Patto - Hold Your Fire (1971)

Album de estudio, 1971  

Hold Your Fire

Temas

1. Hold Your Fire (6:45) 

2. You, You Point Your Finger (4:30) 

3. How's Your Father (4:45) 

4. See You At The Dance Tonight (5:50) 

5. Give It All Away (4:10) 

6. Air-Raid Shelter (7:05) 

7. Tell Me Where You've Been (3:15) 

8. Magic Door (4:30)

Timebox fue una banda pop psicodélica que desarrolló su música en los años 60 (se formó en 1965) y que grabó algunos singles sin mucho éxito para Deram a finales de la década. Lo más trascendental de esta banda es que en 1970 firmaron un contrato con el sello Vertigo, ya bajo el nombre de Patto. Con  Muff Winwood (hermano mayor de Steve Winwood) como productor grabaron su primer álbum.

En diciembre de 1971, Patto entró nuevamente en el estudio para grabar su segundo álbum Hold Your Fire, después Vertigo decidió no continuar con la banda.

 A pesar de las malas ventas de discos, se estaban dando a conocer como una de las más interesantes para ver actuar en vivo, Muff Winwood pudo hacer que la banda firmara con Island para grabar el álbum Roll 'em Smoke' em Put Another Line Out en 1972.

En 1973, la banda comenzó a trabajar en su cuarto álbum. Mike Patto escribió canciones que eran menos cínicas que el material habitual de Patto y mucho más comerciales. El siguiente álbum Monkey's Bum no fue lanzado. Sin Halsall y con cada miembro ahora involucrado en otros proyectos, Mike Patto eligió disolver a Patto, pasando a formar Boxer con Halsall.

El plato fuerte de Patto es una propuesta musical que hoy día puede parecer un poco exagerada por momentos. El primer álbum estaba más orientado hacia un fusión jazz - rock muy característico, pero el segundo, aún siguiendo muy orientado por la música fusión, resulta de un cambio de dirección, apostando más por la escena underground. Un rock sumergido y nada comercial. Repleto de genialidades, tanto por parte de Mike Patto, como de Ollie Halsall, que compone todos los temas, cuatro junto a Mike. Sin desmerecer para nada el resto de la banda, Clive Griffiths y John Halsey, bajo y batería respectivamente, una sólida base rítmica que da cuerpo al sonido de PATTO.

Si bien Ollie comenzó su andadura musical como vibrafonista, acabó convirtiéndose en un gran guitarrista, lleno de inventiva y una gran capacidad de improvisación. 

De su unión con un vocalista como Patto, con esa voz tan reconocible, llena de matices y  escasa en delicadezas, nacieron dulces como ‘You, You Point Your Finger’ emotiva y directa. Clásicos del blues rock como ‘Hold Your Fire’,  incursiones en el rock and roll, country, funk y jazz. Un cóctel lleno de frescura y originalidad en una banda de culto, escasa en ventas y discos, pero abundante en calidad musical y originalidad.

You, You Point Your Finger (1971) 

El vinilo, y algunas ediciones en CD que imitan el vinilo, resultan interesantes también para admirar de paso una de las mejores portadas de Roger Dean. Si bien a muchos nos gustaría más tener el vinilo, esto tendría sentido si se tratara de un vinilo de época. Y como esto resulta difícil, tal vez la mejor opción podrían ser las ediciones de Repertoire o Esoteric, con bonos extra de tomas de sonido realmente buenas. Además, un Ollie genial tanto en la guitarra como en el vibráfono.

Patto - Hold Your Fire (Album Completo)

Un disco esencial para todos los aficionados al prog rock y a la buena música.

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Satisfaction - Satisfaction (1971)

1. Just Lay Back And Enjoy It (M. Cotton, D. Griffiths) - 7:35

2. She Follows The Band (L. Lubin) - 3:50

3. Cold Summer (B. Higginson) - 5:09

4. Sharing (J. Beecham, D. Griffiths) - 6:15

5. Call You Liar Liar (L. Lubin) - 4:16

6. You Upset The Grace Of Living When You Lie (T. Hardin) - 6:24

7. Just Like Friends (D. Griffiths) - 4:01

8. Go Through Changes (L. Lubin, D. Griffiths) - 7:13

9. Love It Is (Bonus Track) - 3:00

10.Dont Rag The Lady (Bonus Track) - 3:16

11.Gregory Shan't (Bonus Track) - 4:21

Satisfaction

*Mike Cotton - Vocals, Trumpet, Flugelhorn, Pocket Cornet, Harmonica 

*John Beecham - Trombone, Tuba 

*Derek Griffiths - Lead Guitar, Vocals 

*Bernie Higginson- Drums, Vocals, Bongos 

*Lem Lubin - Vocals, Bass Guitar, Acoustic Guitar

*Nick Newell - Flute, Alto, Tenor Saxophone, Trumpet

  A  principios de los 70 el mundo del rock está en plena expansión experimental y los cambios se suceden continuamente. La música evoluciona y las fronteras entre muchos estilos parecen difuminarse. El rock progresivo o underground (como es mayormente denominado por entonces) es un hervidero de ideas y de grupos que nacen y mueren como estrellas fugaces. Algunos de estos grupos, principalmente influenciados por el blues, el jazz y el R&B logran grabar algunos discos y labrarse un nombre, como es el caso de Colosseum, Keef Hartley Band y como no, Pink Floyd, Soft Machine, Caravan, Genesis, etc. Pero por cada una de estas bandas, cientos de ellas viven una vida demasiado efímera, aunque algunas incluso lograron dejarnos un disco que nos permite disfrutar hoy de su música. Entre estas bandas se encontraba 'Satisfaction', firmemente enraizados en el blues británico y con un regusto jazz soul aportado fundamentalmente por el trompetista y fundador Mike Cotton, que venía tocando en diversos grupos desde finales de los 50, casi todos ellos jazz y R&B, como la Mike Cotton Band. Una banda que grabós dos EP y una serie de singles en Columbia y actuó de apoyo para las distintas giras en UK de músicos de la talla de Solomon Burke, Gene Pitney, The Four Tops y Stevie Wonder.

