Lo poco que conseguí averiguar de esta banda germana de los primeros setenta es que grabaron su primer y único álbum con el sello Pilz. Hacían una música muy bien estructurada y basada en un jazz rock, apoyada fundamentalmente en el saxo y flauta de Helmut Hachmann. Su sonido está más vinculado a bandas como Colosseum o los primeros Jethro Tull que a otras bandas consideradas Krautrock.
Como comentaba antes, su música está muy bien estructurada y con motivos muy variados en sus diversos temas, desde el jazz rock hasta momentos mucho más tranquilos y folk. La calidad de la banda también se hace notar con una muy buena base rítmica, guitarra y lo más sobresaliente que tienen: los saxos y flautas. Las voces sin ser de lo mejor no son malas, recordando en muchos momentos a los grupos acid rock de la costa oeste americana (y lejanamente a otras bandas alemanas como Birth Control y Eloy).
Este no es un álbum esencial y a veces a las composiciones les falta algo de la inspiración y el carácter necesario para alcanzar ese toque de genialidad extra necesario para llegar a lo más alto. Pero aún así es un gran trabajo y merece la pena pararse a escucharlo y, si te gusta, hacerte con él.
3. "Post War, Saturday Echo" Peter Robinson, John Gustafson, Graham Ross 9:42
4. "Good Lord Knows" John Gustafson 2:54
5. "Up on the Ground" John Gustafson 7:08
Cara B
1. "Gemini" Steve Hammond 5:54
2. "Make up Your Mind" Steve Hammond 8:44
3. "Laughin Tackle" Peter Robinson 10:35
4. "Entropy (Reprise)" Peter Robinson 0:40
#(bonus tracks en la reedición)
"One Blind Mice" John Gustafson 3:15
"Punting" John Gustafson 7:09
Quatermass:
John Gustafson – Bajo guitarra y voz principal
Pete Robinson – Teclados, piano y coros
Mick Underwood – Batería
Quatermass fue una banda británica de rock progresivo y hard rock, formada en Londres en 1969 y bastante reconocida y elogiada por su sonido innovador. Su mayor éxito comercial, el tema 'Black Sheep of the Family', pertenece a su álbum debut (y único que editaron). Este tema también dio origen a una versión realizada por Ritchie Blackmore para el primer disco de Rainbow, después de que sus intentos de grabarla con Deep Purple no cuajaran.
Quatermass
El trío estaba formado por el bajista y vocalista John Gustafson, el teclista Pete Robinson y el batería Mick Underwood, todos ellos buenos músicos, que se habían conocido mientras tocaban en 'Episode Six' junto a Ian Gillan. Mick Underwood había tocado ya antes junto a Ritchie Blackmore en el grupo 'The Outlaws'.
El sonido de Quatermass se distingue por un órgano hard rock, acompañado de una sólida sección rítmica y la ausencia de guitarras. En su música predominan tanto los ritmos fuertes y acelerados con partes más lentas, así como las bellas baladas, a veces acompañada de secciones de cuerda, como en 'Laughin Tackle'. La voz de John Gustafson tiene una entonación muy parecida a la de su ex-compañero Ian Gillan, y en general tienen cierta similitud con bandas como Deep Purple y Emerson, Lake & Palmer.
El disco fue editado por el sello Harvest y hoy está considerado como uno de los mejores grupos británicos de la época. Del mismo modo que su álbum es un disco de culto y una joya dentro del rock progresivo y del hard rock, precursores de un sonido más heavy como serían Rainbow.
