Jethro Tull - This Was (1968)

En 1967 Ian Anderson tomó su furgoneta y se dirigió a Londres, como equipaje llevaba un viejo abrigo gastado regalo de su padre, una flauta y un micrófono, más cómodos de transportar que la guitarra por la que los había cambiado.

En su juventud él y sus amigos de la escuela de arte habían tenido bandas, en la que casi siempre el líder era el teclista John Evan (futuro miembro de Jethro Tull), como The Blades, la John Evan Band o la John Evan Smash.

Anderson se puso en contacto con Chris Wright entonces comprometido con Ten Years After, que le aconsejó que se buscase un guitarrista blues, la elección fue Mick Abrahams. La falta de conciertos había reducido el grupo a un trío, Anderson, Abrahams y un bajista llamado Glen Cornick. Aquí fue cuando entró Clive Bunker, amigo del guitarrista Abrahams, a la batería.

En noviembre, los cuatro constituyeron una formación de blues, original sobre todo por las interpretaciones de un flautista imprevisible que se estaba convirtiendo en un excelente front-man, con un estilo basado en la forma de tocar del artista de jazz Roland Kirk.

Jethro Tull en sus inicios

Habían tenido varios nombres, como no eran muy buenos tocaban varias noches con un nombre y después tomaban otro para que la audiencia y los dueños de los garitos no los recordasen y de este modo seguir logrando contratos para más actuaciones. Entre ellos Navy Blue y Bag of Blues, aunque el nombre definitivo Jethro Tull se inspiró en un agricultor del siglo dieciocho.

A comienzos de 1968, Chris Wright fundó con Terry Ellis la discográfica Chrysalis Records con la intención de promover en el Reino Unido a bandas blues y underground. Jethro Tull fue una de las primeras bandas que firmaron con el nuevo sello y que, a pesar de los pequeños ingresos que le reportaba, permitió a Ian Anderson abandonar su trabajo como acomodador en un cine y dedicarse de lleno a la música.

Ian tenía una forma particular de tocar, al principio cuando tocaba su armónica lo hacía sobre una sola pierna, después empezó a hacerlo también con la flauta. Consiguieron un trabajo fijo actuando en el Marquee de Londres y tras intervenir en el National Jazz & Blues Festival de 1968 se labraron un buen nombre. A partir de aquí la banda empezaría a ir despegando poco a poco.

Ese mismo año publicaron su primer trabajo, This Was. Rock blues de cierta calidad que con la característica voz de Ian Anderson y su flauta, sumada a la enérgica guitarra de Abrahams, fueron las principales señas de identidad de este álbum. Además de una clara influencia jazz, como se aprecia en el tema 'Serenade to a Cuckoo', de su maestro y mentor Roland Kirk, que según el mismo Anderson, fue el primer tema que aprendió a tocar con la flauta.

Roland Kirk - Serenade To a Cuckoo y su estilo propio a la flauta

Por desgracia también surgen los primeros roces entre los por entonces líderes de la banda, Anderson y Abrahams. Finalmente es Abrahams quien se marcha del grupo y fundará otra excelente banda llamada Blodwyn Pig, con la que editó excelentes discos.

                                              

                           

El primer sustituto fue Tony Iommi (más tarde fundador de Black Sabbath), aunque de modo provisional (llegó a tocar en Rock'n'roll Circus), hasta que definitivamente fue sustituido por Martin Barre. Martin recuerda que llegó a la audición extremadamente nervioso y muerto de miedo, siempre había tenido un cierto miedo escénico, y se sorprendió de ser el elegido por la banda. Esta elección es muy importante, aunque menos técnico que Abrahams, resultará indispensable para conseguir el sonido definitivo de Jethro Tull.

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This WAS  - Álbum de estudio editado en 1968

Listado de temas

1. My Sunday Feeling (3:42) 

2. Some Day The Sun Won't Shine For You (2:49) 

3. Beggar's Farm (4:20) 

4. Move On Alone (1:59) 

5. Serenade To A Cuckoo (6:11) 

6. Dharma For One (4:16) 

7. It's Breaking Me Up (5:05) 

8. Cat's Squirrel (5:44) 

9. A Song For Jeffrey (3:23) 

10. Round (0:49)

Duración: 38:18

Jethro Tull

- Ian Anderson / flauta, ,órgano, claghorn, piano, vocalista 

- Mick Abrahams / guitarra, guitarra de 9 cuerdas, voces 

- Clive Bunker / batería

- Glenn Cornick / bajo

Invitado:

- David Palmer / arreglos y conducción en "Move On Alone"