Posteriormente, el grupo se asoció con el cantante estadounidense (y ex militar) Bruce MacPherson Lucas para grabar un single para Pye, seguido por dos singles para MGM Records. La aparición de la psicodelia y la música "underground" pronto provocaron una desaceleración en la suerte de la banda. La música soul ya no era una atracción muy popular  en Gran Bretaña y esto llevó a la disolución de la Mike Cotton Band. En 1970 toman nota del nuevo clima musical y reúne a un grupo de músicos con una dirección nueva y progresista. 

Junto al ex guitarrista Derek Griffiths de la Mike Cotton Band crean Satisfaction, con John Beecham en el trombón, Lem Lubin y Nick Newell (saxofones) y Bernie Higginson (batería). Esta nueva banda, aunque fuertemente influenciada por el jazz, también tenía un aire y un enfoque hard rock y blues, además de una gran imaginería que combinaba influencias de todo tipo transformándolas en ideas frescas y atractivas dentro del naciente panorama del rock progresivo. Pronto consiguieron un contrato con Decca en 1970. El CD editado por Esoteric Recordings cuenta con los frutos de una serie de sesiones de grabación para Decca, todas producidas por David Hitchcock (que más tarde será conocido como productor de Caravan, Camel y Génesis). 

Satisfaction - Go trough changes (1971)

El álbum "Satisfaction" obtuvo críticas muy favorables en su lanzamiento. El disco contó con una excelente música y composiciones imaginativas. Entre los resultados destacan la excelente "Sharing", "Call You Liar, Liar" y el tema de cierre, magnífico, "Go Through Changes", todo lo cual pone de relieve la destreza musical de la banda. Suficientemente entusiasmados por la respuesta a la salida de su álbum homónimo, Decca lanzó dos singles en rápida sucesión en un intento por tratar de introducir a la banda en las listas de éxitos. El primero de ellos, "Love It Is" / "Cold Summer" disfrutó de una respuesta muy positiva por parte de la prensa musical británica, pero no pudo asegurarse un buen puesto en las listas.  "Don't Rag the Lady" / "Gregory Shan't" comparte un destino similar, obteniendo buenas críticas, pero no muchas ventas.

Pocos meses después de la aparición del álbum, Satisfacción había dejado de existir, dejando tras de sí el legado discográfico se puede escuchar en este disco. Por primera vez en el álbum "Satisfaction" y los sencillos de la banda han sido remasterizados de las cintas maestras originales de Decca y ahora están disponibles con una muy buena calidad musical, para nuestro disfrute y satisfacción. 

Una de esas joyas ocultas que se saborean a base de escucharlas. La calidad musical de la banda es muy grande y las composiciones son pequeñas, unas, y grandes joyas, otras. En pocas palabras, un gran disco de una buena banda.

Birth Control - Hoodoo Man (1972)

1. Buy! (7:10) 

2. Suicide (6:16) 

3. Get down to your fate (7:58) 

4. Gamma ray (9:44) 

5. Hoodoo man (8:25) 

6. Klaustoß (2:40)

Duración: 42:13

Birth Control

- Bruno Frenzel / guitarra, voces 

- Bernd Koschmidder / bajo

- Wolfgang Neuser / teclados, vibráfono

- Bernd Noske / batería, percusión, voz líder

Birth Control (control de natalidad) se formó a finales de los sesenta y en esos primeros años se dedicaron principalmente a tocar temas instrumentales basados en el jazz rock británico. Su primer álbum lo grabaron para el sello Metronome y fue un disco bastante ingenuo, aunque con algunos temas interesantes en los que ya se veía venir el punto fuerte de esta banda, una extraordinaria sección rítmica y una presencia constante de los teclados y guitarras pesadas.

Su segundo disco, 'Operation' de 1971 presenta un salto abismal respecto al anterior y ya disfrutamos del sonido Birth Control, con algunas de las grabaciones más famosas que harían. Rock pesado y sutiles arreglos jazzísticos lograron que este fuese uno de los discos más representativos de la escena underground alemana. Algunos de los mejores temas de este disco serían Pandemonium y The Work is Done.

Portada española de Hoodoo Man

El siguiente paso sería grabar el que para mí es es su mejor álbum, 'Hoodoo Man', un disco que aquí en España no llegaríamos a conocer con su portada original, sino como un montaje de cuatro fotografías de la banda, una portada mucho más pobre que la de la rolliza insaciable, al menos la que yo siempre tuve y conocí. Este es ya uno de los grandes clásicos del hard rock alemán, con joyas de la talla de Gamma Ray, Buy o Suicide. En general un disco fantástico que cuenta como tema principal la incombustible Gamma Ray. La presencia de un teclado Hammond pesado y fascinante, con sonidos blues increíbles, las guitarras de Bruno Frenzel y la voz del batería Bernd Noske, dotan de un sonido fácilmente reconocible a Birth Control, un clásico del mejor krautrock, que aún nos tendría que dejar otro par de discos imprescindibles, Rebirth (1973) y el ya más progresivo Plastic People (1975). Las ediciones de Repertoire tienen una cuidada edición, mejor sonido y un buen plus de bonus, lo que las hace ideales para quien quiera ampliar su discografía sobre esta banda que hizo historia.