Quatermass, 1970 (Álbum completo)
'Entropy' es una melodía basada en sonidos de teclado muy tranquilos y repetitivos, perfecta como intro corta y que enlaza con 'Black Sheep of the Family'. La oveja negra de la familia es el tema más conocido del álbum, un corte hard rock en el mejor estilo de la época. 'Post War Saturday Echo', donde la improvisación y la magnífica voz de Gustafson logran texturas a medio camino entre el jazz y el hard rock. 'Good Lord Knows' es otro corte de transición, que va de menos a más hasta llegar al inicio del siguiente tema, 'Up On The Ground', que también mantiene ese sonido duro y característico de Quatermass. 'Gemini' comienza en la misma línea que 'Black Sheep of the Family', con algunos cambios de ritmo más lentos intercalados y con un solo de teclados a mitad de tema fantástico. Un tema con una base rítmica que a mí me sigue sonando mucho a 'Deep Purple In Rock', álbum que parece haber influido mucho en Quatermass. 'Make Your Mind' es un tema largo, en el que podemos disfrutar de las mejores cualidades del grupo. 'Laughin Tackle' es la pieza más larga y más experimental, por decirlo de algún modo. Aquí la banda al completo se luce, desde los ritmos iniciales a cargo de bajo y teclados, los acompañamientos de cuerda, el solo de batería y las divagaciones finales del piano y orquesta, ponen casi la coda con uno de los mejores y más originales temas del álbum (en la mejor línea de lo que después nos mostraría King Crimson). La coda final viene con la repetición variada del tema que dio comienzo al disco, 'Entropy (Reprise)'.
Black Sheep of the Family Gemini
miércoles, 25 de septiembre de 2013
En Aqualung / My God, The Jethro Tull Blog;
ENTREVISTA A IAN ANDERSON EN PROG MAGAZINE-TRADUCCION COMPLETA AL CASTELLANO.
ENTREVISTA ORIGINAL POR CHRIS ROBERTS PARA PROG MAGAZINE. TRADUCCION Y APUNTES POR JUAN MARCOS VELARDO.
"¿He ganado algo?, ah bien, me estas contando algo que no sabía. Puse una nota en mi agenda para poder asistir a los Prog Awards, pero no estaba seguro de que iba todo".
Ian Scott Anderson (10 de Agosto de 1947, Dumferline, Reino Unido), puede presumir de haber ganado muchas cosas a lo largo de sus más de 40 años al frente de la banda británica Jethro
Tull. El estilo de su música nunca ha estado muy definido, algo por lo que, en mi opinión, le ha favorecido durante todos estos años para agrandar su gran masa de seguidores. Blues, Art Rock, Pop Rock, Folk Rock, Rock Medieval, e incluso Tecno Pop en alguna corta fase de su carrera han sido muchas de las etiquetas con las que se ha identificado la música de Jethro Tull. Pero hay un estilo, una etiqueta, con los que la mayoría de sus seguidores nos hemos identificado más: Rock Progresívo. Un estilo en el que Anderson entró casi por accidente allá por 1972 con el álbum Thick As A Brick. Un estilo, una etiqueta, repito, que ha estado maldita durante muchos años. Los grupos Progresivos nunca estuvieron bien vistos por los medios musicales, aún de haber sacado grandes, míticas en algunos casos, bandas como Pink Floyd o Yes.
Recientemente, Anderson volvíó a ese estilo en su hasta la fecha último disco, TAAB2, la secuela de Thick As A Brick. El álbum ha cosechado un grán éxito de público y crítica, sobre todo en la prensa musical especializada.
Interesante entrevista a Ian Anderson, traducida al castellano en uno de los blogs más interesantes dedicados a Jethro Tull.
Si quieres leer esta entrevista, te la recomiendo, puedes leerla entera y traducida aquí: entrevista a Ian Anderson.
En 1964 los hermanos Andrew Latimer y Ian Latimer se unieron a sus amigos Alan Butcher y Richard Over para formar una banda, el resultado: 'The Phantom Four". Más adelante la banda se cambió el nombre a "Strange Brew" y de la formación inicial sólo quedaron Alan Butcher (que también abandonó rápidamente) y Andrew Latimer.
En el 68 reclutaron a Doug Ferguson como bajista, que les recomendó a un jovencísimo Andy Ward (14 años) como batería. De este modo 'The Brew' (recientemente se habían acortado el nombre) empezaron a dar sus primeros conciertos ya como un trío; Latimer, Ferguson y Ward.
Los tres componentes decidieron reclutar un teclista y publicaron un aviso en la revista Melody Maker. En septiembre del 71 respondió Peter Bardens, que asombró a sus futuros compañeros con su currículum. Había tocado en discos de Rod Stewart, Van Morrison, Peter Green y Mick Fleetwood, entre otros, así como un par de discos grabados en solitario.
En octubre del 71 la banda dio un primer concierto como 'Peter Bardens On', pero para diciembre de ese mismo año la banda telonearía a Wishbone Ash, ya con el nombre de Camel.