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'My Sunday Feeling' es uno de los clásicos de esta primera época, uno de esos temas blues rock en los que el liderazgo es compartido por el flautista y el guitarrista. Aquí se empezaría a definir un poco lo que más tarde sería su sello de identidad. 'Some Day The Sun Won't Shine For You' es un blues lento ejecutado principalmente por la guitarra de Abrahams. 'Beggar's Farm', 'Dharma For One' y 'A Song For Jeffrey' serían clásicos de su repertorio en directo durante varios años y característicos de los primeros Tull, con un sonido que acabaría por definirse en su segundo álbum. 'Serenade To A Cuckoo' también podría añadirse a los anteriores, donde es Ian Anderson quien impone su sonido al resto de la banda. Esta es la primera canción que aprendió a tocar con su flauta, según el propio Anderson, y es una composición del autor de jazz Roland Kirk, de quién tomó esa forma de tocar, soplando, cantando al mismo tiempo y realizando todo tipo de sonidos extraños.

'Move on Alone', 'It's Breaking Me Up' y 'Cat's Squirrel' son temas ya totalmente blues y rock blues, mucho más en la línea de los gustos musicales de Mick Abrahams. En este primer álbum de la banda hay dos partes claramente diferenciadas, una del gusto de Ian Anderson y en el que ya se deja ver lo que acabaría siendo Jethro Tull y otro mucho más blues, liderado por Abrahams y que podemos escuchar en el primer álbum de Blodwyn Pig, 'Ahead Rings Out', con un sonido muy similar al de este primer trabajo de los Tull.

Estaba claro que Ian Anderson y Mick Abrahams no tenían las mismas ideas en cuanto a la dirección musical que le querían imprimir a la banda, y esto acabó con la marcha de Abrahams, para formar Blodwyn Pig. 

'Round' pone la coda a este disco, con un precioso sonido jazz que finaliza cuando uno empieza a disfrutarlo.

Este primer álbum es muy diferente de otros de los años setenta, pero no tanto de lo que sería 'Stand Up'. Para conocer bien discos como 'Aqualung' o 'Thick as Brick' es un obligado referente escuchar la que sería su primera trilogía, formada por 'This Was', 'Stand Up' y 'Benefit', discos en los que se puede apreciar la evolución de la banda.

Jethro Tull - Live 1969 camino ya de Stand Up...

Si hay una época que considero indispensable para cualquier fan de Jethro Tull, es la primera década con los discos comprendidos entre 'This Was' y 'Stormwatch'.

Pincha en la fotografía para ver el árbol genealógico de Jethro Tull hasta 1988

Sweet Slag - Tracking With Close-Ups (1971)

Sweet Slag
Mick Kerensky - guitarra líder
Paul Jolly - saxofón soprano y alto, clarinete, flauta y oboe
Jack 'Moth' O'Neil - bajo, trombón
Al Chambers - percusión

Temas
1. Specific  5:40
2. Milk Train  5:06
3. Rain Again  10:14
4. Patience  3:04
5. Twisted Trip Woman  7:10
6. World Of Ice  7:34
7. Babyi Ar  7:20




Sweet Slag (dulce escoria) es una de esas bandas británicas de las que resultaba un tanto difícil conseguir información hasta la llegada de internet. Incluso ahora, que la música está mucho más accesible para todo el que esté interesado en buscarla, sigue siendo un grupo bastante desconocido y la mayor fuente de información que encontré sobre él fue esta entrada en un blog, las notas de su disco y su escucha.

La música que realizan es básicamente jazz rock, pero de un tipo un poco más áspero y crudo del que estaba acostumbrado a oír. Aquí no encontrarás filigranas instrumentales, ni músicos de gran virtuosismo, pero si música rock con mucha frescura y muy directa. Suenan a banda de garaje un tanto oscura y psicodélica, pero siempre musical -y eso es lo que precisamente le da fuerza y carácter- y con un sonido aún actual. La base rítmica es muy buena, sobre todo el bajo y -siempre desde mi punto de vista- con improvisaciones demasiado libres, caóticas y en terrenos experimentales avant-garde. Pero el resultado final, que es el conjunto del álbum, siempre es bueno o muy bueno y consigue mantenerse sólido gracias precisamente a esa fantástica base rítmica.

Tras el primer álbum añadirían un segundo guitarrista

El vocalista y guitarrista Mick Kerensky tiene los créditos de las letras en las siete canciones. Sus letras están llenas de imágenes sombrías sobre su completo odio y desconfianza hacia la sociedad. "World of Ice" es el tema más psicodélico con un sonido 'stoner rock' muy parecido a 'The End' de los Doors.

