Satisfaction - Satisfaction (1971)

1. Just Lay Back And Enjoy It (M. Cotton, D. Griffiths) - 7:35

2. She Follows The Band (L. Lubin) - 3:50

3. Cold Summer (B. Higginson) - 5:09

4. Sharing (J. Beecham, D. Griffiths) - 6:15

5. Call You Liar Liar (L. Lubin) - 4:16

6. You Upset The Grace Of Living When You Lie (T. Hardin) - 6:24

7. Just Like Friends (D. Griffiths) - 4:01

8. Go Through Changes (L. Lubin, D. Griffiths) - 7:13

9. Love It Is (Bonus Track) - 3:00

10.Dont Rag The Lady (Bonus Track) - 3:16

11.Gregory Shan't (Bonus Track) - 4:21

Satisfaction

*Mike Cotton - Vocals, Trumpet, Flugelhorn, Pocket Cornet, Harmonica 

*John Beecham - Trombone, Tuba 

*Derek Griffiths - Lead Guitar, Vocals 

*Bernie Higginson- Drums, Vocals, Bongos 

*Lem Lubin - Vocals, Bass Guitar, Acoustic Guitar

*Nick Newell - Flute, Alto, Tenor Saxophone, Trumpet

  A  principios de los 70 el mundo del rock está en plena expansión experimental y los cambios se suceden continuamente. La música evoluciona y las fronteras entre muchos estilos parecen difuminarse. El rock progresivo o underground (como es mayormente denominado por entonces) es un hervidero de ideas y de grupos que nacen y mueren como estrellas fugaces. Algunos de estos grupos, principalmente influenciados por el blues, el jazz y el R&B logran grabar algunos discos y labrarse un nombre, como es el caso de Colosseum, Keef Hartley Band y como no, Pink Floyd, Soft Machine, Caravan, Genesis, etc. Pero por cada una de estas bandas, cientos de ellas viven una vida demasiado efímera, aunque algunas incluso lograron dejarnos un disco que nos permite disfrutar hoy de su música. Entre estas bandas se encontraba 'Satisfaction', firmemente enraizados en el blues británico y con un regusto jazz soul aportado fundamentalmente por el trompetista y fundador Mike Cotton, que venía tocando en diversos grupos desde finales de los 50, casi todos ellos jazz y R&B, como la Mike Cotton Band. Una banda que grabós dos EP y una serie de singles en Columbia y actuó de apoyo para las distintas giras en UK de músicos de la talla de Solomon Burke, Gene Pitney, The Four Tops y Stevie Wonder.

Posteriormente, el grupo se asoció con el cantante estadounidense (y ex militar) Bruce MacPherson Lucas para grabar un single para Pye, seguido por dos singles para MGM Records. La aparición de la psicodelia y la música "underground" pronto provocaron una desaceleración en la suerte de la banda. La música soul ya no era una atracción muy popular  en Gran Bretaña y esto llevó a la disolución de la Mike Cotton Band. En 1970 toman nota del nuevo clima musical y reúne a un grupo de músicos con una dirección nueva y progresista. 

Junto al ex guitarrista Derek Griffiths de la Mike Cotton Band crean Satisfaction, con John Beecham en el trombón, Lem Lubin y Nick Newell (saxofones) y Bernie Higginson (batería). Esta nueva banda, aunque fuertemente influenciada por el jazz, también tenía un aire y un enfoque hard rock y blues, además de una gran imaginería que combinaba influencias de todo tipo transformándolas en ideas frescas y atractivas dentro del naciente panorama del rock progresivo. Pronto consiguieron un contrato con Decca en 1970. El CD editado por Esoteric Recordings cuenta con los frutos de una serie de sesiones de grabación para Decca, todas producidas por David Hitchcock (que más tarde será conocido como productor de Caravan, Camel y Génesis). 

Satisfaction - Go trough changes (1971)

El álbum "Satisfaction" obtuvo críticas muy favorables en su lanzamiento. El disco contó con una excelente música y composiciones imaginativas. Entre los resultados destacan la excelente "Sharing", "Call You Liar, Liar" y el tema de cierre, magnífico, "Go Through Changes", todo lo cual pone de relieve la destreza musical de la banda. Suficientemente entusiasmados por la respuesta a la salida de su álbum homónimo, Decca lanzó dos singles en rápida sucesión en un intento por tratar de introducir a la banda en las listas de éxitos. El primero de ellos, "Love It Is" / "Cold Summer" disfrutó de una respuesta muy positiva por parte de la prensa musical británica, pero no pudo asegurarse un buen puesto en las listas.  "Don't Rag the Lady" / "Gregory Shan't" comparte un destino similar, obteniendo buenas críticas, pero no muchas ventas.

Pocos meses después de la aparición del álbum, Satisfacción había dejado de existir, dejando tras de sí el legado discográfico se puede escuchar en este disco. Por primera vez en el álbum "Satisfaction" y los sencillos de la banda han sido remasterizados de las cintas maestras originales de Decca y ahora están disponibles con una muy buena calidad musical, para nuestro disfrute y satisfacción. 

Una de esas joyas ocultas que se saborean a base de escucharlas. La calidad musical de la banda es muy grande y las composiciones son pequeñas, unas, y grandes joyas, otras. En pocas palabras, un gran disco de una buena banda.