Camel - 1973
En agosto del 72 firman con MCA Records y editan su primer álbum titulado simplemente 'Camel'.
En este primer trabajo el sonido de la banda aún está por definir, aunque pienso que es un disco muy bueno, tal vez más rock y no tan sinfónico como los que vendrían después. La mayoría de los temas están compuestos por Latimer y Bardens, y así es que tanto las guitarras como los teclados se hacen notar mucho en este primer trabajo. Hay en él clásicos como Slow Yourself Down o Never Let Go y otros instrumentales como Arubaluba, que fueron esenciales en la evolución del sonido de la banda. El disco tuvo unas ventas más bien discretas y la compañía MCA prefirió no darles opción a un segundo álbum, aunque su mánager, Geoff Jukes, les consiguió otro contrato discográfico, esta vez con Decca Records (en su filial Deram).
Portada de Mirage en EEUU
Con Decca la banda llega a la que será su edad de oro. Los tres discos que graban a continuación son en mi opinión una trilogía esencial para cualquiera a quien le guste la banda y este tipo de música. Discos como Mirage, The Snow Goose y Moonmadness son obras maestras del género, y aunque algunos se empeñen en catalogar a Camel como una banda de segunda, estos discos demuestran lo contrario. Aunque claro, basta con mirar las críticas de Allmusic (entre otras) para darse cuenta de que algunos críticos musicales valoran los discos por lo comercial de estos, dejando a un lado el aspecto musical.
Volviendo a Mirage, la banda consigue la suficiente reputación y reconocimiento en Inglaterra, pero será con su publicación en Estados Unidos (con otra portada por problemas con la empresa de tabacos) lo que los lleve a realizar una gira por aquellos lares como teloneros de Wishbone Ash.
Andrew Latimer
Mirage confirma a Camel como una de las grandes bandas del rock sinfónico progresivo y con el tiempo se convertirá en uno de los clásicos del género y del grupo. Como ya mencioné antes, junto con 'The Snow Goose' y 'Moonmadness' forma parte de una trilogía de discos sucesivos en los que resulta difícil decidirse por uno de los tres, dejando de lado los gustos personales.
Al principio pensaba escribir esta reseña sobre 'Moonmadness', pero no me parecía muy apropiado teniendo en cuenta que antes se habían publicado dos discos de la misma envergadura, así que prefiero comenzar por Mirage.
'Freefall' abre el disco con un riff rock que se repite a lo largo de todo el tema. Uno de los temas más duros de la banda y una especie de transición que llega del disco anterior. 'Supertwister' es el contrapunto al tema anterior, una canción tranquila con una flauta relajante y una guitarra dulce y melódica envuelta por los teclados de Bardens.
'The White Rider' es uno de los grandes temas de Camel y donde por primera vez colocan todas las cartas encima de la mesa y nos muestran el sonido más característica de la banda en esta época. Guitarras y flautas llevando la melodía, teclados y bases rítmicas variando continuamente e imponiendo ritmos derivados del jazz rock para crear texturas y atmósferas sinfónicas. Bardens demuestra todo su saber en los teclados a través de sus solos y de sus acompañamientos y Latimer nos muestra su dominio de la flauta y el sonido cautivador que logra extraer de la guitarra.
'Earthrise' es un instrumental jazz rock, donde la banda parece improvisar libremente sobre el teclado y la batería de Andy, que lleva la batuta.
Y para terminar, 'Lady Fantasy'. Intentar describir este tema sin escucharlo es un absurdo. Este es uno de los mejores trabajos de la banda. Desde la intro, pasando por la melodía principal, las voces de Latimer, las improvisaciones y texturas a cargo del órgano, los riffs de guitarra, el extraordinario bajo de Doug Ferguson y la máquina rítmica de Andy Ward, nos deleitan con uno de los temas clásicos y el primer gran exponente de lo que será el sonido de Camel, cambios continuos de tempo, melodías impresionantes e improvisaciones de corte jazzy.
En conclusión, una obra maestra del rock progresivo y del rock. Un disco que hay que tener y escuchar.
Camel - Lady Fantasy - Live
El álbum posterior a Mirage será The Snow Goose, que contiene uno de los temas más épicos y conocidos de la banda: Rhayader.