Gamma Ray

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Manfred Mann's Earth Band - 1971 - 1973 (Recopilatorio)

Cara A

Buddah

I'm Gonna Have You All

Look Around

It's All Over Now, Baby Blue

Glorified Magnified

Cara B

Messin

Meat

One Way Glass

Joybringer

Get Your Rocks Off

Manfred Mann's Earth Band

- Manfred Mann / órgano, sintetizadores, vocalista

- Colin Pattenden / bajo

- Mick Rogers / voz principal, guitarra

- Chris slade / batería

Manfred Mann's Earth Band nació en 1971 a partir del anterior grupo de este teclista sudafricano: Manfred Mann Chapter Three, un grupo que combinaba el jazz rock con el nuevo rock progresivo y que se cristalizaría en la Earth Band de un modo más completo. Manfred Mann se rodeó de nuevos músicos: el guitarrista y vocalista Mick Rogers, el bajista Colin Pattenden y un joven Chris Slade en la batería, quien luego formaría parte de grupos como AC/DC, Uriah Heep, The Firm o Asia, entre otros.

Este es un recopilatorio de la primera época de Manfred Mann's Earth Band con temas de los discos Glorified Magnified y Messin', más el single Joybringer, que se grabó poco antes que Solar Fire.

Normalmente no soy muy partidiario de los recopilatorios, pero este es un disco que siempre circuló en vinilo y que a muchos nos abrió un mundo nuevo en aquellos años adolescentes en los que empezabas a descubrir la música.

          

Tras el pequeño tirón comercial de 'The Roaring Silence', seguramente el sello Vertigo vio la oportunidad de editar un álbum con material de los primeros tiempos y realizaron este magnífico recopilatorio centrado prácticamente en sus discos de 1972 y 1973, con una selección de temas que hacen de este un LP a caballo entre el rock progresivo y el hard rock. El álbum contiene una selección de joyas para disfrutar enormemente con su escucha, pero el problema es que hoy por hoy el único modo de hacerse con esta compilación de canciones es buscar el vinilo, lo que tampoco es muy difícil, puesto que se vendió mucho y a buen precio. Esto hace que aún hoy se encuentre bastante bien en el mercado de segunda mano. De todos modos lo ideal sería hacerse con los dos discos presentes en parte, 'Glorified Magnified' y 'Messin'. El tema restante, 'Joybringer', se editó como bonus en la edición remasterizada de 'Solar Fire', otra oportunidad para hacerse también con él y tener esta fantástica trilogía de la primera época de la Earth Band.

      
 I'm Gonna Have You All                                                            Messin'              

Manfred Mann's Earth Band: Captain Bobby Stout & Glorified Magnified, Cleveland 1973

Spirit - The Family That Plays Together (1968)

1. "I Got a Line on You" California 2:39

2. "It Shall Be" 3:24

3. "Poor Richard" 2:31

4. "Silky Sam" 4:57

5. "Drunkard" 2:27

6. "Darlin' If" California 2:27

7. "All the Same" California, Cassidy 4:41

8. "Jewish" California 3:23

9. "Dream within a Dream" 3:13

10. "She Smiles"" 2:30

11. "Aren't You Glad" 5:25

12. "Fog †" California, Locke 

13. "So Little To Say †¹" 

14. "Mellow Fellow †¹" Locke 

15. "Now Or Anywhere †" 

16. "Space Chile †¹" Locke 

† - Temas de la reedición de 1996 

¹ - Material no editado antes

Spirit

Mark Andes - Bajo, voces

Randy California - Bajo, Guitarra, Voces

Ed Cassidy - Percusión, Batería

Jay Ferguson - Percusión, Teclados, Voces

John Locke - Teclados

Este fue el segundo álbum de Spirit y uno de los mejores de la banda. Aunque la música sigue siendo esencialmente psicodélica, aquí podemos encontrar desde jazz, folk y blues hasta elementos más progresivos e influenciados por la música clásica, lo que sería prácticamente un denominador común en sus primeros cuatro álbumes.

El disco comienza con un tema bastente fuerte y comercial que se convertiría en uno de sus principales éxitos, I Got a Line On You, escrito por Randy California y que nos sirve de introducción para disfrutar de la extraordinaria calidad que se mostrará en el resto de las canciones, la mayoría de las cuales están escritas por Jay Ferguson. Un álbum apasionante en el que predominan las excelentes guitarras de California, aderezadas con arreglos a base de flautas, secciones de metales y cuerdas, donde las diversas influencias psicodélicas y jazz añaden el encanto necesario para transformar esta joya en uno de esos discos imperecederos de la época.

Aunque no podamos decir de este disco que es uno de los grandes clásicos del rock, si que hay algunos temas en él que resultan imprescindibles para conocer las raíces del rock progresivo.

En las actuales ediciones en CD se pueden disfrutar de temas tan buenos como Mellow Fellow o el excelente Space Child, que añaden aún más interés a un disco ya de por sí imprescindible.

Como dato de interés, resaltar que en algún momento después de la primera edición de este disco, las mezclas iniciales se perdieron. Por este motivo los siguientes lanzamientos en CD de Sony y la reciente reedición realizada en vinilo por Sundazed se tomaron de nuevas mezclas a partir de las grabaciones multipistas originales. Por lo que una comparación entre el LP original y las reediciones en CD y vinilo a partir de 1996 son sustancialmente diferentes. Para escuchar el sonido original de este álbum habría que rastrear los antiguos vinilos.