Clásicos del jazz para rockeros

Es difícil que la música jazz guste a los rockeros más empedernidos de buenas a primeras. El jazz apareció a finales del siglo XIX en Estados Unidos, aunque seguramente su gestación fue más lenta, desde el mismo momento en que los esclavos africanos empezaron a asimilar cosas de la cultura occidental y sumarlas a la suya. Entre estas aportaciones estarían los instrumentos y algunas características de la melodía y la armonía. El resto, como el ritmo, las frases y demás elementos que se aportan a la música vienen de los sonidos africanos. Por ello la esencia del jazz es la improvisación y el ritmo, es una música espontánea que se crea en tiempo real.

Ahora bien, uno llega a cansarse de escuchar siempre lo mismo con diferentes máscaras, pero en el fondo siempre lo mismo. Después de muchos años escuchando música rock, algo de pop, una pizca de clásica y cada vez más blues y soul, apetece conocer el jazz. Un mundo enorme, alejado de las músicas más comerciales y con infinidad de subgéneros para explorar. Gracias la red, tenemos acceso a miles de grabaciones y eso hace la tarea mucho más sencilla.

Hay grabaciones míticas que son ideales para todos aquellos que somos neófitos en este género, el jazz. Algunas de estas grabaciones son las que propongo a continuación y espero que os gusten tanto como mí.

Miles Davis, So What de Kind of Blue

Art Blakey & The Jazzmessengers, Moanin

Kenny Burrell, Chitlins con carne de Midnight Blue

Jimmy Smith, Back At The Chicken Shack

Herbie Hancock, Maiden Voyage

¿Falta John Coltrane, el mejor saxo junto a Sonny Rollins? Bueno, Para disfrutar bien a Coltrane pienso que lo mejor es iniciarse con otros músicos más accesibles antes. Mi disco preferido de esta figura del jazz, surgida a la sombra de Miles Davis, siempre ha sido Blue Train, aunque My Favorite Things tampoco se queda atrás. Y su interpretación de Afro Blue (Mongo Santamaría) del álbum "John Coltrane Quartet at Birdland" es una de las mejores del Coltrane melódico.

Afro Blue - John Coltrane

Estos vídeos de youtube pueden servir para hacerse una ligera idea de que va la música, pero lo más probable es que prácticamente nadie los escuche en su totalidad, pues un ordenador no es lo más cómodo para oírlos con atención y de un modo relajado. Lo ideal sería conseguir las grabaciones y escucharlas con calma y paciencia, para de este modo ver como un nuevo mundo sonoro se abre ante nosotros. La música es muy amplia para limitarla a uno o dos géneros musicales, y el jazz con el tiempo puede llegar a gustar a muchos amantes del rock y del blues, pues en esencia viene a ser algo similar, con instrumentos distintos y con una estructura un poco más abierta y libre.

Blue Mitchell

Richard Allen Mitchell (más conocido como Blue Mitchell) es uno de los trompetistas más fantásticos que ha dado la música jazz, y aunque no tan conocido como Clifford Brown, Lee Morgan o Freddie Hubbard, tenía un estilo más cercano al blues y al soul que le hace tal vez más accesible de escuchar que los anteriores. Debido probablemente a sus comienzos tocando en bandas de rithmn&blues y también a su cercanía al blues y al rock.
Sus principales trabajos los editó en Riverside, Blue Note y Mainstream Records. Comenzó en las bandas de Paul Willliams, Earl Bostic y Chuck Willis, todas ellas bandas de r&b, hasta que dio su gran salto cuando fue contratado por Cannonball Adderley. Con él grabó para Riverside en 1958, lo que le sirvió para darse a conocer y conseguir sus primeras grabaciones como líder para este mismo sello. Aquí fue donde editó discos de la talla de Big 6, Blue Soul o Blue's Moods, entre otros.

Se unió más tarde al quinteto de Horace Silver, donde coincidió con Junior Cook (saxo), Gene Taylor (contrabajo) y Roy Brooks (batería). Mitchell permaneció con Silver hasta que éste deshizo la banda en 1964. Sin embargo, Mitchell mantuvo el grupo, con los mismos músicos, pero con Chick Corea en el piano y Al Foster sustituyendo a Brooks. Grabaron una gran cantidad de registros para Blue Note hasta su separación, en 1969. Discos de la envergadura de The Thing To Do (su mejor obra desde mi punto de vista) y Bring It Home To Me, entre otros. Después, Mitchell se uniría a la banda de Ray Charles, hasta 1971.

Horace Silver - Señor Blues (Horace Silver, Blue Mitchell & Junior Cook) y la que sería su banda futura en sus grabaciones con Blue Note, con Chick Corea al piano en lugar de Horace y con Al Foster a la batería.