Una muestra de la paranoia de Kerensky, el riff de bajo inquietante y la extraña percusión que conducen a su solo de guitarra torturado, que se mueve en compases discordantes y delicados para crear algo verdaderamente hermoso y melancólico.

Sweet Slag - Specific  (1971)

La última canción, 'Babyi Ar', se basa en el poema de Yevgeny Yevtushenko sobre las masacres de judíos en Babi Yar en 1941 perpetradas por los nazis. Kerensky grita el título de la canción en varias ocasiones durante los ruidos horribles construidos por el resto del grupo. Se erige como un homenaje conmovedor del lado más oscuro de la condición humana, y una forma adecuada de terminar un álbum tan ansioso de explorar esta parte más bestial de nuestra psique.

Sweet Slag - Babyi Ar  (1971)

Y para finalizar este pequeño resumen, un tema un tanto más sosegado y tranquilo que el resto, escrito en las montañas de Gales y una sentencia de muerte para el oboe clásico, en palabras de Kerensky.

Sweet Slag - Rain Again  (1971)

Descargas en los comentarios.

Emerson, Lake & Palmer - Brain Salad Surgery (1973)

Tras la disolución de The Nice, Keith Emerson formó una nueva banda con el ex-King Crimson Greg Lake (voces, guitarra acústica y bajo) y el ex-Atomic Rooster Carl Palmer (batería). Aunque siempre ha sido reacio a admitirlo, o tal vez solo era algo sin concretar, parece que la idea que realmente tenía en su mente era unir fuerzas con Jimi Hendrix y su batería Mitch Mitchell.

Aparecieron por primera vez sobre un escenario en el festival de Wight en 1970 y poco después apareció su primer álbum 'Emerson, Lake & Palmer'. En este disco su estilo aún no estaba totalmente definido y suena a veces un poco inconsistente. Aún así es uno de sus mejores trabajos y cuenta con temas de la talla de 'The Barbarian', 'Take a Pebble', 'Lucky Man' y 'Tank'.

Keith Emerson, Carl Palmer & Greg Lake 

Tras una larga gira de promoción que convenció al público y a la crítica, volvieron al estudio para realizar otro gran álbum, Tarkus. Este trabajo es diferente del primero y propone un sonido más duro y contundente, muchos fans hablan del primer disco de heavy metal, sobre todo en el tema que da título al disco y que dura toda la cara A. Pocos meses después se publicó 'Pictures at an Exhibition', basada en Cuadros en una exposición, de Mussorgsky. En 1972 salió 'Trilogy',  que no vendió mucho y la banda consideró un fracaso. Para este álbum se intentó realizar una portada a cargo de Dalí, pero el proyecto finalmente no cuajó. En palabras de Emerson en referencia a sus pocas ventas: "Cuando se hizo Pictures at an Exhibition, Trilogy  ya estaba listo y ahora estamos sufriendo que el material está superado. La cuestión es que no cunda el pánico."

Keith Emerson

En 1973, ya con su propia compañía discográfica Manticore, sale 'Brain Salad Surgery', para muchos su mejor álbum a pesar de las malas críticas que recibió por entonces. El disco logró recuperar las ventas del grupo aún cuando empezaron a circular rumores sobre la disolución del grupo, pero eso es otra historia. De momento me voy a centrar en este álbum, desde mi punto de vista su mejor trabajo junto con 'Emerson, Lake & Palmer' y 'Tarkus'.

Emerson, Lake & Palmer- Jerusalem

Tal vez sea su álbum más ambicioso y más logrado. Desde Jerusalem hasta Karn Evil (3rd Impression) vamos escuchando uno tras otro los temas de una obra épica en la que por fin Keith Emerson da rienda suelta a todo lo mejor que llevaba dentro y en la que sobresale por encima del resto la inmensidad de Karn Evil 9 y todas las partes que la componen.

'Jerusalem' es la introducción orquestal de este disco, con sus bombos, platillos y órganos en plan inicio de torneo que tanto gustan a Keith Emerson y es una versión de un himno homónimo muy popular en Inglaterra, sobre todo en comunidades religiosas, sacado del poema "And did those feet in ancient time", con el que William Blake abría su obra "Milton: un poema". Logró que la BBC lo prohibiera por blasfema. 'Toccata' es una adaptación de una obra de Ginastera, a quien visitaron en Ginebra para pedirle permiso y adaptarla, por supuesto en clave rock, adaptación que dejó impresionado al compositor. Aquí no solo se luce Keith, sino que también Carl Palmer nos hace una demostración de sus habilidades con la batería y de porque siempre ha estado considerado uno de los mejores baterías rock.