Track listing:

1. I Got A Line On You (0:00-2:37)

2. It Shall Be (2:38-6:02)

3. Poor Richard (6:03-8:31)

4. Silky Sam (8:32-12:37)

5. Drunkard (12:38-15:19)

6. Darlin' If (15:20-18:58)

7. It's All The Same (18:59-23:41)

8. Jewish (23:42-26:32)

9. Dream Within A Dream (26:33-29:35)

10. She Smiles (29:36-32:07)

11. Aren't You Glad? (32:08-37:47)

Spirit - I Got a Line On You

Galliard - New Dawn (1970)

Cara 1

1. New Dawn Breaking (4:20) 

2. Ask For Nothing (9:02) 

3. Winter-Spring-Summer (5:57) 

Cara 2

1. Open Up Your Mind (3:14) 

2. And Smile Again (4:09) 

3. Somethings Going On (4:54) 

4. Premonition (4:45) 

5. In Your Minds Eyes (6:31)

Galliard

- Andrew Abbott / bajo, segundo vocalista

- Geoff Brown / vocalista, guitarra rítmica

- Dave Caswell / saxo y flauta

- Richard Pannell / guitarra, sitar

- Leslie Podraza / batería

- John Smith / flautas de madera

- Harald Beckett / trompeta, flauta, corneta

- John Hughes / trombón

- Lyle Jenkins / saxofón

- John Morton / teclados

- Tony Roberts / saxofón, flauta

- Tommy Thomas / percusión
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Galliard fue un sexteto formado en el verano del 68 que desarrolló un rock psicodélico liderado por los gemelos Caswell (instrumentistas de vientos) y el cantante Geoff Brown. Grabaron dos discos en el sello Deram (sello subsidiario progresivo de Decca). Su primer disco lanzado en 1969 era bastante ecléctico, y contenía desde flamenco hasta música medieval. Para su segundo trabajo, New Dawn (1970), el instrumentista de viento John Smith se había ido, pero el grupo compartía una sección de metales extraordinaria, compuesta por cuatro músicos, más el teclista Morton. Este segundo álbum suena un poco diferente, pero aún así está más o menos en el mismo estilo musical que su predecesor. Excepto por el hecho de que los horizontes musicales se expanden hacia el folk y la producción es bastante mejor. En general un álbum mucho más completo y un trabajo digno de mención.

El disco fue grabado durante la primera mitad de 1970, por lo que el nombre del álbum, New Dawn (Nuevo Amanecer), podría sugerir un nuevo comienzo. Aunque como mencioné antes, sigue de cerca la dirección marcada en su debut, hay algunos giros extraños en esa ruta musical y encontramos más variedad musical. La mayor parte de los temas fueron compuestos por el cantante y guitarrista Geoff Brown, excepto uno de ellos que es compartido con el recién incorporado John Morton (Open Up Your Mind) y Premonition, compuesto por Dave Caswell.

 

New Dawn - (Sonido)

Weed - Weed...! (1971)

Temas:

Sweet Morning Light

Lonely Ship

My Dream

Slowin' Down

Before I Die

Weed

Weed

Ken Hensley (vocalista, guitarra, teclados)

Reinhold Spiegelfeld (bajo)

Bernd Hohmann (flauta)

Werner Monka (guitarra)

Rainer Schnelle (teclados)

Peet Becker (bateria)

Tras la grabación de su álbum debut titulado «Revelation» en 1970 la banda alemana Virus (Ger) sufrió la escisión de varios de sus principales miembros. Tanto el guitarrista Werner Monka, como el flautista y vocalista Bernd «Molle» Hohmann, y el bajista Reinhold Spiegelfeld decidieron abandonar el grupo.

A este núcleo de músicos se unen el teclista Rainer Schnelle (quien posteriormente militaría en otras bandas alemanas como Amon Düül II, Atlantis (Ger) o Family Tree y el batería Peet Becker. El quinteto toma el nombre de Weed y entra en el estudio para grabar el que sería su único trabajo, «Weed. …!» (1971), en el que a iniciativa de la discográfica (Phonogram) aparece como colaborador invitado nada más y nada menos que Ken Hensley, el teclista y guitarrista del grupo británico Uriah Heep, quien se encuentra inactivo en ese momento y aprovecha para participar en este proyecto de Weed como ya hiciera en su día con la grabación del disco «Orgasm» (1969) para el grupo/proyecto Head Machine. Hensley contribuyó en el álbum con intervenciones a la guitarra, teclados y voz.

El grupo se disuelve en el mismo año 1971, tras la grabación del disco.

El álbum «Weed…!», pese a su corta duración (33 minutos y solo seis temas) está considerado como una joya del heavy rock progresivo alemán, siendo un tanto excéntrico o marginal a la escena del krautrock de su tiempo debido a la muy acusada influencia británica de su sonido, que experimenta con diversidad de direcciones estilísticas en la línea de otros grupos alemanes como Sperrmüll, Reaction (GER) o Tiger B. Smith. Se ha dicho del álbum que es una mezcla entre Guru Guru y Status Quo.