   
The Thing To Do                                                     Step Lightly

Abajo dos de los mejores discos de Blue Mitchell, Blue's Moods, que fue grabado para el sello Riverside en 1960, aunque puede palidecer un poco al lado de trabajos anteriores como Big 6 y Blues Soul, ambos del año 1959 y también publicados en Riverside.
A su lado otra joya del jazz como fue Bring It Home To Me, publicada por Blue Note en 1966, también después de una hornada de discos encabezados por The Thing To Do, Down With It! y Boss Horn, todos ellos ya bajo el sello Blue Note. De todos los que publicó bajo este sello mítico, me quedo con The Thing To Do y Bring It Home To Me, pero si tuviese que elegir sólo uno de toda su discografía inicial (1959-1966, para mí su mejor época) lo tendría difícil y me costaría decidirme por uno. Por ello recomiendo escucharlos todos y que cada cual elija. Mi selección sería:

1958    Big 6  (Riverside)

1959    Blue Soul  (Riverside)

1960    Blue's Moods  (Riverside)

1964    The Thing to Do  (Blue Note)

1966    Bring It Home to Me  (Blue Note)

   

   Bring It Home To Me, de lo mejor de Mitchell

Entre 1971 y 1973, Mitchell tocó con John Mayall en su serie de discos y giras Jazz Blues Fusion. Durante los años 1970 trabajó básicamente como músico de sesión, aunque también tocó en la big band de Louie Bellson, y con Bill Holman, Bill Berry, Tony Bennett y Lena Horne. Grabó con Lou Donaldson, Grant Green, Philly Joe Jones, Jackie McLean, Hank Mobley, Johnny Griffin, Al Cohn, Dexter Gordon y Jimmy Smith. Después mantuvo un grupo estable con el saxofonista Harold Land, hasta su muerte por cáncer a la edad de 49 años. Algo muy habitual entre muchos de los músicos jazz de la época, vivir de prisa y morir joven.

Blue Mitchell en Jazz Blues Fusion, de John Mayall

Para conocer un poco mejor su obra, aquí tienes este enlace. Te recomiendo los discos de los que se habla en este pequeño homenaje a uno de los mejores trompetistas del siglo pasado.

Ginger Baker's AirForce (1970)

Ginger Baker: bateria, percusión, vocalista

Denny Laine: guitarra, voces

Ric Grech: bajo, violín

Steve Winwood: órgano, bajo, voces

Graham Bond: órgano, saxo alto, voces

Chris Wood: saxo tenor, flauta

Harold McNair: saxo alto y tenor

Bud Beadle: saxofones (soprano, barítono, alto y tenor)

Jeanette Jacobs: vocalista

Remi Kabaka: batería, percusión

Phil Seamen: batería, percusión

1. Da da Man (7:16)

2. Early in the Morning (11:13)

3. Don't Care (12:32)

4. Toad (12:59)

5. Aiko Biaye (13:00)

6. Man of Constant Sorrow (Traditional, arranged by Denny Laine) (3:50)

7. Do What You Like (11:47)

8. Doin' It (5:26)

Tal vez este sea el disco que puso la guinda a la hasta entonces fantástica carrera musical del batería Ginger Baker. Después de haber militado en bandas de la envergadura de Graham Bond Organisation, Cream y Blind Faith, Ginger fue capaz de mostrar la suficiente ambición para rodearse de un elenco de músicos increíbles y dar forma a este álbum. Al igual que Blind Faith (banda de la que se nutrirá), Ginger Baker's AirForce nos muestra los logros de uno de los llamados supergrupos de la época, pero desde mi punto de vista, la calidad musical de este álbum es bastante superior a todo lo que hasta entonces había grabado el batería, debido mayormente a la atrevida combinación de músicas que van desde el jazz, el R&B, el folk y la música africana hasta el blues, y también gracias a la calidad de los músicos que se volcaron en los conciertos para entregarnos uno de los grandes discos del jazz rock.

El álbum se grabó en directo en el Royal Albert Hall, en enero de 1970 y fue publicado ese mismo año como lp doble. Aunque no alcanzó más que el número 33 y 37 de las listas americanas y británicas, teniendo en cuenta que no se trata de un trabajo precisamente comercial, resulta todo un logro. También es un placer escuchar a estos 11 músicos dando lo mejor de sí en un concierto épico y en un disco único que marcó un hito. Por todo ello es casi una obligación escucharlo para cualquier seguidor del rock y para todos aquellos que quieran conocer mejor lo que se cocía en los comienzos de la música fusión.

Wayne Shorter - Adam's Apple (1966)