Emerson, Lake & Palmer - Toccata - (California Jam 1974)

'Still... You Turn Me On' otro bonito corte lento cantado por Greg Lake al estilo de 'Lucky Man' y acompañado con orquestaciones y una guitarra wah. 'Benny The Bouncer' es un rock and roll en la misma linea que 'Are you ready Eddie', de Tarkus, ¿una especie de respiro para desconectar un poco con el resto del álbum? Preferiría que en su lugar hubiesen introducido 'Brain Salad Surgery'.

Para terminar los 30 minutos de 'Karn Evil' que resultan ser un carnaval rock en el que toda la banda está genial, pero donde por fin Emerson muestra sus habilidades para componer piezas complejas, compactas y con la coherencia suficiente para atrapar al oyente. Está dividida en tres partes o impresiones:  La primera es la más conocida ("Welcome back my friends to the show that never ends..."), y trata al principio de lo que queda después de una guerra, para cambiar después a una presentación al público de lo que se va a exhibir. Es la parte más conocida y más ejecutada.

Karn Evil 9 first impresion

La segunda es un instrumental, construido por Keith Emerson y que contiene una cita del calipso "St. Thomas", de Sonny Rollins. Contiene también material del primero de los "Valses de Mefisto" de Listz. Y por último la tercera, con la voz de Keith Emerson tratada por computador y que nos habla acerca de una pelea entre la máquina y el hombre.

Las letras de ciencia ficción corren de la mano de Pete Sinfield, aunque no llegan al nivel de sus mejores trabajos con King Crimson.

Emerson, Lake & Palmer  -  Live in Belgium - 1971

En general otra de esas obras imprescindibles dentro del rock y que destila lo mejor de los grupos progresivos británicos de los primeros años setenta, además de una portada realizada por H.R. Giger, increíblemente atractiva, varios años antes de la llegada de Alien.

Menuda joya el vídeo Live in Belgium, una auténtica gozada. Otro vídeo para disfrutar de Emerson, Lake & Palmer es Live at the Lyceum Theatre en Londres, 1970.

Brain Salad Surgery - Emerson, Lake & Palmer

Álbum de estudio editado en 1973

Temas

1. Jerusalem (2:44) 

2. Toccata (7:23) 

3. Still... You Turn Me On (2:53) 

4. Benny The Bouncer (2:21) 

5. Karn Evil 9 (1st Impression - Part 1) (8:44) 

6. Karn Evil 9 (1st Impression - Part 2) (4:47) 

7. Karn Evil 9 (2nd Impression) (7:07) 

8. Karn Evil 9 (3rd Impression) (9:03)

Duración: 45:04

Emerson, Lake & Palmer

- Keith Emerson / órgano, piano, harpsichord, acordeón, Moog, Polyphonic Moog Ensemble, voz computerizada en 3rd Impression

- Greg Lake / vocalista, bajo, guitarra Zemaitis eléctrica de 6 y 12 cuerdas

- Carl Palmer / batería, percusión, sintetizadores de percusión

King Crimson - Red (1974)

Temas

"Red" (6:16) (Fripp)

"Fallen Angel" (6:03) (Fripp/Palmer-James/Wetton)

"One More Red Nightmare" (7:10) (Fripp/Wetton)

"Providence" (8:10) (Bruford/Cross/Fripp/Wetton) [grabado en vivo en Providence, Estados Unidos, el 30 de junio de 1974]

"Starless" (12:18) (Bruford/Cross/Fripp/Palmer-James/Wetton)

King Crimson

Robert Fripp – guitarra y melotrón

John Wetton – bajo y voz

Bill Bruford – batería y percusión

Músicos adicionales

David Cross – violín en "Providence"

Mel Collins – saxofón soprano en "Starless"

Ian McDonald – saxofón alto en "One More Red Nightmare" y "Starless"

Robin Miller – oboe en "Fallen Angel"

Marc Charig – corneta en "Fallen Angel"

Richard Palmer-James – letras (excepto la de "One More Red Nightmare", que fue escrita por Wetton)

Si hay un tipo de música que adoro por encima de cualquier otro, este es es el rock progresivo. Pero claro, para mí,  Deep Purple, Rainbow, Led Zeppelin, Jethro Tull, The Doors y en general los discos que más me gustan, son rock progresivo. Música que progresa, que no se estanca, que está en constante movimiento y evolución. Música simple o compleja, pero siempre buena música. Como King Crimson, como Red.