Camel - Rhayader / Rhayader Goes To Town - Live 1977
McKinley Morganfield (Rolling Fork, 4 de abril de 1915 - Westmont, 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense, generalmente considerado el Padre del Chicago blues. Su figura y su sonido fueron, del mismo modo, una de las máximas inspiraciones para la escena del Blues británico, que comenzó a despuntar en el Reino Unido hacia principios de los años 60.
Sus giras por Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, el primer antecedente de una banda amplificada haciendo algo cercano al hard rock allí (uno de los críticos presentes señaló que se retiró al baño a escribir su reseña, ya que la música estaba demasiado alta).
Así que no es de extrañar que aquellos a quienes había inspirado decidiesen grabar un álbum para echarle un cable cuando pasaba por una mala racha y de este modo intentar relanzar su carrera.
También es de resaltar que hubo que esperar al boom del blues británico para que en los Estados Unidos empezasen a reconocer a músicos que llevaban décadas tocando su música para una minoría negra.
Los músicos que tuvieron la suerte de participar en esta grabación histórica eran blancos británicos que habían formado parte de grupos dedicados al rock, y músicos negros, veteranos del blues original de Chicago, con tanta ilusión por la experiencia como sus alumnos blancos. Entre los músicos británicos que participaron estaban artistas de la talla de Rory Gallagher, Stevie Winwood, Mitch Mitchell, Georgie Fame (disfrazado como Gorgie Fortune) y el bajista Rick Grech.
Con tales músicos, sobre todo con Gallagher como guitarrista invitado, Waters inició las sesiones con una seguridad absoluta. Las razones son lógicas: una serie de canciones propias, algunas de Willie Dixon, que se sabían de memoria los jóvenes ingleses y el resto salidas de la inspiración de otros bluesmen, como "I'm Gonna Move To The Outskirts Of Town", original de Casey Bill Weldon (segundo marido de Menphis Minnie) y "Blind Mind Blues", escrita por Lafayette Leake, pianista de Chicago que aparece en muchas grabaciones de la Chess Records, y que mantiene una estructura melódica del estilo de "I Just Want To Make Love To You", también de Muddy Waters.
El tema "Key To The Highway" aunque de Muddy, lleva el sello de Big Bill Broonzy, que fue quien lo popularizó, sin contar la versión que Clapton y Mayall realizaron para su famoso 'Beano'.
En 1958, Little Walter hizo una soberbia versión de la misma, y Derek & The Dominos jugaron son su melodía cuando Clapton y Duane Allman compusieron 'Layla'.
En "Young Fashioned Ways" podemos disfrutar de un Rory Gallagher que acapara toda la atención tocando riffs de guitarra del modo en que sólo él sabía hacer.
Muddy Waters y Rory Gallagher "Your Fashioned Ways" (1972)
Muddy grabó en estas sesiones por vez primera, aunque otros ya se la habían arrebatado, una de sus obras más emblemáticas, "Who's Gonna Be Your Sweet Man When I'm Gone's", un largo título para un tema genial.
"Walkin' Blues", "I'm Ready" y "I Don't Know Why" son también piezas del genial músico y compositor de la Chess, Dixon.
Who's Gonna Be Your Sweet Man When I'm Gone
Rory Gallagher y Sam Lawhorn se repartieron los solos, poniendo punto final a unas jornadas inolvidables que tuvieron lugar en los estudios IBC de Londres y una estudiada producción en Nueva York. Lo esencial no son las mezclas, sino la experiencia vivida por unos músicos británicos empeñados en rescatar a las glorias del blues más auténtico y, sobre todo la protagonizada por un irlandés de alma negra, cuya labor con Taste y más tarde en solitario es considerada muy respetuosa con el espíritu que ha animado desde siempre el blues.
Muddy Waters with Rory Gallagher ~''I'm Ready'' & ''Blind Man Blues'' 1972
Philby - En memoria del guitarrista del pueblo, Rory Gallagher y de Muddy Waters
“Soy Charles Mingus. Soy mulato, soy de piel amarilla... medio amarilla... apenas amarilla, no soy lo bastante blanco para dejar de pasar por negro ni lo bastante claro para que me llamen blanco. Yo me declaro negro. Soy Charles Mingus: para mí, no tengo color... Charles Mingus es un músico, un músico mestizo que toca con belleza, que toca con fealdad, que toca con amor, que toca masculinamente, que toca femeninamente, que toca música, que toca todos los sonidos, fuertes, suaves, sonidos que no se oyen, sonidos, sonidos, sonidos...”.