"Adam's Apple" - 6:52

"502 Blues (Drinkin' And Drivin')" (Rowles) - 6:36

"El Gaucho" - 6:32

"Footprints" - 7:31

"Teru" - 6:15

"Chief Crazy Horse" - 7:39
"The Collector" - (H. Hancock)- 6:55 * Bonus Track

Músicos

Wayne Shorter - saxo tenor

Herbie Hancock - piano

Reggie Workman - bajo

Joe Chambers - batería

Mi primer disco de jazz fue Blue Train, de John Coltrane. Creo que lo compré más bien por la portada y pensando que se trataba de un disco blues. Debí pensarlo también por el nombre del sello, Blue Note, pero lo cierto es que el disco no me gustó mucho y no cuadraba con mis gustos de adolescencia, más orientados hacia el rock. No creo que lo escuchase más de un par de veces y al final no se muy bien que fue de él, aunque me gustaría haberlo conservado.
Con la llegada del CD, decidí darle otra oportunidad a la música jazz, y más concretamente a los discos más conocidos de Miles Davis, su trabajo Kind of Blue, Bitches Brew,  y a John Coltrane, de nuevo con 'Blue Train' y también con 'A Love Supreme'.  Esta vez, tras unas pocas escuchas, lo que salía de los altavoces me sorprendía más y más. Es cierto que muchos de los mejores trabajos de la música jazz no son fáciles de asimilar para los oyentes más acostumbrados a la música rock. El jazz es fundamentalmente ritmo y sentimiento, es una música mucho más compleja e impredecible que el rock, estructuralmente más simple. Pero al igual que gran parte del rock, sus raíces están en el blues.
Entre las muchas joyas que existen en la música jazz siento especial predilección por todo lo que tenga que ver con el sello Blue Note, y sobre todo, aquello que se grabó a finales de la década de los 50 y durante toda la de los 60. Entre estos discos está uno de los mejores trabajos editados por el saxofonista Wayne Shorter, Adam´s Apple, grabado en 1966 y que contiene temas tan emblemáticos como el propio Adam's Apple, El Gaucho o Footprints, todos ellos interpretados por una formación de lujo con Wayne Shorter al saxo tenor y como líder, Herbie Hancock al piano, Regginald Workman al bajo y Joe Chambers a la batería.
Este es uno de esos discos que irían dando forma a un jazz que terminaría por definirse totalmente en su fusión con el rock. En este disco brilla sobre todo un Wayne Shorter impresionante, con unos fraseos poderosos, fuertes y con el carácter inconfundible que ya nos había mostrado en algunas de sus anteriores grabaciones, como 'Speak No Evil', 'JuJu' y 'The All Seeing Eye'. También es de admirar la labor de Herbie Hancock, siempre dando lo mejor de sí, que es mucho en un intérprete de la talla de semejante monstruo de la música.

    

Footprints

Una Breve Biografía
Wayne Shorter empezó tocando con Horace Silver hasta que se alistó en el ejército. A su regreso conoció al pianista Joe Zawinul en la orquesta de Maynard Ferguson, a la que se había unido. Comenzó a improvisar en clubs de jazz con John Coltrane y Sonny Rollins en 1958. Al año siguiente, Shorter se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, con quienes estuvo hasta 1963. Durante ese periodo con Blakey, hizo su debut como líder grabando algunos discos para el sello de Vee-Jay. Se unió al quinteto de Miles Davis, tras la insistencia de Davis, en septiembre de 1964 y con quien estuvo hasta 1970. En noviembre de 1970 forma junto con Joe Zawinul y Miroslav Vitous el grupo Weather Report, que sería uno de los pilares del recién nacido jazz rock. (fuente wikipedia)
Durante toda su carrera fue un icono del jazz, pero fue en Blue Note donde grabó sus mejores discos como sideman y también como líder, desde mi punto de vista, con trabajos de una enorme envergadura, como este Adam's Apple, entre otros (Speak No Evil, The All Seeing Eye).

502 Blues (Drinkin' and Drivin')

Enlace en Spotify del disco Adam's Apple, de Wayne Shorter

Enlace en GrooveShark del disco.

Unity - Larry Young (1965)

Larry Young, órgano

Elvin Jones, batería

Woody Shaw, trompetista

Joe Henderson, saxo tenor

A1 Zoltan

Written-By – Woody Shaw 7:37

A2 Monk's Dream

Written-By – Thelonious Monk 5:45

A3 If

Written-By – Joe Henderson 6:42

B1 The Moontrane

Written-By – Woody Shaw 7:18

B2 Softy As A Morning Sunrise

Written-By – Hammerstein*, Romberg* 6:21

B3 Beyond All Limits

Written-By – Woody Shaw

Larry Young comenzó estudiando piano clásico y de jazz, pero su inclinación natural hacia el Hammond (su padre, organista, fue su primera influencia) lo hicieron adoptar pronto este instrumento. Tras una adolescencia de cierta inactividad musical, en 1958 irrumpe en la escena de Nueva York y Nueva Jersey al lado de músicos como Lou Donaldson, Kenny Dorham, Hank Mobley y Tommy Turrentine, entre otros, y muy pronto comienza a dirigir sus propias formaciones.

Testifying, su primera grabación para Prestige Records, ve la luz en 1960; en el mismo año aparece Young Blues seguido de Groove Street (1962), y en 1964 el artista firma con Blue Note para publicar Into Somethin. A finales de ese año se traslada a París con su cuarteto para, según sus propias palabras, "poder expresar una mayor diversidad de emociones e ideas a través de la música", pero Young no tenía intención de permanecer mucho tiempo en Europa y vuelve a su país de origen, tras dos meses en la capital francesa y uno en Alemania.