En el estudio

Un disco de esta banda que me impresionó casi tanto como su primer álbum y 'Larks Tongues In Aspic' fue 'Red'. Simplemente buena música y nada más. ¿Raros?  No lo creo, solo King Crimson. La música debería escucharse siempre desde una mentalidad abierta, todo cabe y todo debe escucharse varias veces. Así que dale un oportunidad a este disco y escúchalo con tiempo, tranquilamente cuando quieras relajarte, más de una vez, sin saltos, la música tiene una continuidad y un argumento. Si te lo saltas acabas por no saber de que va la historia.

Bill Bruford, John Wetton y Robert Fripp

Red iba a ser el punto y final de la banda. El mismo Fripp había dicho en una entrevista que justo antes de salir el álbum, King Crimson había dejado de existir. Finalmente no ocurrió así, pero Red sigue siendo el fin de una época y el comienzo de otra. Cómo una banda aparentemente rota y deshecha consiguió grabar este disco se explica con todas las 'colaboraciones' que aparecen -alguna de ellas de ex-miembros del grupo- y con la genialidad de los miembros que la componen. La libertad que dio Fripp a los músicos y, que a mi parecer, se aprecia en las improvisaciones que hacen que este álbum sea tan grande, tienen parte de la culpa. Los saxofones de Mel Collins y de Ian McDonald. La corneta de Marc Charig y el oboe de Robin Miller en 'Fallen Angel', impresionantes ambos. Al igual que el violín de David Cross en 'Providence'. Así pues, aunque fundamentalmente la banda sean Fripp, Wetton y Bruford, los músicos que realizaron el álbum fueron unos pocos más y todos aportaron su parte.

King Crimson  -  Red  (1974)

Comienza el disco con el hard rock barroco propio de los King Crimson en el tema 'Red'.  A continuación un tiempo lento, característico también y una de sus baladas más agradables, como es 'Fallen Angel', inmensa con las aportaciones de Charig y Miller. Vuelta al hard rock y la improvisación jazz en 'One More Red Nightmare', con la voz de Wetton que recuerda mucho a Greg Lake. 'Providence', donde la improvisación toma las riendas hasta desembocar en la salvaje cacofonía de ritmos al final del tema. Y para finalizar 'Starless', otro comienzo lento que irá progresando y variando sin cesar, con pasajes realmente bellos y otros más caóticos, que logran que este sea uno de los mejores temas del álbum. Del mismo modo que este es uno de los mejores discos de toda la discografía Crimson.

King Crimson  -  Fallen Angel   (1974)  -  Subtítulos castellano

King Crimson  -  Starless - Live Melody French TV  (1974)

Brainchild - Healing of the Lunatic Owl (1970)

Temas
1. Autobiography - 3:35
2. Healing Of The Lunatic Owl - 5:05
3. Hide From The Dawn -6:50
4. She's Learning - 4:13
5. A Time A Place - 8:55
6. Two Bad Days - 3:55
7. Sadness Of A Moment - 4:08
8. To B - 3:52

Brainchild
Harvey Coles - Bajo, Voces
Bill Edwrds - Guitarra líder, Voces
Dave Muller - Batería
Chris Jennings - Órgano, Piano
Brian Wilshaw - Saxofón, Flauta
Lloyd Williams - Trompeta

Lennie Wright batería de Web y Samurai fue el productor de este primer y único álbum de Brainchild, banda británica que editó 'Healing of the Lunatic Owl', muy similar a 'I Spider' y 'Samurai'. Rock progresivo de los primeros años 70, dominado por saxos, trompetas, flautas y órgano. Este disco es una auténtica rareza, aunque ahora ha sido reeditado y resulta más fácil de conseguir. Eso sí, desde mi punto de vista no llegan a alcanzar el nivel musical que obtuvieron tanto Web como Samurai.

Brainchild  -  1970

'Autobiography', el tema más corto, es una pequeña muestra de lo que aparecerá en el disco. 'Healing Of The Lunatic Owl' da título al disco y tiene un ritmo bastante más variado, desde tiempos lentos a otros más cabareteros. 'Hide From The Dawn' tiene una preciosa introducción con el bajo marcando el ritmo y dando entrada a la voz y al resto de instrumentos. 'She's Learning', un corte un poco más rock y rítmico. 'A Time A Place', el tema más largo y que recuerda a bandas como Blood, Sweat & Tears. 'Two Bad Days' sigue la estela jazz rock de bandas como Web, con un bajo muy presente y marcado llevando la batuta y acompañado por la sección de vientos, órganos y guitarra. 'Sadness Of A Moment' es la pista más lenta y pausada, con instrumentación a cargo de flautas y guitarras acústicas. 'To B' también comienza con una lenta melodía de flautas hasta introducirse en un ambiente más improvisado y variado.