La revista francesa JazzMagazine publicó una conversación con quien era considerado una de las voces más creativas y rebeldes de la música negra de entonces. Nada más comenzarla, Mingus se quejó airadamente del trato vejatorio que estaba sufriendo en la gira europea, y cuando uno de los dos entrevistadores, Jean Clouzet y Guy Kopelowicz, le comentó que la mayoría de jazzmen estadounidenses opinaban que existía racismo en el Viejo Continente, pero que no era sistemático, respondió: “¿De quién se quiere burlar? Nadie puede comprender esto si uno no es negro. ¿Quiere otro ejemplo? Ayer cuando ingresé en este hotel, la recepcionista me trató como un perro. Me enteré de que se burlaba de mí a pesar de que ella no hablaba ni una palabra de inglés. Habló un momento con el chófer y únicamente por su comportamiento comprendí sus sentimientos hacia mí. Para darse cuenta de que alguien te odia, no es indispensable entender su lengua. La hostilidad se percibe muchas veces simplemente con el tono de voz. El amor, el odio, todo esto se expresa primero con sonoridades, con inflexiones de voces, no con palabras. A ustedes, no les odio. Lo que deploro es la situación en la que me veo inmerso. No tengo ganas de hablar. ¿Por qué desean tanto hablar conmigo?”.
Charles Mingus
"Sabe, no se puede decir que en Estados Unidos tenga mucho trabajo. No les caigo demasiado bien a los empresarios. La reputación que me han creado no me ayuda a obtener contratos. Han dicho que me paso el tiempo buscando problemas, que me gusta pelearme y yo que sé más... Es verdad, me peleé pero hace mucho tiempo y en condiciones muy especiales. Me refiero a lo que pasó con Jimmy Knepper. Lo tuve mucho tiempo en mi formación y puedo afirmar que lo conozco bien. Es uno de los mayores drogadictos que conozco. Le rompí la cara el día en que lo descubrí pinchándose en mi propio baño. Fuimos a los tribunales pero claro, fue él quien ganó el pleito. Es que los jueces le creyeron porque era blanco. ¿Qué creen ustedes que hubiera pasado si los papeles hubieran estado invertidos, es decir, si yo hubiese hecho lo que hizo Jimmy Knepper? Pues que yo, como soy negro, ahora estaría en la cárcel.
“Cuando usted me clasifica dentro de la categoría de jazzmen, automáticamente limita mis oportunidades de trabajo. No quiero que mi música sea llamada jazz. ¿Sabe usted lo que quiere decir jazz? En Nueva Orleans, to jazz your lady quiere decir "follar a tu chica". No quiero que los críticos apliquen esta palabra a mi música. Que les jazzen. ¡Mi música es una obra de belleza que no tiene nada que ver con esto! Esta expresión pornográfica no guarda relación con la música, como tampoco con el amor. Cuando me acuesto con una mujer, no la follo, le hago el amor. ¿El coito sin amor, rápido, con una puta? ¡No es para mí! Con mi música ocurre lo mismo. Tiene la belleza de una mujer que abre las piernas. Es verdadero amor, no pornografía.”
Biografía de Charles Mingus
Charles Mingus nació en Arizona en 1922 y murió en
Cuernavaca, Méjico,en 1979.
Creció y se crió en el seno de una familia multirracial, sus
abuelos paternos eran suecos y afroamericanos, sus abuelos maternos chino y
británico.
No conoció a su madre (murió a los 6 meses de nacer él), así que fue criado por su madrastra,
mitad amerindia, que le permitía escuchar sólo música relacionada con la
iglesia, aunque llegó a desarrollar su amor por el jazz y en especial por Duke
Ellington.
Empezó a estudiar música con el trombón, pero la incompetencia
de su profesor le empujó al chelo. Un amigo que conocía de sus tendencias
antirracistas, le comentó que estaba tocando un instrumento más propio de
blancos que de negros, y esto le hizo decidirse finalmente por el contrabajo.