Unity (1965), con Joe Henderson, Woody Shaw y Elvin Jones es su gran obra maestra y aún hoy está considerado como una de las obras cumbres de la historia del jazz, pero tras ese álbum, Young se ve atraído por el mundo del fusion jazz y aparece junto a John McLaughlin y Tony Williams en los créditos del álbum de Miles Davis Bitches Brew(1969), verdadera piedra angular del nuevo estilo. Con McLaughlin y Williams forma The Tony Williams Lifetime, una de las primeras bandas de fusión post-Davis y tras ello se suceden una serie de colaboraciones con otros artistas. Larry Young's Fuel (1975), Spaceball (1976) y The Magician (1977) son los últimos trabajos en solitario que Young publica antes de su fallecimiento, que tiene lugar en 1978 por complicaciones derivadas de la neumonía. (Fuente: wikipedia)

En el álbum Unity, el organista Larry Young se anticipó con mucho a lo que posteriormente vendría, tanto en el jazz rock como en vertientes musicales más orientadas hacia el rock progresivo puro y duro, como serían Emerson, Lake & Palmer. Este disco es una auténtica demostración de virtuosismo y de imaginación, del swing y del ritmo, del espíritu y del sonido tan característico del sello Blue Note, con un catálogo de joyas, conocidas y no tanto, en el que todos podrían considerarse, en mayor o menor medida, discos imprescindibles del jazz que ayudaron a dar forma a esta música tal y como hoy la conocemos.

Aquí también podemos disfrutar de un acompañamiento de lujo, el batería Elvin Jones, el trompetista Woody Shaw y el saxofonista Joe Henderson, que completan la formación que participa en este disco mítico. El estilo de Larry Young era bastante diferente del de otro gigante del Hammond como fue Jimmy Smith. Mientras que éste tenía de un estilo más derivado de los ritmos blues y soul, el de Larry Young podría considerarse más imaginativo y cerebral, más innovador y experimental. 

Así pues, estamos ante un disco sin desperdicio ninguno, una joya más de este organista genial que merece la pena conocer y escuchar, empezando tal vez por este trabajo, considerado su mejor álbum, para posteriormente adentrarse más en el resto de su obra.

Unity en Spotify. Larry Young - Unity

La música en la red

Por diferentes razones en este blog dejarán de publicarse enlaces de discos con los derechos de autor en vigor, más que nada para evitar complicaciones y porque hay otros medios más legales para dar esa música a conocer, que al fin y al cabo es lo que interesa, como puedan ser Spotify, Grooveshark y otros cientos de ellos disponibles en la red. En fin, que aún hay mucha música por descubrir y muchas formas de escucharla, así que ahí van un par de recomendaciones de Wynton Kelly y Lou Donaldson, dos genios con mayúsculas de los que hablaré con más tiempo y con un amplio catálogo de discos a cual mejor. Quien de todos modos quiera tener los discos siempre puede buscarlos sin problemas, que seguro que los encontrará. Aunque yo recomiendo comprarlos, y si es posible una edición del sello original y no uno de estos semipirata tipo Jazz Wax, Wax Time, Doxy, etc.

Del álbum Blues Walk, escucha el disco en Spotify

Here's Tis, del mismo álbum, puedes escucharlo aquí.

En otro momento y con más tiempo aprovecharé para comentar y hablar de estos dos fantásticos músicos jazz, su historia y sus mejores trabajos.

Saludos y que disfrutéis estos discos.

Jeff Beck Group - Truth (1968)

1.  Shapes of Things

2.  Let Me Love You

3.  Morning Dew

4.  You Shook Me

5.  Ol' Man River

6.  Greensleeves

7.  Rock My Plimsoul

8.  Beck´s Bolero

9.  Blues Deluxe

10. I Ain't Superstitious

The Jeff Beck Group

Jeff Beck — Guitarra Eléctrica

Rod Stewart — Voz

Ronnie Wood — Bajo

Micky Waller — Batería

Músicos adicionales:

Madeline Bell — voz en "I've Been Drinking"

John Carter and Ken Lewis — backing vocals on "Tallyman"

Aynsley Dunbar — drums on "Tallyman" and "Rock My Plimsoul (stereo mix)"

Nicky Hopkins — piano on "Morning Dew," "You Shook Me", "Beck's Bolero" y "Blues Deluxe"

John Paul Jones — bajo en "Beck's Bolero"; Hammond en "Ol' Man River" and "You Shook Me"; arreglos

Keith Moon — batería on "Beck's Bolero"; tympani on "Ol' Man River"

Jimmy Page — Guitarra de doce cuerdas

Cuando Jeff Beck escuchó lo que Led Zeppelin habían hecho con You Shook Me (en su canción toca el Hammond precisamente John Paul Jones), no se lo podía creer. En sus propias palabras, lloró de rabia y en algunas declaraciones dice algo así como "aún estaba sonando mi disco en medio mundo, y este idiota va y saca otra versión del mismo tema". Creo que fue algo más que una simple versión del mismo tema lo que Jimi Page tomó prestado. Una mala costumbre que se haría muy habitual en Led Zeppelin, aunque muy extendida también entre el resto de los músicos de la época, como el propio Jeff Beck reconoce en las notas del CD.

Tanto Led Zeppelin como la primera encarnación del Jeff Beck Group eran evoluciones diferentes de los Yardbirds. Tal vez los Zep más viscerales y contundentes, Jeff Beck como siempre mucho más experimental y ambicioso. Pero a pesar de las diferencias también hay muchos puntos en común, y es que este primer álbum del grupo de Jeff Beck sentaría las bases de un sonido que Led Zeppelin evolucionó hasta las cotas que los hicieron tan grandes y únicos.