Weed...! (1971) Álbum completo

* Datos tomados de Last.Fm

Cressida - Asylum (1971)

1. Asylum

2. Munich

3. Goodbye Post Office Tower Goodbye

4. Survivor

5. Reprieved

6. Lisa

7. Summer Weekend Of A Lifetime

8. Let Them Come When They Will

Cressida

- Angus Cullen / voz, guitarra, percusión 

- John Culley / lead guitar 

- Peter Jennings / órgano, piano 

- Kevin McCarthy / bajo 

- Iain Clark / tambores, percusión 

músicos invitados: 

- Harold McNair / flauta 

- Paul Layton / guitarra acústica

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Después de un muy buen primer álbum de debut (comentado en este blog), la factoría de melodías de Cressida editó su mejor trabajo con este disco, Asylum. Estamos ante un maravilloso ejemplo de como se podía hacer rock progresivo (británico) siguiendo unas directrices melódicas y vocales cercanas al sonido de los Beatles y creando pasajes instrumentales en aguas mucho más adentradas en el rock. Todo ello gracias a los sonidos sucios del órgano Hammond y de las guitarras distorsionadas, que sin abandonar en ningún momento la calidad de los arreglos orquestales (violonchelos, trompetas, timbales, etc.) enriquecen enormemente el sonido de esta banda. A muchos les parecerá un grupo preciosista y cursi, pero nada más lejos de la realidad, a mi me parece un grupo dotado de una enorme calidad y que merece ser reconocido en su justa medida. No estamos ante un clásico del rock, pero si que es un disco muy agradable, una pequeña joya con un sonido entrañable y característico de su tiempo. Rock bien hecho en la línea de bandas como Caravan o Traffic, aunque tal vez sin llegar al nivel de éstas. Para aquellos a quienes guste lo que estaba sucediendo en la música británica a finales de los sesenta y principios de los setenta.

En este segundo y último trabajo de Cressida podemos encontrar temas como Asylum, la genial y encantadora Munich (para mí la mejor y sólo por el lujo de escucharla ya vale la pena hacerse con este disco), la relajante Lisa, uno de los temas más elaborados y sorprendentes del álbum o la humorística, con un cierto aire entre jazz y pop, Goodbye Post Office Tower Goodbye. También encontraremos genialidades como Summer Weekend Of A Lifetime y Let Them Come When They Will, que aportan la frescura al final de un álbum en el que destaca, por encima de todo, el saber hacer tanto del órgano hammond de Peter Jennings, como de la fantástica guitarra de John Culley, sin menospreciar por ello la dulce voz de Angus Cullen, que a veces llega a recordar un poco a Paul McCartney. 

Asylum, Cressida (1970) álbum completo

Pink Floyd - The Piper At The Gates Of Dawn (1967)

Álbum de estudio, editado en 1967

Temas:

1. Astronomy Domine (4:12)

2. Lucifer Sam (3:07)

3. Matilda Mother (3:08)

4. Flaming (2:46)

5. Pow R. Toc H. (4:26)

6. Take Up Thy Stethoscope And Walk (3:05)

7. Interstellar Overdrive (9:41)

8. The Gnome (2:13)

9. Chapter 24 (3:42)

10. Scarecrow (2:11)

11. Bike (3:21)

Duración: 41:52

Pink Floyd

- Syd Barrett / guitarra, voces

- Nick Mason / batería

- Roger Waters / bajo, voces

- Richard Wright / órgano, piano

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Pink Floyd se formó a finales de 1965, con Roger Keith (Syd) Barrett, George Roger Waters, Richard Wright y Nicholas Mason. Syd Barrett, Roger Waters y un amigo de éstos (que casualmente enseñó a tocar la guitarra a Syd) llamado David Gilmour, provenían de la escuela superior de Cambridge. Tras abandonar Cambridge Barrett se dedicaba a intentar pintar en la escuela de arte de Camberwell (Londres), al mismo tiempo que aprendía a tocar la guitarra de la mano de Gilmour. Por otra parte Roger Waters también se había cambiado de aires a Londres, donde cursaba arquitectura. Allí conoció a Nick Mason y Rick Wright: los tres descubrieron que tenían muchas cosas en común, entre ellas la música. Formaron una banda llamada 'Sigma 6', con un Wright que ya tocaba el armonio, el piano, el clavicémbalo y el violonchelo. Mason además de ser un buen timpanista, tenía dinero para adquirir el material que el grupo necesitaba. Tras varios nombres distintos los tres (con Waters como bajo eléctrico, Wright a los teclados y Mason a la batería) reclutaron un guitarrrista de jazz llamado Bob Klose, además de Syd Barrett, amigo de Waters.

El grupo se llamó Pink Floyd Sound (idea de Barrett, que recortarían después a Pink Floyd) y fue el resultado de unir los nombres de dos bluesmen, Pink Anderson y Floyd Council. Bob Klose abandonaría el grupo debido a sus ideas musicales totalmente opuestas a las de Barrett, quedando éste como único guitarrista del grupo. Obtuvieron contrato para tocar todos los sábados en el Marquee, en una serie de actuaciones bautizadas con el nombre de 'Spontaneous Underground'. Realizaban una especie de rythmn and blues con partes instrumentales donde experimentaban con nuevos sonidos y texturas, apoyándose en el feedback (distorsión) de los nuevos amplificadores. Conocieron a Joel y Toni Brown, dos americanos vinculados al movimiento psicodélico californiano, y juntos crearon un rudimentario sistema de luces y proyecciones a color para sus actuaciones. De este modo se labraron una gran reputación dentro del movimiento underground y psicodélico.

Publicaron su primer single, Arnold Layne, con Columbia (Emi). Este primer tema narraba las andanzas de un muchacho que se dedicaba a robar lencería femenina. La canción fue considerada obscena y prohibida en muchas emisoras de radio. Mientras tanto siguieron experimentando con el sonido en sus actuaciones en vivo, instalando altavoces al fondo de las salas y creando una primera versión del sonido cuadrafónico, que sería en adelante característica común de sus actuaciones y su marca de fábrica.

Publican un segundo single en junio de 1967, See Emily Play, que entró en las listas de éxitos y llegó hasta el puesto seis.

En agosto de ese año aparece su primer álbum, The piper at the gates of dawn, título extraído de uno de los textos underground más populares (The Wind in the Willows, de Kenneth Graheme), donde el liderazgo de Syd Barrett sobre el resto resulta evidente, componiendo sólo o en compañía diez de los once temas del álbum, con la excepción de un tema compuesto por Waters. Aquí están dos de los temas más importantes de la primera época de Pink Floyd, Astronomy Domine e Interstellar Overdrive.