En 1940 obtuvo su primer trabajo serio con el baterista de jazz
Lee Young , hermano de Lester Young, y consiguió algunas actuaciones con el
clarinetista y saxofonista tenor Barney Bigard y Louis Armstrong en 1942. Conoció al vibrafonista Red Norvo y ello
le dio alas para dirigirse a Nueva York en una época en que la Gran Manzana era
un hervidero musical de nuevas ideas.
Allí se encontró los círculos musicales del bebop y a Charlie
Parker, que, cuando lo escuchó por primera vez, lo animó a perseverar en su
música. En 1952 fundó con Max Roach su propio sello discográfico, Debut
Records.
Grabó en 1956 para el sello Atlantic Records su primera obra
importante: Pithecanthropus Erectus, muy innovadora y enraizada al mismo tiempo
en los compositores clásicos del siglo XX, en el blues y en la música religiosa
afroamericana.
Su primer gran álbum, con Atlantic
Recopilatorio de 8 discos
Entre finales de los 1950 y principios de los 1960, grabó el
cuerpo de su obra discográfica más importante, en el que se encuentran varias
obras maestras repartidas entre distintas casas discográficas: The Clown
(Atlantic, 1957); New Tijuana Moods (RCA, 1957); Mingus Ah Um (Columbia, 1959);
Blues & Roots (Rhino, 1959); Mingus at Antibes (Atlantic, 1960); Charles
Mingus Presents Charlie Mingus (Candid, 1960) o el considerado por muchos
críticos su obra maestra, The Black Saint and the Sinner Lady (Impulse!, 1963),
y entre esos discos, pequeñas composiciones que se han convertido con el
transcurrir del tiempo en grandes estándares del jazz como "Goodbye Pork
Pie Hat", un homenaje a Lester Young, 'Moanin' o "Better Get Hit In Yo'
Soul".
Moanin' - Blues & Roots (1959)
Escribió, en 1972, siete años antes de morir, su
autobiografía, Beneath The Underdog (Menos que un perro), obra
que ayuda a comprender al músico y describe y critica el ambiente racista en el
cual vivió.
Una enfermedad degenerativa muscular acabó con su vida en
1979; sus cenizas se esparcieron en el río Ganges.
Para conocer mejor a Charles Mingus, leer los enlaces siguientes:
Charles Mingus – contrabajo, piano (con Parlan en el tema
10)
Dannie Richmond - batería
Better Git It In Your Soul Goodbye Pork Pie Hat
La Guía Penguin Jazz dice de este álbum que es "ungran homenaje a los antepasados " y en
cierto modo todo el álbum es una referencia a los antepasados e influencias musicales de Charles Mingus. "Better Git It In Your Soul" se inspira en el canto y la
predicación del evangelio que Mingus habría escuchado cuando era un niño en Watts,
Los Ángeles, California , mientras que " Goodbye Pork Pie Hat "es un
homenaje al saxofonista Lester Young (muerto poco antes de grabar el disco). El
origen y la naturaleza de "Boogie Stop Shuffle" se explica por sí
mismo: un blues de doce compases con cuatro temas respaldados por el fantástico
bajo de Mingus.
"Self-Portrait in Three Colors" fue originalmente
escrito para la primera película del director John Cassavetes , ‘Shadows’ ,
pero nunca fue utilizada (por razones monetarias). "Open Letter To
Duke" es un tributo a Duke Ellington , y se basa en tres piezas anteriores
de Mingus ("Nouroog", "Duke’s Choice" y "Slippers").
"Jelly Roll" se refiere al pionero del jazz y pianista Jelly Roll
Morton y cuenta con una pequeña muestra del tema de Sonny Rollins
"Sonnymoon for Two" ejecutada al piano, "Birds Calls", en palabras
del propio Mingus, no se refería a la leyenda del bebop Charlie
"Bird" Parker : "No se suponía que debía sonar como Charlie
Parker Se suponía que iba a sonar como los pájaros".
"Fables of Faubus " es la historia de Orval E.
Faubus (1910-1994), el gobernador de Arkansas, célebre en 1957 por su postura
en contra de la integración en Little Rock, Arkansas. Se comenta sobre este
tema, que Columbia se negó a permitir que las letras se incluyeran en este álbum,
aunque las notas de la reedición de 1998 comentan que la pieza comenzó su vida como un
tema instrumental, y las letras se grabaron después, cosa que confirma también
Mingus.