Jeff Beck comenzó a ser conocido como guitarrista cuando llegó a los Yardbirds de la mano de Lord Sutch, con los que estuvo casi dos años, hasta finales de 1966.

En 1967 formó la que para mí es una de las más grandes bandas del rock de todos los tiempos, la primera formación de The Jeff Beck Group, en la que también estaban el vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood, el teclista Nicky Hopkins (desde principios del 68) y Aynsley Dunbar a la batería (sustituido después por Mickey Waller). 

Esta magnífica formación grabó dos discos rock blues asombrosos, Truth y Beck-Ola. Sobre todo Truth, que es una auténtica joya anterior al primer álbum de Led Zeppelin y al que no tiene nada que envidiar. El carácter errático y autodestructivo de Jeff Beck y las continuas peleas desbarataron una banda que habría podido llegar muy lejos de haber continuado. Los primeros discos del Jeff Beck Group nunca tuvieron la reputación de la que disfrutaron los primeros discos de los Zep. 

The Jeff Beck Group Live in Dallas [19-7-1968] - Full Show

Truth tema a tema

Para empezar el disco, que mejor que con un viejo clásico de los Yardbirds, Shape Of Things, del que Jeff Beck se sentía un tanto orgulloso, una composición suya que aquí toma una nueva dimensión.
Let Me Love You, un blues típico en el que podemos notar la polivalencia de Jeff Beck, un guitarrista capaz de amoldarse a cualquier estilo musical y demostrar por que todos los guitarristas tienen en él un referente. El resto del grupo, con Wood marcando el ritmo y una voz rota de Rod Stewart que convierte el tema en algo fascinante. Una de las pocas composiciones propias del álbum.
Morning Dew, con un cierto aire a música del oeste, es otro buen tema en el que destaca sobre todo la voz de Rod Stewart.
You Shook Me, más elaborada y con una guitarra mucho más compleja que la que podemos escuchar en el primer álbum de Led Zeppelin. Si Page intentó demostrar a Jeff Beck cómo debía tocarse el tema no lo logró, los críticos y la mayoría de guitarristas aprecian en el tema de Beck una mayor complejidad y una ejecución a la guitarra mucho más completa que en el tema de Page. El piano de Hopkins acompaña con maestría esta joya del maestro del blues Dixon, y el Hammond de de John Paul Jones acaba de poner la guinda final.
Ol' Man River, con ese suave inicio es un tema reposado y melancólico, a caballo entre el blues y el soul. Greensleves aporta un pequeño descanso acústico y le viene muy bien a un álbum ya de por si variado.
Rock My Plimsoul retoma el blues rock en su vertiente más heavy. Una de las primeras canciones de hard rock, con estupendos solos de guitarra y una inigualable base rítmica. 
Beck's Bolero es un tema con un ritmo rápido y con una melodía a medio camino entre el rock y un bolero psicodélico, donde Jimi Page y Jeff Beck se enzarzan en duelos de guitarras en una formación primigenia de lo que podrían  haber sido los primeros Zeppelin, pues también tenemos a John Paul Jones marcando el ritmo al bajo con Keith Moon a la batería, que fue quien dijo que sonaban como unos lead zeppelin.
Blues de Luxe, un blues con ritmo lento repleto de lamentos de guitarra, acompañados por el piano de Hopkins y la extraordinaria voz de Rod Stewart cantando las tristezas de la vida. Para terminar, I Ain't Superstitious, otro clásico de Willie Dixon totalmente reconvertido y en el que escuchamos la maestría de Jeff Beck experimentando y exprimiendo al máximo su guitarra en uno de las mejores ritmos de guitarra wah-wah que se pueden escuchar.

Así pues, en pocas palabras, uno de los mejores discos del rock y una auténtica obra maestra de la música y tal vez el inicio del hard rock.

Escuchar el disco en enlace spotify.

Rare Earth - In Concert (1971)

Rare Earth - In Concert (1971) 

Side one

"I Just Want to Celebrate" – 4:40

"Hey Big Brother" – 7:26

"Born to Wander" – 4:24

Side two

"Get Ready" – 23:33

Side three

"What'd I Say" – 6:31

"Thoughts" - 10:53

Side four

"(I Know) I'm Losing You" - 14:09

"Nice to Be with You" - 2:15 

La compra de vinilos tiene momentos más que agradables cuando consigues ese disco que tanto te gusta en una buena edición, con un sonido impecable y en perfecto estado. Y es que aunque parezca increíble, aún es posible encontrar discos prácticamente nuevos con más de cuarenta años encima. Normalmente los precios se disparan para algunas ediciones y algunos grupos en concreto, algo que empieza a ser ridículo. Estamos ante vinilos que la mayor de las veces abundan a miles y se están vendiendo como si se tratase de obras de arte únicas. Mejor apartarse de ese juego, pues cuando lo que importa es disfrutar del disco, lo de menos es si es una primera edición o una reedición, siempre y cuando la grabación sea fiel al original y no esté remasterizada.