En octubre de 1967 Pink Floyd inicia su primera gira por los Estados Unidos, difundiendo la psicodelia británica a un público asombrado que los acogió con fervor. Barrett era el ídolo y el foco de atención, con una presencia en el escenario llevada al límite con la continua ingesta de dosis de LSD. 

El abuso del LSD y el comportamiento excéntrico de Barrett estaba haciendo cada vez más difícil la convivencia con el resto de la banda. Así fue que su precaria salud mental obligó a todos a una decisión difícil. Buscaron (de acuerdo con Barrett) una solución temporal, que fue la entrada de un quinto miembro como su sustituto. De este modo David Gilmour vino providencialmente a salvar la situación, entrando como quinto miembro de la banda y haciéndose cargo de las guitarras, mientras Syd Barrett se recuperaba. Al fin y al cabo todo quedó entre amigos y se suponía que era una solución a corto plazo.

Los Pink Floyd de la era Barrett había sido un grupo de dos caras: por un lado estaba su cara más underground y psicodélica. Por la otra su lado más pop y en apariencia más comercial. Sin embargo Pink Floyd decidió darle la espalda a esta segunda cara, en principio más atractiva y rentable, reservándose totalmente para la creación de álbumes de un tipo más subterráneo y creando ese sonido que ha ido evolucionando con el paso de los años y que han hecho de Pink Floyd una banda rápidamente reconocible y característica.

Pink Floyd en una de sus típicas actuaciones (Astronomy Domine con subtítulos en español)

The Piper at The Gates of Dawn es por méritos propios uno de los discos más importantes de la historia. Fue uno de los discos precursores del movimiento tanto psicodélico como progresivo, aunando experimetación y combinando géneros musicales como el pop, rock y folk. Al principio la crítica fue fría con este disco, pero el paso del tiempo lo ha colocado donde debe estar, entre los grandes discos tanto de Pink Floyd como del rock en general. Algunos comentarios (extraídos de la wiki) sobre este disco nos ayudan a comprenderlo un poco mejor: George Starostin afirmó de él que es "La Biblia Astral de la Psicodelia. Muy jodido, muy prendido. Escúchalo bajo tu propio riesgo". En New Musical Express, sobre la versión de 40 años de aniversario, escribieron que "Incluye dos singles de Barrett, censurados, no incluidos en el álbum original: "Arnold Layne" y "See Emily Play", que son tan buenos como cualquier cosa que los Beatles hayan grabado, mientras 'Arnold Layne' causó furor cuando fue censurada en la radio, ya que sus letras hablaban de un travesti que robaba lencería femenina". Sobre esto, Pitchfork comentó que "Mientras The Beatles ejercían control absoluto en las herramientas del estudio, Pink Floyd usaba el estudio para perder el control". Los mismos también dijeron "Mientras la mayoría de los discos del Verano del Amor eran positivos y unían, Piper era fracturado y terrorífico".

           
Interstellar Overdrive





Syd Barrett y Pink Floyd (Parte 2, Parte 3, Parte 4, Parte 5)

Jethro Tull - Thick as a Brick (1972)

Cara A

"Thick as a Brick, Part I" 22:40

1. Really Don't Mind / See There a Son Is Born

2. The Poet and the Painter

3. What Do You Do When the Old Man's Gone? / From the Upper Class

4. You Curl Your Toes in Fun / Childhood Heroes / Stabs InstrumentalCara B

Cara B
"Thick as a Brick, Part II" 21:06

5. See There a Man Is Born / Clear White Circles

6. Legends and Believe in the Day

7. Tales of Your Life

8. Childhood Heroes Reprise

Jethro Tull:
Ian Anderson - flauta, guitarra acústica, vocalista, violín, saxofón, trompeta
Martin Barre - guitarra eléctrica, laúd
Barriemore Barlow - percusión, timbales
John Evan - piano, órgano Hammond, clave
Jeffrey Hammond - bajo, voces

Aqualung y Benefit habían sido en cierto modo una pequeña concesión a la música que algunos miembros de la banda querían tocar. Tanto Martin Barre como Clive Bunker estaban escuchando la música de Mountain, Led Zeppelin o Cream. Ian Anderson tenía muy claro que no iba a tomar esa senda, entre otras cosas porque la competencia ahí era muy dura, además de que el afán por la experimentación, por el folk y por la música acústica le empujaba en otra dirección. Aunque siempre había huido de las etiquetas, Anderson empezaba a encontrar atractiva la idea de volcarse en el mundo del rock progresivo y de los discos conceptuales. Todo el mundo parecía querer un disco conceptual, hasta el punto de señalar a Aqualung como un disco concepto. Nada más lejos de la verdad según el propio Ian Anderson; sí que podía existir un vínculo entre algunas canciones de Aqualung, pero eso había sido algo casual y sin premeditar, si debemos creernos lo que él dijo, claro.

Así fue que Ian Anderson decidió dar a todos lo que querían, pero lo hizo con el humor que le caracterizaba. Thick as a Brick fue una sátira a esos discos pomposos y progresivos que aquí siempre conocimos como rock sinfónico. Los discos conceptuales estaban de moda, la discográfica pedía un disco así a la banda y Ian Anderson, que adoraba el humor de Monty Python, decidió darle al público lo que estaban pidiendo a gritos. Creó medio en broma medio en serio un disco que pilló desprevenidos tanto a los críticos como a los fans. Un ejercicio humorístico a medio camino entre el virtuosismo del jazz, el hard rock y el rock progresivo. Una demostración de la calidad musical y teatral (también en sus actuaciones en directo) de lo que la banda era capaz de crear. 