11. "Mama Talk to Your Daughter" - (J.B. Lenoir) – 2:40
12. "I Don't Want No Woman" [alternate take] - (Don Robey) – 3:30
Magic Sam Blues Band
Magic Sam – vocalista, guitarra
Mighty Joe Young – guitarra
Stockholm Slim – piano
Earnest Johnson – bajo
Odie Payne – batería
Marc Thompson – bajo (1,3,8)
Odie Payne, III – batería (1,3,8)
Nadie representa mejor que Magic Sam (Sam Maghett) el sonido blues del oeste de Chicago. Murió joven, a los 32 años de un ataque al corazón, cuando estaba subiendo las escaleras de la fama, pero nos dejó un legado inolvidable, una combinación de blues y soul que revolucionó la música.
Maghett nació en el delta del Misisipi, en Grenada, un 14 de febrero de 1937. Fue un músico que aprendió a tocar la guitarra a base de escuchar los discos de grandes guitarristas como Muddy Waters.
En 1950 se mudó a Chicago y allí empezó a tocar en los clubs del oeste de la ciudad hasta que grabó para el sello Cobra Records (entre 1957-59) sencillos como "All your Love" y "Easy Baby".
El nombre artístico de Magic Sam fue idea del bajista de Sam y amigo de la infancia Mack Thompson, durante la primera sesión de grabación en Cobra Records, como una aproximación de "Maghett Sam", puesto que le nombre que estaba usando por entonces (Good Rocking Sam) ya estaba siendo utilizado por otro artista.
Magic Sam
En aquella época Magic Sam estaría también trabajando con un guitarrista de blues muy recordado por su técnica en el slide guitar, Homesick James.
Su carrera musical estuvo a punto de finalizar por culpa del servicio militar, que le dio por prófugo al poco tiempo de empezar. El ejército le condenaría a 7 años de cárcel, aunque enseguida le dieron la libertad, pero licenciado con deshonor.
Junto a Otis Rush y Buddy Guy fue uno de los principales innovadores del nuevo sonido blues de Chicago y se empezó a dar a conocer de verdad cuando editó el tema "Feelin' Good (We're Gonna Boogie)", en 1963, lo que le llevaría a recorrer en una gira todos los EEUU, Gran Bretaña y Alemania.
En 1967 firma con Delmark y este fue el sello con el que grabó sus dos discos fundamentales, West Side Soul y Black Magic. Los dos discos muestran todo lo mejor de lo que Magic Sam era capaz, al igual que demostraría tocando con músicos de la talla de Charlie Musselwhite y Sam Lay.
That's All I Need ~ Magic Sam Blues Band (1967)
"Magic Sam tenía un sonido de guitarra diferente", dijo su productor, Willie Dixon . "La mayoría de los chicos estaban tocando sencillos blues de 12 compases, pero sus armonías con acordes fueron algo totalmente diferente. En 'All Your Love', expresó un feeling inigualable con su voz aguda".
Magic Sam, con la guitarra de Earl Hooker ~ All Your Love and Lookin' Good
West Side Soul es una de esas joyas que aún perduran en el tiempo. Con una combinación de blues, soul y funk arrolladora, en el que nos muestra un modo de tocar y acariciar la guitarra impresionante y que aún hoy le convierte en uno de los mejores guitarristas de blues que han existido. En West Side Soul, el feeling del blues y toda el alma del soul se dan la mano para crear un disco imperecedero, una obra maestra que influiría en generaciones de guitarristas.
Cuando empezaba a comprar música, hace ya bastantes años, recuerdo que prefería las grabaciones en estudio a las que estaban hechas en vivo. Mi idea era que en el estudio se lograba una mayor perfección en el sonido y en la interpretación musical. Hasta cierto punto esto es cierto, pero hoy aprecio los discos en vivo por lo que son, la expresión de los músicos en su hábitat natural.
Tal vez Playing the Fool no sea tan conocido como otros grandes discos en directo de los 70 y a pesar de que cuando se publicó no tuvo mucha aceptación, no me cabe la menor duda de que está entre los mejores discos de la época. Y tanto la calidad del sonido como la actuación del grupo (que son casi perfectas) son las causas de ello.