Hace poco conseguí esta joya (también recomiendo hacerse con el segundo álbum de esta banda, Get Ready) y su sonido en vinilo es muchísimo mejor que el de la edición en CD que tengo, al menos en mi opinión. Además de la maravilla que surge de los altavoces cuando el vinilo suena, también está el atractivo de las portadas, que en los CDs disminuye o desaparece casi por completo. Este disco por ejemplo simulaba una especie de mochila con la solapa de cierre y con un mini póster de la banda, siendo uno de esos diseños que engrandecían aún más los discos de por entonces. Todo esto pasa a un segundo plano cuando pones el disco y empiezas a disfrutar de verdad.

Rare Earth editó sus discos en el sello de la Motown que tenía su mismo nombre. La banda se formó en 1961 en Detroit y dio sus primeros pasos bajo el nombre de The Sunliners  en el terreno del soul y blues. En 1967 se refundaron como Rare Earth y extendieron sus influencias al entonces naciente jazz rock (en la contraportada de su primer disco, se reivindicaban como cercanos a Blood, Sweat & Tears).

La formación de Rare Earth en esta primera época, estaba compuesta por: Gil Bridges (vocalista, saxo, flauta y percusión), Rod Richards (guitarra y voz), John Persh (bajo y voz), Kenny James (órgano y piano) y Pete Rivera (batería, voz y líder principal de la banda).

En 1970, se incorpora el percusionista Ed Guzmán (congas) y, en 1971,  Ray Monette sustituye a Richards en las guitarras y Mark Olson se hace cargo de los teclados, tras la marcha de James.

Esta es la formación que más me interesa y la que editó los discos más representativos de la banda. Discos como Get Ready (1969), Ecology (1970), One World (1971), In Concert (1971) y Ma (1973).

A pesar de tener un sello con su nombre, Rare Earth siempre fueron unos extraños dentro de la Motown, un grupo de blancos que hacían versiones de clásicos de la música negra con un componente rock añadido. Sin embargo los discos que realizaron entre 1969 y 1971 son auténticas joyas de la música rock y particularmente, el álbum In Concert, el mejor álbum en vivo que editó el sello Motown.
Muchos piensan que las dos versiones publicadas de Get Ready, un clásico de Smokey Robinson, son grabadas en vivo pero el público que se escucha en su segundo trabajo fue añadido a posteriori, sobre una grabación realizada en estudio. Es en In Concert donde podemos escuchar a Rare Earth totalmente en vivo, en actuaciones grabadas en distintos puntos de los Estados Unidos, desde Florida hasta Nueva York. Tal vez la versión en estudio sea un poco más compleja y elaborada, pero es aquí donde se puede apreciar toda la autenticidad y todo el saber hacer de una de las mejores bandas de los primeros años setenta. Es un álbum increíblemente bien grabado y con unos músicos capaces de improvisar hasta extremos insospechados en temas tantas veces versionados como son "What'd I Say" o  "(I Know) I'm Losing You", "Get Ready", etc. El paso del tiempo no ha privado a este trabajo de ninguna de sus virtudes ni de la frescura que en su momento tuvo cuando sonaba en discotecas de todo el mundo, y es que la buena música está por encima de las modas.

Get Ready - Rare Earth In Concert (1971)

Hey Big Brother - Rare Earth (California Jam - 1974)

Después de su disolución, dos de los miembros fundadores Gil Bridges y Peter Rivera, continuaron en el mundo de la música manteniendo una agria disputa sobre los derechos del nombre de la banda. Hoy en día Gil Bridges lidera una nueva banda con el nombre de Rare Earth,  a la que durante un tiempo también estuvo ligado Ray Monette. Por su parte Peter Rivera, en compañía de una serie de músicos provenientes de otras antiguas bandas de rock, lidera una formación denominada The Clasics Rock All Stars.

Rare Earth In concert, GrooveShark

Get Ready, spotify

Thorens TD 320 Limited, con un brazo TP 16 MKIV, un tocadiscos de mediados de los ochenta, con un brazo muy bueno y subestimado por muchos.

  El disfrute de la música analógica y del vinilo tiene mucho de fetichismo, pero para quienes crecimos con estos discos nos resulta difícil vivir sin ellos. Razón por la que se empieza a hablar de un resurgir del vinilo. Ahora bien, hay que tener cuidado a la hora de comprarlos, puesto que gran parte de estos discos están mal prensados, llenos de ruidos, de dudosa legalidad y en muchas ocasiones no son más que una forma de tirar el dinero.

  Tenemos herramientas como Discogs, un lugar web donde consultar aquellas ediciones (tando en CD como en vinilo) que buscamos y buscar información de las que mantenerse alejados.

  Sellos como Dol, WaxTime. Doxy y otros similares se aprovechan de algunos huecos en la legislación europea para inundar el mercado de prensados a partir de copias digitales o quien sabe el origen de esas copias. Mi opinión es que cuanto más lejos de ellas mejor.

  También se empiezan a encontrar discos muy bien impresos y con un sonido espectacular. Con buenos empaquetados, y todo hay que decirlo, precios más bien caros. El placer está en la búsqueda de aquellos discos que nos interesan, ya sean nuevos o de segunda mano.
  Las ediciones en vinilo actuales de Led Zeppelin, Pink Floyd, Jethro Tull, King Crimson, Frank Zappa y un largo etcétera, son fantásticas. También las ediciones de Blue Note, Riverside y otras de sellos de calidad (Analogue Productions, Music Matter, Back To Blue, Elemental Music, Blue Note ediciones aniversario y como no, los prensados japoneses).

