Cressida eran una banda de rock progresivo británica, pero muy diferente del resto de las clásicas bandas del género que conozco. En lugar de hacer temas complejos, se dedicaron a realizar composiciones sencillas y alegres, pero sin abandonar nunca un componente progresivo. De este modo Cressida se convirtió en una factoría de melodías y bellas canciones.
La banda estuvo poco tiempo en activo, entre 1968 y 1970, años en los que grabó sus dos únicos álbumes, Cressida y Asylum.
En este primer álbum podemos disfrutar de ese estilo, un tanto en la línea de Paul McCartney, pero con ese regusto a música psicodélica y progresiva, donde se puede disfrutar de los teclados de Peter Hennings siempre agradables, así como del virtuosismo a la guitarra de John Heyworth en canciones más bien cortas, pero muy bien construidas y en las que la presencia de estos dos instrumentos es la tónica general. Su segundo trabajo, 'Asylum', es más completo y su mejor álbum, pero este primero tiene ese componente pop rock que los hace tan amenos y entretenidos para sentarse en el sillón y relajarse un poco escuchándolos y disfrutando de su música. Este primer trabajo también es un disco esencial para cualquier amante del rock progresivo.
- Ian Anderson / flauta, guitarra acústica y eléctrica, vocalista
- Martin Barre / guitarra eléctrica
- Clive Bunker /batería y percusión
- John Evan / piano, órgano, melotron
- Jeffrey Hammond-Hammond / bajo, coros
Aqualung
1
Al principio el Hombre creó a Dios
a su imagen y semejanza
2
Y el Hombre le dio a Dios multitud de nombres y que
podría ser el Señor de todo
sobre lo que en La Tierra había.
3
Y al séptimo millonésimo día
el Hombre descansó y se
apoyó sobre su Dios y vio
que éste era bueno.
4
Y el Hombre creó a Aqualung
a partir del polvo del suelo,
y una multitud de otros semejantes se le unieron.
5
Y estos hombres menores fueron
arrojados al vacío. Y algunos fueron quemados
o apartados de su especie.
6
Y el Hombre llegó a ser el Dios
que el mismo había creado y
sus milagros cubrieron La Tierra.
7
Pero mientras todo esto pasaba,
el Espíritu que hizo que El Hombre
creara su Dios vivía dentro de
todos los hombres: incluso
dentro de Aqualung.
8
Y El Hombre no lo vió.
9
Pero, por el nombre de Cristo,
sería mejor que empezara a mirar.
El mismo Ian Anderson menciona que Aqualung es el disco más grande que haya publicado Jethro Tull. Antes de que la obra maestra de los Tull viese la luz hay algunos puntos que merece la pena resaltar para conocer la evolución del grupo en esos dos años que van desde el primitivo Stand Up hasta la genialidad de Aqualung.
Jethro Tull triunfa en los EEUU, sus giras son enormes y tanto la crítica como los fans los acogen muy favorablemente, hasta el punto de que los ensalzan como la segunda mejor banda del momento, por detrás de los Beatles y por delante de gente como los Rolling Stones, Led Zeppelin, Pink Floyd o The Who.
La banda ve como Benefit y Stand Up triunfan cada vez más en los USA en detrimento del Reino Unido, donde se sienten un poco desplazados y dolidos. Así que deciden trabajar en su próximo disco con las miras puestas en el mercado americano.
La evolución musical en tan solo dos años es muy grande, debido a la inmersión del grupo en terrenos progresivos y mezclando influencias tan diversas como el jazz, el blues, la música clásica, la medieval, etc. Todas estas combinaciones se unen a la calidad de la banda como instrumentistas de tal modo que confirman a Jethro Tull como uno de los grupos más versátiles e imitados, con un estilo propio y cada vez más definido.
En palabras del propio Anderson "esto es deliberado, no queremos ser etiquetados en un único estilo. Lo único que tenemos ahora para identificarnos es mi imagen tocando la flauta y apoyado sobre una sola pierna. Eso está bien hasta cierto punto, pero no creo que la gente se lo tome demasiado en serio y por ello intentamos tocar nuestra música y no la que nos gusta escuchar, que son grupos como Mountain o Cream. Pero no queremos ser como ellos."
La contribución de Martin Barre
Otros aspectos importantes en el sonido definitivo de Jethro Tull es la clara evolución como guitarrista de Martin Barre, en parte gracias a la entrada del teclista John Evan, que le dio cierta libertad para volcarse más en los riffs y solos, dejando a un lado las progresiones de acordes para el teclado. Martin Barre no es un guitarrista común, toca en conjunto y para el grupo. Sus solos son cortos y puntuales, siempre en el momento indicado y cuando la música así lo requiere, nunca para lucirse.