Brainchild - Healing Of The Lunatic Owl  (1970) (álbum completo)

En general un buen disco, con muy buenas críticas y aunque no llegue a niveles de disco imprescindible en una discografía rock para algunos, dependiendo de los gustos musicales de cada cual, si que es un disco esencial para cualquier seguidor del rock progresivo y del jazz rock. Lo que es seguro es que resulta muy interesante de escuchar y bastante difícil de encontrar.

Brainchild  - The Cage - Autobiography  

Heaven - Brass Rock 1 (1971)

1. Things I Should've Been  (Eddi Harnett)  6:19 

2. This Time Tomorrow  (Eddi Harnett / Terry Scott Jr.)   5:14 

3. Never Say Die  (Eddi Harnett)   3:57 

4. Come Back  (Eddi Harnett)   5:24 

5. Song For Chaos  (John Gordon)   7:41 

6. Morning Coffee (A Theme To A Film)   (Heaven)   4:58 

7. Number One  (Rikki Farr / Heaven)   4:58 

8. Number Two (Down At The Mission)  (Heaven)   5:40 

9. Dawning  (Rikki Farr)   5:13 

10. Got To Get Away  (Eddi Harnett)   8:53

¿Con quien comparar este grupo? La mayoría hubiesen optado por Chicago y Blood, Sweat & Tears. Al igual que esas bandas, Heaven cuenta con una sección de metales, sin embargo la música de este octeto era una fusión natural de blues, R&B y prog rock con tintes hard rock y una fuerte tendencia a la improvisación. Hasta ahí todo parecido.

Formado en Hampton, Virginia, hacia 1968, La primera aparición de la banda fue en el festival de la Isla de Wight, donde levantaron alguna pequeña ola con su primer tema, su segundo tema creó un tsunami.

Heaven - Mark II

La banda firmó con CBS y lanzó su álbum debut, este gigante del rock titulado 'Brass Rock 1', en el año 1971. Tiene 10 temas que rondan casi todos los 5 minutos donde la banda realiza una exploración musical que me resulta asombrosa.

El primer tema, un corte rock titulado 'Things I Shold've Been', en el que ya nos muestran todo el potencial que tienen y nos prepara un poco para lo que está por llegar, que es mucho más. 'This Time Tomorrow' es mucho más folk, muchas veces recuerda a Jethro Tull, pero con un poco más de fuerza y carácter. 'Never Say Die' es otro de esos temas con sabor rock americano, variado, bluesy, como unos Electric Flag en versión hard rock. Pero andar comparándolos con otras bandas no es justo para Heaven. Y es que no tienen nada que envidiar de nadie y su música tiene un sabor propio y original. 'Come Back' sigue un poco en la estela del anterior y da paso a una de las joyas que a mi me encanta un poquito más que el resto, 'Song For Chaos', y es que este quinto tema resulta fascinante. Con su ritmo inicial y esa sección de metales que nos lleva a terrenos con sabor latino, pero sin abandonar ese hard rock que tanto les caracteriza. Fuerza y dulzura al mismo tiempo, es el mejor tema progresivo de todo el álbum, asombroso y precioso.

'Morning Coffee' nos da tiempo para tomarnos un pequeño respiro y relajarnos con ese sonido de las secciones de viento. 'Number One' otro ritmo trepidante y más de lo mismo, rock de primera fila. 'Number Two' es Hard Rock con mayúsculas. 'Dawning', el amanecer en la playa que tanto se hace disfrutar y que resulta tan relajante. Para terminar, 'Got Get Away' y ese clarinete que nos regala un comienzo pastoril y exótico oriental en crescendo, que a través de un solo de guitarra abrasador nos lleva hasta el final del álbum.

Heaven - Things I Should've Been  (1971)

Un impresionante conjunto que fusiona el jazz, rock, folk y blues con un hard rock inmejorable. Un disco muy recomendable para escuchar y disfrutar. Escúchalo bien, porque esto es algo que se encuentra muy pocas veces. La reedición de Esoteric además tiene un buen sonido y muy cuidado, como en la mayoría de las reediciones que editan.

Heaven - Song For Chaos  (1971)

Más datos de esta banda  (tomado de discogs)

Art Direction – John Hays, Keef (4)

Engineer – Mike Fitzhenry

Photography By – Keef (4)

Producer – Rikki Farr
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Drums, Percussion – Vic Glover

Tenor Saxophone, Alto Saxophone, Soprano Saxophone, Flute, Clarinet – Ray King (7)

Tenor Saxophone, Alto Saxophone, Soprano Saxophone, Flute, Trombone – Derek Somerville

Trombone, Piano – David Horler

Trumpet, Flugelhorn – Dave Gautrey

Trumpet, Flugelhorn, Trumpet [Piccolo], Arranged By – Butch Hudson

Vocals, Bass, Fiddle, Arranged By – John James Gordon

Vocals, Guitar, Arranged By – Eddi Harnett

Vocals, Guitar, Piano – Terry Scott Jnr.