Saludos y larga vida a los discos de vinilo.

Jeff Beck - Blow By Blow (1975)

Temas

You Know What I Mean

She's A Woman

Constipated Duck

Air Blower

Scatterbrain

Cause We've Ended As Lovers

Thelonius

Freeway Jam

Diamond Dust

Músicos

Jeff Beck: guitarras, bajo

Max Middleton: teclados

Phil Chen: bajo

Richard Bailey: batería y percusión

Jeff Beck es conocido principalmente por haber tocado en los Yardbirds, y siendo uno de los tres grandes guitarristas que pasaron por esta formación, junto con Eric Clapton y Jimi Page, de los tres tal vez el mejor y más desconocido.

Jeff Beck comenzó a ser conocido como guitarrista cuando llegó a los Yardbirds de la mano de Lord Sutch, con los que estuvo casi dos años, hasta finales de 1966.

En 1967 formó la que para mí es una de las más grandes bandas del rock de todos los tiempos, la primera formación de The Jeff Beck Group, en la que también estaban el vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood, el teclista Nicky Hopkins (desde principios del 68) y Aynsley Dunbar a la batería (sustituido después por Mickey Waller). 

Esta magnífica formación grabó dos discos rock blues asombrosos, Truth y Beck-Ola. Sobre todo, Truth, es una auténtica joya anterior al primer álbum de Led Zeppelin y al que no tiene nada que envidiar. El carácter errático y autodestructivo de Jeff Beck y las continuas peleas desbarataron una banda que habría podido llegar muy lejos de haber continuado. De todos modos el resultado de la marcha de Ron Wood y Rod Stewart fue otra estupenda banda, The Faces.

A partir de aquí parece que Jeff Beck empieza a deambular de un sitio para otro. Intentó crear un power trío del estilo de Cream, con Carmine Appice a la batería y Tim Bogert al bajo, pero todo esto se frustró cuando Jeff sufrió un grave accidente en 1970. La base rítmica de Vanilla Fudge se fue a Cactus y Jeff formó una nueva versión del Jeff Beck Group con el teclista Max Middleton, el batería Cozy Powell, el bajista Clive Chapman y el vocalista Bobby Tench. Grabaron Rough and Teady (1971) y Jeff Beck Group (1972) que pasaron sin pena ni gloria.

La disolución de Cactus en 1972 dio la oportunidad de crear el tan ansiado trío junto a Bogert y Appice. La formación registró un álbum en estudio y otro en directo (publicado inicialmente sólo en Japón). El resultado no convenció a nadie y el trío se disolvió.

Jeff Beck desapareció de la escena musical para aparecer en 1975 con la joya a la que está dedicada esta entrada: Blow By Blow. El disco fue producido por George Martin, y resulta un cambio bastante grande con respecto a lo que el guitarrista había venido haciendo hasta entonces. Fue un álbum instrumental de jazz-fusión que recibió muy buenas críticas.

Jeff Beck - Cause We've Ended As Lovers

Destacan la mayoría de los temas de este álbum, pero resaltaría Thelonius (un tributo al gran pianista de jazz Thelonious Monk) y el genial Cause We’ve Ended As Lovers (ambos cedidos por Stevie Wonder).

Blow by Blow tipifica la genial carrera de Jeff Beck y lo imprevisible de sus discos. Lanzado en 1975, es su primer álbum instrumental, muy distinto del rock de sus anteriores trabajos. Solo el compositor / teclista Max Middleton había trabajado en formaciones anteriores de Beck. Blow by Blow cuenta con un tremendo nivel en los músicos que ayudaron a crearlo, desde Max Middleton, que añade calidez y emoción con sus teclados, pasando por el baterista Richard Bailey, que combina hábilmente elementos de jazz y funk, aportando una sección rítmica sólida y precisa.  Los solos de Beck, variados y diversos, repletos de calidad y genialidad por igual, son el principal aliciente del álbum y en él demuestra ser un guitarrista rítmico igual de hábil.  Una de las cualidades de este álbum es el sentido de la diversión que se respira en los temas, que los músicos se divertían y sentían lo que estaban haciendo. En la apertura de "You Know What I Mean", los solos de blues están llenos de formas imaginativas y saltos atrevidos. "Air Blower" contiene elaborados muros de ritmo donde van apareciendo los solos de guitarra. "Scatterbrain", con un teclado vertiginoso y líneas de guitarra repletas de energía. En la balada de Stevie Wonder "Cause We've Ended As Lovers", Beck  desata suspiros, lamentos y gritos de dolor con su guitarra, en el más puro estilo de Roy Buchanan.  "Freeway Jam" al igual que "Scatterbrain," son temas divertidos con impecables arreglos. El tema que cierra el álbum "Diamond Dust", otra joya perfecta y repleta de sentimiento. Blow by Blow marcó un pico creativo en la música de Jeff Beck y resultó ser un disco difícil de superar.  Beck reapareció aquí rodeado de músicos geniales y entre todos lograron crear uno de los mejores discos del jazz rock, uno de esos discos imprescindibles que pasaron a la historia de la música. 

Escuchar el álbum aquí.