Jeffrey Hammond, nuevo bajista del grupo
La marcha de Glen Cornick también es una de las claves. Nunca sabremos si con un bajista como Cornick, años luz por encima de Jeffrey Hammond habría hecho Aqualung mejor, seguramente distinto, pero mejor lo dudo. Cornick si que tocaba algo a su aire, improvisando por momentos y desviándose a veces de la dirección del resto del grupo. En ese aspecto tal vez Hammond haya resultado mejor, a pesar de no tener mucha soltura para tocar el bajo. El mismo Ian dice que tenían en mente otro bajista conocido por Barre, pero como no lograron localizarle decidió darle trabajo a su amigo de siempre, Jeffrey (a quien había dedicado varias canciones) que estaba pasando por una mala racha y a quien quería ayudar.
En las mezclas del 40th aniversario (una de las pocas remasterizaciones que de verdad valen la pena) la música del disco suena mucho mejor que en el original y eso permite apreciar más claramente la inexperiencia de Jeffrey como bajista. También tiene sus virtudes, "Jeffrey estaba muy nervioso la primera vez que se subió a un escenario en la gira europea. Ahora se ha convertido en un buen bajista.
Jeffrey Hammond
No toca para impresionar a nadie, pero tampoco intenta permanecer en el anonimato. En cualquier caso, todo esto es nuevo para él. Han pasado sólo unos pocos meses desde que retomó su labor como bajista tras cuatro años de parón y su habilidad era limitada, pero consigue un sonido muy bueno en directo. Un sonido muy potente y duro. La mayor parte de los grandes bajistas consiguen pasar desapercibidos, pero si se marchan repentinamente del escenario, te darías cuenta de inmediato de que algo terrible le pasa a las canciones. Creo que ese tipo de bajistas son los mejores, salvo que la banda sea un trío. Y este no es nuestro caso, ya que con la guitarra, el órgano, el piano y la flauta cubrimos completamente el rango de frecuencias sonoras. Creo que Jeffrey tiene una contribución esencial, sobre todo en directo. Siento su presencia más que la del bajista que tocaba con nosotros en el pasado, porque consigue un sonido que estremece el suelo".
De estas palabras de Anderson se pueden extraer varias conclusiones, pero la más importante puede responder a una pregunta, ¿de verdad Cornick se fue por iniciativa propia? O Anderson lo fue desplazando poco a poco, igual que después haría con Clive Bunker, para rodearse de músicos más idóneos para construir lo que tenía en mente.
John Evan y Clive Bunker
Nos queda por hablar entonces de Evan y Bunker. De Evan decir sólo que siempre se consideró más un intérprete que un virtuoso, que se sumó a la banda en los tiempos de Benefit aumentando las posibilidades musicales del grupo. Siempre tocó en vivo de un modo teatral y es una parte importante dentro de los principales roles del grupo.
De Clive Bunker hay algo más que decir, puesto que este será su último álbum como miembro de Jethro Tull. A pesar de que en declaraciones posteriores recalcó que él no deseaba abandonar la banda, acabó por marcharse cediendo su puesto a Barriemore Barlow, mucho más dotado que él y de quien Bonham (batería de Led Zeppelin) dijo que era el mejor batería de las islas británicas.
Pienso que Anderson quería cambiar totalmente la dirección musical de la banda y esto fue lo que propició que poco a poco los miembros iniciales que grabaron This Was abandonaran el grupo. Estos deseaban tomar una dirección musical distinta de la que Anderson quería imprimir, pero en el caso de Clive Bunker, creo que también sus cualidades como batería tuvieron parte de la culpa. Cualquier gran grupo necesita un gran batería, y a pesar de la capacidad innegable de Clive Bunker, tocaba de un modo muy crudo y poco técnico y Ian quería alguien más dotado para lo que estaba por llegar.
Cuando por fin Bunker abandonó, Anderson no tardó en incorporar a Barlow, un músico más de su agrado como muchas veces declararía y que dio el toque final para la que considero la mejor formación que jamás tuvo Jethro Tull (tal vez incluiría a John Glascock al bajo, pero todo no se puede tener).