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Heaven - This Time Tomorrow  (1971)

Y si te gusta échale una ojeada a la edición de Esoteric Recordings

Uriah Heep - Demons and Wizards (1972)

Album de estudio editado en 1972
Temas

Cara A
1. The Wizard (2:59)
2. Traveller In Time (3:26)
3. Easy Livin' (2:36)
4. Poet's Justice (4:14)
5. Circle Of Hands (6:34)

Cara B
1. Rainbow demon (4:30)
2. All My Life (2:46)
3. Paradise (5:15)
4. The Spell (7:26)

Músicos

- Gary Thain / bajo (excepto Mark Clarke en 'The Wizard')
- Lee Kerslake / batería y percusión
- Mick Box / guitarras
- Ken Hensley / teclados, guitarras y percusión
- David Byron / vocalista

Ilustración de Roger Dean ara el álbum Demons and Wizards

Constituida a finales de los sesenta esta formación inglesa siempre ha tenido un buen número de seguidores, aunque la crítica no le ha dado muchos reconocimientos, tal vez debido a que son difícilmente catalogables. En su momento álgido, a principios de los setenta, su sonido abarcaba desde el hard rock al rock progresivo, pasando por pop-rock e incluso ritmos funkys.

Para conocer los orígenes de Uriah Heep debemos remontarnos a finales de los sesenta, cuando un grupo llamado Stalkers actuaba en Londres  en el más oscuro anonimato. De él formaban parte Mick Box, guitarrista, y un cantante llamado David Byron. Ambos dejan el grupo y forman Spice. Conocen a Gerry Bron, que se convirtió en su manager. Bron era propietario de una pequeña compañía, Bronze y conocía muy bien el ambiente musical de Londres, así que les recomendó un teclista, Ken Hensley, que procedía de Gods y en donde había estado con Greg Lake y Mick Taylor. Casi nada.

The Gods

Cambiaron su nombre a Uriah Heep (inspirado en un personaje de una novela de Charles Dickens) y se les unió el bajista Paul Newton, también de los Gods. El batería Alex Napier sería la pieza final.
Con esta formación lanzan su primer álbum, 'Very Eavy, Very Umble', que sería producido por Gerry Bron y publicado a comienzos de 1970 por Bronze Records. En 1971 lanzarían su segundo álbum, 'Salisbury' con algunos cambios en la formación. Ese mismo año vendría otro gran trabajo, 'Look at Yourself' y en 1972 por fin se concretaría la formación definitiva en la que el bajista Paul Newton cede su puesto al neozelandés Gary Thain y Iain Clark al batería Lee Kerslake. Así pues ya tenemos una banda de lujo para un álbum increible, 'Demons and Wizards'. Poco después la misma banda grabaría otra joya, 'The Magician's Birthday', pero esa es otra historia.

Un poco de historia (July Morning - 1971)

El disco 'Demons and Wizards' es, desde mi humilde opinión, su mejor álbum y uno de los mejores discos de 1972, año en el que se editaron verdaderas joyas de la música rock.

'The Wizard' abre de un modo acústico y con la impresionante voz de Byron hasta alcanzar el crescendo que marcará el resto de la composición. Un tema a medio camino entre el rock progresivo y el pop rock, con esos coros tan amanerados que siempre han descolocado un tanto a los críticos y gustan a los fans. 'Traveller in Time' otra magnífica canción que nos habla sobre un viajero en el tiempo que purga su crimen en este mundo, con ritmos wah y las voces de Byron dominando de principio a fin. 'Easy Livin', quien no ha escuchado este trepidante y corto tema, uno de los ritmos más vertiginosos de Uriah Heep y del rock.

Easy Livin'  Live

'Poet's Justice' es otro de esos geniales temas del grupo que tan difícil resultaría de catalogar, pero Byron, Box, Hensley y compañía nos hacen olvidarnos de algo que a fin de cuentas no importa. 'Circle of Hands' cierra la cara A con el tema más progresivo de todo el disco. La voz de Byron, la máquina rítmica formada por Thain y Keerslake, los solos de Box, los teclados de Hensley, otro de los gigantes de la banda donde todo resulta perfecto.

El tema que abre la cara B, 'Rainbow Demon', resulta una de esas canciones del hard rock progresivo tan logradas y mágicas como las que después llegarían de bandas como Rainbow, en 'Rising'. 