Este disco se grabó durante una gira por Europa, tras la publicación de interview, entre los meses de septiembre y octubre del 76 y es una muestra de lo que Gentle Giant eran capaces de hacer en escena. La aclaración OFFICIAL LIVE ALBUM se debía a la existencia de un disco pirata de gran circulación entre los fans, con el mismo nombre.
Gentle Giant
El tema que abre el álbum y el primer disco es una combinación de Just The Same/Proclamation, pertenecientes a los álbumes Free Hand y The Power & The Glory respectivamente. La coordinación resulta perfecta, como es habitual en Gentle Giant, y el virtuosismo de los músicos resulta más patente aún al tratarse de una grabación en directo. On Reflection nos introduce en un ambiente más bucólico y medieval, tan del gusto de la banda. Los juegos vocales acompañados de vibráfonos y teclados se componen de cuatro voces, cada una con una melodía y una letra diferente, a las que luego se suman cuatro instrumentos, siguiendo cada uno a una de las voces, y resultando lo más interesante de este tema del álbum Free Hand. La explosión musical con que comienza el tercer tema, Excerpts from Octopus, da paso a uno de los momentos más grandiosos del disco. Destilando más fuerza y garra aún que en el propio Octopus, con el grupo dando lo máximo de si mismos y con preciosas improvisaciones llenas de matices. Llegamos al final del primer disco con Funny Ways, belleza y dulzura extraída del primer trabajo, en la que tampoco faltan momentos del más puro jazz rock.
El segundo disco comienza con The Runaway, donde escuchamos el característico sonido de vidrios rotos del álbum In a Glass House, buen rock para continuar después con Experience, también del mismo álbum y también con un sonido más orientado al hard rock. En So sincere la banda se luce al completo y continúa mostrándonos su cara más fuerte tras un titubeante comienzo a dúo interpretado por la voz y el cello. Destacan especialmente los magníficos solos de Gary Green (guitarra) y John Weathers (batería) tan típicos de los conciertos de la época. La interpretación de Free Hand sigue mostrándonos un segundo disco bastante más enérgico que el primero. Sweet Georgia Brown supone una alegre y divertida interpretación a cargo del violín de Ray Shulman. Y para finalizar el álbum (y probablemente la gran mayoría de los conciertos de aquel año) un medley de Peel The Paint / I Lost My Head, el broche final y una de las mejores canciones compuestas por la banda a lo largo de su dilatada carrera. Un disco para escuchar y disfrutar del buen hacer de estos músicos e imprescindible en cualquier colección de rock progresivo.
Gentle Giant - Excerpts from Octopus part 2 (1977)
LISTADO DE TEMAS:
01. Just The Same / Proclamation (11:13)
02. On Reflection (6:24)
03. Excerpts From Octopus (15:35)
04. Funny Ways (8:35)
05. The Runaway / Experience (9:31)
06. So Sincere (10:22)
07. Free Hand (7:40)
08. Sweet Georgia Brown (Breakdown in Brussels) (1:15)
09. Peel The Paint / I Lost My Head (7:35)
FECHAS Y LUGARES:
* Intro - Düsseldorf, 23 SEP 1976
* Just the Same - Düsseldorf, 23 SEP 1976
* Proclamation - Düsseldorf, 23 SEP 1976
* On Reflection - Düsseldorf, 23 SEP 1976
* Excerpts From Octopus - Paris, 5 OCT 1976
* Funny Ways - Munich 25 SEP 1976
* The Runaway/Experience - Paris, 5 OCT 1976
* So Sincere - Paris, 5 OCT 1976
* Free Hand - Brussels, 7 OCT 1976
* Sweet Georgia Brown - Brussels, 7 OCT 1976
* Peel the Paint/I Lost My Head - Paris, 5 OCT 1976
MUSICOS:
Gary Green – Guitarra eléctrica, guitarra acústica, guitarra de 12 cuerdas, voces, percusión
Como comentaba antes, su música está muy bien estructurada y con motivos muy variados en sus diversos temas, desde el jazz rock hasta momentos mucho más tranquilos y folk. La calidad de la banda también se hace notar con una muy buena base rítmica, guitarra y lo más sobresaliente que tienen: los saxos y flautas. Las voces sin ser de lo mejor no son malas, recordando en muchos momentos a los grupos acid rock de la costa oeste americana (y lejanamente a otras bandas alemanas como Birth Control y Eloy).