El disco, Aqualung
El álbum está dividido en dos partes bien diferenciadas en las caras A y B, Aqualung y My God respectivamente. La cara A habla de la parte más humana del espíritu del hombre, representada en un vagabundo llamado Aqualung, viejo y harapiento, con una tos sibilante de la que toma su nombre, el estrato más bajo de la sociedad y el lugar en el que habría que buscar a dios. La cara B habla de la religión y es un ataque mucho más directo hacia el cristianismo organizado y hacia la iglesia, el lugar donde difícilmente nadie puede encontrar a ningún dios que no sea el egoísmo y la hipocresía.
Contraportada de Aqualung
Aqualung, con una buena traducción en castellano.
Comienza esta joya del rock, esta obra maestra no de Jethro Tull sino del rock en general, con un tema tan emblemático como Aqualung, que nos habla de un personaje patético que se pasa los días mirando a las niñas en el parque y sacándose los mocos de la nariz continuamente. Uno de los riffs más conocidos y un solo de guitarra de los que hacen época son sus principales señas de identidad. También tiene una parte acústica con la voz de Ian cantando con voz microfónica y lejana. Además es uno de esos pocos temas en los que no escucharás la flauta por ninguna parte. Cross-Eyed Mary nos habla de otro personaje de los barrios pobres, una joven en edad escolar (14-15 años según Ian) que se prostituye a viejos como Aqualung, dándoles lo que quieren a cambio de unas pocas monedas. Musicalmente otra de las piezas memorables de este álbum, un tema rock donde los ritmos no decaen en ningún momento y con fantásticos solos de guitarra y flauta. La voz de Ian Anderson, sublime. Cheap Day Return es un tema acústico y evocador, basado en un viaje personal en tren, una visita a Blackpool para visitar en el hospital a su padre.
Un domingo cualquiera por la tarde en un parque público y en compañía de viejos personajes y situaciones totalmente absurdas y oníricas, el lugar Hampstead Heath, la canción Mother Goose, la música en su mayoría riffs de guitarra acústica y pasajes de flauta a cargo de un inspirado Ian Anderson. Wond'ring Aloud es otra pieza acústica típica de los Jethro Tull de los primeros setenta. Siempre me ha encantado escuchar esta faceta acústica de la banda. Up To Me es otro tema que aborda los estratos más bajos de la sociedad a base de riff de guitarra y flauta. Un tema alegre e irónico con el que se da por acabada la primera cara.
Una de las primeras interpretaciones de My God, aún con Glen Cornick al bajo. No se había publicado el álbum Aqualung.
My God sería el otro gran tema emblemático de este disco, tanto por su temática como por su música. El cambio musical que supone la entrada del riff de guitarra y bajo, la enorme variedad de la composición y la acelerada locura casi eclesiástica del solo de flauta con coros incluidos a la mitad del tema, logran convertir este inicio de la segunda cara en otro de los mejores momentos del grupo. Hymn 43 es una canción dedicada a Jesús contándole la enorme cantidad de tropelías que la iglesia ha cometido a lo largo de la historia en su nombre. Resulta alegre y rítmica, a golpe de riffs y con las percusiones de guitarra tan características que más tarde escucharemos en Locomotive Breath. Slipstream es otro tema corto y acústico que supone un ligero respiro entre los frenéticos ritmos del resto del álbum. Trata acerca de la muerte.
Jethro Tull - Locomotive Breath (más que controlado, sería cogido por las pelotas, razón por la que se censuró en España)
Locomotive Breath es el tercer gran tema de este disco, con esa introducción ya tan conocida y ejecutada por el piano y la guitarra para acabar desembocando (naciendo) en otro de los mejores riffs del rock con mayúsculas. Una guitarra perfecta con uno de los mejores acompañamientos rock de flauta que Ian Anderson haya creado jamás. La locomotora de este humorístico tema no es otra que la vida misma, que acabará por finalizar su largo viaje en la estación final e inevitable hacia la que todos nos dirigimos.
Para terminar Wind Up, que comienza de un modo lento y acústico, en el que escuchamos la voz lejana de Ian, todo esto va in crescendo poco a poco, cada vez más eléctrico y rítmico hasta terminar en otro de los geniales riffs de guitarra de Martin Barre. Cuando llegamos a los silbidos disfrutamos de un solo de guitarra impresionante, que nos lleva de nuevo al inicio del tema, de nuevo lento y pausado hasta finalizar, dejándonos un más que agradable sabor de boca. La letra del tema habla de dónde no se encuentra a dios, no en las iglesias, no en las religiones, sino debajo de cada piedra y allí donde cada uno quiere que esté.