Y para lograrlo había venido confeccionando una banda a su imagen y semejanza, aunque para ello habría de dejar en el camino a compañeros de fatigas desde los primeros tiempos de Jethro Tull, como Mick Abrahams, Glen Cornick y Clive Bunker. En otras palabras, se rodeó de sus amigos de siempre, amigos en quienes poder confiar. Si nos fijamos atentamente vemos que la formación de esta etapa de Jethro Tull es casi la misma que la que formaron en sus años adolescente The Blades. Y es que la traición (en tiempos de This Was) que estuvo a punto de marginarle en su propio grupo y dar el liderazgo a Abrahams, marcaría a Ian Anderson hasta el punto de asegurarse bien de que Jethro Tull era y sería su banda y su proyecto, llegando a elegir a los miembros de la banda más por su carácter y forma de ser, que por sus cualidades como músicos. No hay más que ver la sustitución de un bajista genial como era Glen Cornick, por otro bajista tirando de mediocre a malo (aunque con el tiempo mejoraría bastante su técnica) como era su amigo de toda la vida, Jeffrey Hammond. Sin embargo la sustitución de Clive Bunker por Barriemore Barlow (otro amigo de juventud) fue mucho más acertada. Aún así la mayoría de fans estarían de acuerdo en que la mejor formación que tuvo Jethro Tull fue precisamente ésta, bajo la que se editaron joyas como el propio Thick as a Brick, A Passion Play, Warchild y Minstrell in the Gallery (sin olvidar la cuarta cara del Living in the Past).

En el libro “El Faro de Aqualung” (de Vicente Alvarez), se establece una analogía totalmente acertada y que comparto. Y es que Thick As A Brick sería al rock progresivo, lo mismo que El Quijote a los libros de caballerías.

Thick as a brick no es sólo una canción que ocupa dos caras de un disco. Son muchas canciones hábilmente unidas que comparten una cierta estructura común. Eso es lo que la hace fácil de escuchar y de asimilar. Su letra, aunque ambigua tiene un innegable humor que además la hace divertida. Y todo ello presentado en un envoltorio perfecto, un periódico creado por los miembros de la banda y que les llevó más tiempo de recrear que el propio disco, que se grabó en tan sólo dos semanas, tal como recuerda Ian Anderson: "Yo llegaba con una idea básica. Entonces la tocaba con la guitarra acústica o se la comentaba a los chicos en términos de progresión de acordes. A veces yo tenía una idea incompleta o dudosa, pero hacía ver a los demás que estaba bien y que podía funcionar. Hasta que no veía la reacción del grupo no decidía el camino a seguir. Otras veces ellos tenían sus propias ideas sobre cómo se podían hacer los arreglos. Así es como se suponía que tenía que ser: una mezcla de aportaciones de gente distinta". Una mezcla de aportaciones de toda la banda, así es como se logró facturar esta obra maestra.

Ya en primera plana podemos ver al supuesto autor de la letra, Gerald Bostock, acompañado de sus estrafalarios progenitores y de una adolescente un poco subida de tono, que pretende que el niño que espera en su vientre es hijo del pequeño Bostock, un genio de tan solo ocho años, a quien para colmo de males la sociedad literaria que promociona el concurso, SLAG (escoria), le  ha descalificado y le quitan el premio concedido por su poema, como consecuencia de las quejas recibidas y de su precaria salud mental. Única explicación para la aberración que ha escrito, el poema Thick as a Brick. El resto del periódico es un cúmulo de bromas en la más pura línea Monty Python, con los miembros de la banda como protagonistas de la mayoría de ellas.

Aquí podemos leer en castellano e ingés la letra del poema.

Evidentemente Gerald Bostock no existe, es otro de esos personajes tras los que Ian Anderson se escudó para dar rienda suelta a su imaginación, del mismo modo que lo fueron Aqualung antes y lo serían Ray Lomas en Too Old To Rock'n'roll Too Young To Die. La faceta teatral y humorística del grupo aparece por todas partes ya, desde la música y la letra hasta el envoltorio. Y aparecería también en la gira de presentación del Thick as a Brick. Gira de la que por desgracia aún no ha aparecido ningún video que merezca la pena publicar, pero sí algún que otro material de interés que circula por la red y por Youtube (eso sí, con una calidad pésima de imagen y sonido).

Thick as a Brick, 1976, Subtitulado

Wolverhampton Live Bootleg (1972)

Para muchos fans Thick as a Brick es el mejor disco de Jethro Tull. Durante mucho tiempo he pensado del mismo modo y mis preferencias parecían inclinarse cuando hacia el Thick as a Brick cuando hacia el Aqualung. Pero con el tiempo cada vez he empezado a ver Aqualung como un álbum mucho más completo y más logrado, un disco más crudo y auténtico, sin la pompa que a veces hace del Thick as a Brick un disco un poco artificial, aunque no tanto como lo llegaría a ser el incomprendido A Passion Play, su tercer gran obra maestra, que sería vapuleada sin piedad y de un modo demasiado injusto por la crítica, pero eso es otra historia.

Temas del bootleg Wolverhampton Live (1972)

Creo que el mejor modo de conocer un poco más el Thick as a Brick es escuchar también (aunque sea en mala calidad merece la pena) alguno de los conciertos que se tocaron durante la gira de presentación del álbum, allá por 1972. Así que aquí va esta joya, Live at the Wolverhampton Civic Hall, perteneciente al tour de presentación del Thick as a Brick. (Enlace al bootleg).

