizada por Emerson, Lake & Palmer para su álbum Trilogy, una joya rediseñada y arreglada por Nelson. 'Cascades' y 'Butch and Butch' nos muestran el modo de entender el bop que tiene este maestro de la música. 'Yearnin', una balada blues preciosa con magníficos solos intermedios que recuerdan un poco los arreglos de 'Hoe-Down' y hacen de ella una de las grandes piezas de este elepé. 'Teenie's Blues' es otra de las joyas del disco, con esa intro de bajo y saxo un tanto inquietante que desemboca en las improvisaciones de una banda que aporta un sabor extraordinario y saber hacer impresionantes. Así es que aunque los arreglos y composiciones sean de Oliver Nelson, este disco no sería lo mismo sin los extraordinarios músicos que conforman la banda y con una calidad tan grande y tan capaz como para grabar este álbum en una sola sesión de grabación.

* Algunos datos se han extraído de vinilos míticos del jazz.