Así termina esta reseña, breve dentro de lo posible, en la que se intenta describir un poco una obra tan emblemática y tan inmensa (a mi modo de ver la música) como resulta Aqualung. Para mí, sin ningún género de dudas, el mejor álbum de Jethro Tull.
Del "Swinging London", ambiente londinense de los años sesenta nacieron algunos de los grupos más creativos de aquella época, entre ellos Family. Existieron desde finales del 67 hasta principios del 73 y fue una de tantas bandas etiquetadas como progresivas. Los músicos de Family tenían sus raíces en el rythmn and blues que constituyó la vertiente pricipal de los primeros años sesenta.
Nacieron en Leicester, donde Roger Chapman se unió en 1966 a varios estudiantes del Art College que ya tenían una banda llamada The Farinas y originalmente estaba formada por John "Charlie" Whitney, Tim Kirchin, Harry Ovenall y Jim King. Ric Grech reemplazó a Kirchin al bajo en 1965. Grabaron varios singles para Fontana, pero pasaron totalmente desapercibidos.
Decidieron cambiarse el nombre a The Roaring Sixties y adoptaron una imagen a lo ganster americano. El productor estadounidense Kim Fowley les sugirió entonces el nombre de The Family, por su vestimenta fina y esa imagen que intentaba evocar a los capos mafiosos. Algo que tampoco duró mucho, pues después de su primer álbum empezarían a vestirse con ropas más informales.
Family se introdujo rápidamente en los circuitos musicales y en el ambiente londinense underground con una combinación de rock y blues, que sumada al carisma y a la voz de Chapman les hizo destacar de forma más que notable y les llevó a grabar en 1967 su primer single, 'Scene Through the Eye of a Lens'. Este single pasó también desapercibido.
El año del grupo fue 1968, con la entrada de Rob Townsend a la batería y Dave Mason (guitarrista de Traffic) como productor. Lanzan entonces su primer álbum, 'Music in a Dolls House'.
El disco llega a ser un éxito en las listas británicas gracias al estilo inimitable de su voz con trémolo, a una música llena de originalidad y frescura y a las magníficas canciones compuestas por Chapman y Whitney. Llenaron Londres de carteles en los que preguntaban ¿Eres un tipo digno de entrar en la familia? De este modo se convirtieron en uno de los grupos más seductores y atrayentes del momento.
Family - Music in a Doll's House (1968) - Completo
El álbum comienza en 'The Chase' con un Chapman arrebatador desde el primer momento. La originalidad de su voz es lo que más destacaría y que este es uno de los grandes temas para disfrutar del sonido Family. La continuidad de este sonido, con tintes más reposados y bucólicos la tenemos en 'Mellowing Grey'. En 'Me my Friend' la música se vuelve cada vez más auténtica y descarada, sonando por momentos a Traffic, algo que se repite también en 'Winter'. El lado opuesto llega a partir de 'Old Songs New Songs' y 'Peace of Mind', donde la música se vuelve un tanto más arisca y rockera, pero sin abandonar nunca ese característico sonido que está presente en todo el álbum. En resumen, un disco genial, que sin llegar a ser un clásico entre comillas, si que es uno de los mejores discos que se han publicado y un disco repleto de calidad musical y de originalidad.
1. Song For The Bearded Lady (7:25)
2. Sun Child (5:19)
3. Lullaby For A Lonely Child (4:21)
4. We'll Talk About It Later (6:19)
5. Oasis (9:49)
6. Ballad of Joe Pimp (3:48)
7. Easter 1916 (8:47)
Duración: 45:48
Karl Jenkins – oboe, saxo barítono, piano eléctrico, piano
Ian Carr – trompeta, fliscorno
Brian Smith – saxo tenor, saxo soprano, flauta
Jeff Clyne – bajos acústico y eléctrico
John Marshall – batería y percusión
Chris Spedding –guitarra acústica y eléctrica
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Nucleus fue un grupo de jazz rock británico, que permaneció activo entre 1969 y 1989. Fue fundado por el trompetista Ian Carr, una vez que se deshizo su asociación con Don Rendell. En la primera formación del grupo, estaban además el teclista y oboísta Karl Jenkins, el saxofonista y flautista Brian Smith, el guitarrista Chris Spedding, el bajista Jeff Clyne y el baterista John Marshall. Con esta formación, y en su primer año de vida, Nucleus obtuvo el primer premio del Montreux Jazz Festival de 1969, publicó el álbum Elastic Rock (que consiguió posicionarse en el puesto nº 46 de los charts británicos), además de actuar en el Newport Jazz Festival y en el Village Gate de Nueva York.