__________: Creando el disco :__________

Creando el Thick as a Brick, parte 1

Creando el Thick as a Brick, parte 2

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 Thick as a Brick (edición 40 aniversario)                   Wolverhampton bootleg, disc 1, 1972   

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Alquin - Marks / Mountain Queen (1972 - 1973)

Alquin - Marks (1972)

Alquin - Mountain Queen (1973)

En 1968 unos estudiantes en Delft (Holanda) crean un grupo al que llaman 'Thresold Fear' y con el que tocan principalmente rhytmn and blues. El grupo está formado en 1970 por Hein Mars (bajo, voz), Job Tarenskeen (voces, saxo, percusión), Ronald Ottenhof (saxo, flauta), Ferdinand Bakker (guitarra, voz, teclados), Dick Franssen (teclados) y Bart Terlaak (batería).

A finales de 1971 el grupo cambia de batería: Terlaak se va y Pal Westrate entra. En febrero de 1972 se cambian el nombre a Alquin y consiguen contrato con Polydor para dos lps y cuatro sencillos. De este modo graban su primer trabajo, 'Marks', producido por Hans Van Oosterhout, que también sería productor de Supersister. El álbum es principalmente una mezcla de rock y jazz con influencias clásicas, creando un "rock sinfónico" bastante elaborado y con un cierto colorido a jazz rock melódico.

La popularidad de la banda crece a pasos agigantados durante el año de 1973, sobre todo en su país natal Holanda y llegando a ser elegidos como la mejor banda por la Oor Magazine. Alquin se va de gira por Gran Bretaña en abril y mayo (realizan 17 actuaciones) en lugares como la Universidad de Liverpool, Cavern Club, Greyhound y Marquee Club. También tocan en vivo en el popular programa de televisión 'The Old Grey Whistle Test'.

También en Londres, en el DeLane Lea Studio's, con la ayuda del productor Derek Lawrence (también fue productor de bandas como Deep Purple o Wishbone Ash). Para la mayoría de amantes del rock progresivo y del rock en general este será el mejor disco que registrarán en toda su carrera.

En 1974 y ya con el renombre grabado a pulso gracias a sus dos discos grabados, realmente dos muy buenos trabajos, realizan giras por Alemania, Inglaterra y telonean a The Who por Francia.

Ese año también graban un tercer álbum con el añadido de Michel Van Dijk (que cantó con Brainbox y Ekseption) 'Nobody can wait forever'. El disco se grabó en diciembre en los Rockfield Studios y fue producido por Roger Bain. La música de Alquin sufre cambios, el disco es mucho menos progresivo, las canciones más cortas, mas pesadas e incluso funkys por momentos. Con este disco comenzó el declive de Alquin. Pienso que tomaron un rumbo equivocado y la frescura, originalidad y calidad de sus dos primeros trabajos se pierde. La música se vuelve previsible, ordinaria y carente de cualquier vínculo con sus dos primeros discos. Así es que desde mi punto de vista, Alquin emergió con su primer álbum, 'Marks', con el segundo llegarían a su máximo nivel creativo y con el tercero caerían en el olvido.

La banda siguió tocando y grabó algún disco más hasta 1976 y con la llegada del nuevo milenio volverían a reunirse.

Sus primeros dos trabajos han sido reeditados con una gran calidad de sonido por Esoteric Recordings (como casi todo lo que hace este sello), pero también existe una edición de Polydor que contiene los dos discos en un solo CD.

Marks / Mountain Queen (edición de Polydor)

Boxset/Recopilación editada en 1990

Marks-> 1. Oriental journey (4:22) 

2. The least you could do is send me
some flowers (2:25) 

3. Soft Royce (6:57) 

4. I wish I could (11:27) 

5. You always can change (3:04) 

6. Marc's occasional Showers (3:21) 

7. Catharine's wig (2:31) 

 Mountain Queen-> 8. The dance (13:00) 

9. Soft-eyed woman (2:38) 

10. Convicts of the air (3:50) 

11. Mountain queen (14:45) 

12. Don and Dewey (1:27) 

13. Mr. Barnum's Jr's magnificient and fabulous city (8:25)

Duración: 78:46

Alquin

- Ferdinand Bakker / guitar, keyboards, vocals

- Dick Franssen / keyboards 

- Ronald Ottenhoff / saxes, flute 

- Hein Mars / bass 

- Job Tarenskeen / percussion, vocals 

- Paul Westrate / drums

Merece la pena, y mucho, hacerse con estos dos discos en sus ediciones de Esoteric Recordings. Primero porque son dos discos extraordinarios, en los que se combinan estilos tan diferentes como el día y la noche, repletos de sombras y luces y sin abandonar nunca la calidad que caracteriza la primera época de esta banda. Encontraremos desde el más auténtico sabor jazz pop y jazz rock con coloraciones típicas de la escena Canterbury, pasando por un rock sinfónico en la línea de las mejores bandas británicas, repleto de influencias que abarcan desde la música clásica hasta el hard rock. Impresionantes melodías de guitarras y flautas, increíbles ritmos a cargo de saxofones y secciones rítmicas, vertiginosos violines (en algunos momentos de Marks) y un grupo perfectamente conjuntado que nos asombra con dos discos a cual mejor (a mí me resultaría muy difícil elegir uno por encima de otro). Eso sí, dale tiempo y escucha estos discos con calma. La buena música no siempre tiene que ser fácil de escuchar de buenas a primeras, aunque lo que aquí nos encontramos es bastante fácil de asimilar, tanto por su similitud con bandas como Caravan, Egg o Hatield and the Norh, como por ser una de las mejores bandas progresivas de los primeros setenta. Seguramente te encantará con la belleza de sus canciones.

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