Nucleus en concierto
En 1971, La banda se amplió con dos trompetistas más (Kenny Wheeler y Harry Beckett), otro saxo, Tony Roberts, un percusionista, Chris Karan y Keith Winter con el sintetizador VCS3. Paralelamente, Ron Mathewson tomó el bajo, en sustitución de Clyne, y Dave MacRae se añadió en los siguientes discos. A partir de este momento, la banda comienza a cambiar con bastante frecuencia de músicos, hasta su disolución en 1989.
En agosto de 2005, se produce una reaparición de Nucleus, con algunos de los antiguos miembros, actuando en Londres. Nuevamente, actúan en 2007, en el "London's Pizza Express Jazz Club", dentro de la serie de conciertos del décimo aniversario de la revista especializada Jazzwise. En estos conciertos, Carr no tocó la trompeta, aunque estuvo presente como impulsor. Con el nombre de Nucleus Revisited actuaron también en el Ronnie Scott's Jazz Club, en 2009.
Nucleus Revisited - Midnight Oil (2007)
En Inglaterra hubo una serie de grupos que mezclaban rock con una música repleta de improvisaciones y sonoridades jazz. Soft Machine lanzó uno de sus álbumes más importantes, Third , en el 70, un álbum que hasta hoy se considera en la misma categoría que el Bitches Brew de Miles Davis, por su audacia y su enfoque visionario, anticipo de lo que estaba por llegar. Egg y Khan, de Dave Stewart , también clásicos pioneros del jazz rock, dando origen a otras bandas jazzys como Hatfield and the North y National Health.
Nucleus - Elastic Rock (1970)
Pero en medio de todo este frenesí de actividad surgió una banda que representa la visión de un artista: el trompetista Ian Carr, quien, después de una larga carrera con The Rendell-Carr Quintet en los años 60, buscó formas de ligar su formación autodidacta en el jazz de improvisación con los ritmos más vanguardistas y los sonidos del rock. El resultado, Nucleus, una banda que aclamada por la crítica en su momento, fue casi olvidada durante los años siguientes y dada a conocer de nuevo gracias a las reediciones de BGO Records y de las grabaciones en vivo de Hux y Cuneiform.
Nucleus
'We'll Talk About It Later' fue editado tras 'Elastic Rock', también en 1970 y el disco tenía un sonido mucho más duro y rockero que el anterior. Desde el tema de apertura de Jenkins "Song For the Bearded Lady", una melodía que inicia este maravilloso álbum y se transforma en uno de los temas más épicos de la banda. Aquí la guitarra de Spedding suena más agresiva, con distorsión, wah-wah, phaser y otros muchos efectos electrónicos que a duras penas nos dejan percibir a Marshall tocando el ritmo de fondo. La música está escrita principalmente por Jenkins y gira en torno a riffs repetitivos que se van desarrollando junto a la sección de vientos. El sonido es muy flexible con alguna que otra improvisación y ciertos parecidos con el Miles Davis de la misma época, que también se aprecia en el siguiente tema, "Sun Child". "Lullaby For a Lonely Child", es una balada que cuenta con su propio sentido del drama, largos tonos sostenidos a cargo de Carr sobre el bouzouki de Spedding y el trémolo de la guitarra eléctrica.
Nucleus - We'll Talk About It Later (1970)
El resto de temas del álbum no tienen el mismo nivel que la primera cara, "Ballad of Joe Pimp" parece un pequeño homenaje al tema de Frank Zappa "Willie The Pimp", pero sin el ingenio del tema de Zappa. El último corte, "Easter 1916" es una continuación del tema del álbum anterior "1916: The Battle of Boogaloo". A pesar de un final un poco endeble, aún sigue siendo un disco fantástico y una de las mejores y más curiosas combinaciones realizadas a través de géneros musicales como el jazz y el rock, dando lugar a algo nuevo y original. Pero sobre todo a algo bueno y de gran calidad.
Nucleus - Sun Child (1970)
Para mí estamos ante el mejor disco de Nucleus, mucho más logrado y elaborado que el anterior Elastic Rock, aunque los dos hacen un conjunto que se hace imprescindible de escuchar para ir adentrándose en las aguas más genuinas del jazz rock. De todos modos el mejor modo de hacerse con ellos al mismo tiempo es la edición de BGO que los tiene a los dos.
Edición de BGO con los dos primeros trabajos de Nucleus.