Rainbow Demon

'All My Life' es una especie de rock'n'roll, tal vez el tema más flojo del álbum. 'Paradise' y 'The Spell' cierran el disco. Los dos juntos forman un solo tema, o al menos es la impresión que da, pues quedan unidos por un comienzo que se superpone sobre el tema anterior hasta llegar a desaparecer en la nada para de nuevo reaparecer convertido en un pasaje iniciado con un piano, coros y guitarras, que van creciendo hasta finalizar de nuevo en el ritmo inicial.

Uriah Heep - Demons and Wizards (álbum completo e. remaster con bonos extras)

Uno de esos discos que tanto nos gustan a los fan de la música rock, y que no pude aguantar la tentación de comentar y editar en esta entrada. Imprescindible, como no, en cualquier discografía que se precie. 

Mountain - Climbing (1970)

Temas

1. Mississippi Queen

2. Theme from an imaginary western

3. Never in my life

4. Silver Paper

5. For Yasgur's farm

6. To my friend

7. The Laird

8. Sittin' on a rainbow

9. Boys in the band

Mountain es un grupo de rock americano, formado en Long Island en 1969, integrado al principio por Leslie West (guitarra y voz), Felix Pappalardi (bajo y voz), Steve Knight (teclados) y N.D. Smart (batería). Leslie West había estado previamente en el grupo de R&B The Vagrants y formó Leslie West Mountain y con este nombre grabarían un primer disco producido por Felix Pappalardi (Disgraeli Gears y Wheels of Fire de Cream también fueron producidos por Pappalardi).

Felix Pappalardi y Leslie West

Tras este primer disco acortaron el nombre a Mountain y el propio Pappalardi se hizo cargo del bajo. Giraron por toda la costa oeste de los EEUU e incluso tocarían en Woodstock, donde fueron bien recibidos.

Smart fue reemplazado por el baterista canadiense Laurence "Corky" Laing, quien tocó en el álbum debut "Climbing!", editado en marzo de 1970 y que llegó hasta el número 17 en las listas Billboard.

Missisipi Queen  -  Live in N.Y.  1970

Mountain Cimbing! es un disco que reúne rock, blues y psicodelia en la más pura línea Cream, pero con un estilo más genuino americano y con un guitarrista totalmente distinto. Leslie West es un guitarrista que debería estar entre los más grandes por méritos propios y por su forma de tocar enfocada a la melodía, el blues y los riffs hard rock del modo en que lo hace.

Mountain-Climbing! - 1970 - Album debut

'Missipi Queen' es uno de sus canciones más emblemáticas y enseguida reconocible por su sonido, puro hard rock. 'Theme From An Imaginary Western' marca un contraste con el anterior, una balada donde West demuestra que sabe cantar bien los tiempos lentos, donde yo pienso que su voz se defiende mejor.
'Never In My Life vuelve a llevarnos por senderos mucho más rítmicos y salvajes. 'Silver Paper' es otro buen tema a medio camino entre la música blanca americana y el blues negro. Los solos de guitarra, como siempre fantásticos. 'For Yasgur's Farm' nos envuelve en el genuino sonido Mountain, una estupenda balada con cambios de ritmo y solos de guitarra sencillos y geniales. 'To My Friend' parece un experimento acústico a mitad de disco en la más pura línea Zep. 'The Laird' sigue un poco la línea del anterior. 'Sitting on a Rainbow' ritmos y guitarras que recuerdan a bandas típicamente americanas como los Allman Brothers. 'Boys In The Band' es un poco más compleja y variada que lo que hemos venido escuchando.

Mountain - Theme For An Imaginary Western - Cincinnati Pop Festival - 13/Junio/70

Mountain Climbing es un disco muy bueno, considerado por muchos una mera recreación de Cream, pero sin llegar al nivel de éstos. No estoy de acuerdo, Mountain tiene un sonido propio donde la diferencia la marca la guitarra y la voz de West. Sus solos son puro sentimiento y sus riffs, aunque sencillos, gustan y se disfrutan por la fuerza que destilan, por su característico sonido, una especie de batido de Cream y los primeros Allman Brothers. Un sonido que inspiró a bandas de la calidad de Foghat y J. Geils Band entre otras muchas otras. Y es que Leslie West es uno de esos pocos guitarristas que tienen el don de transmitir y emocionar sólo con un par de notas.

Mountain - Nantucket Sleighride (To Owen Coffin) - Album Nantucket Selighride

Aunque normalmente se considera éste como el mejor trabajo de Mountain, creo que 'Nantucket Sleighride' expone mejor lo que era esta banda y en general a mí me gusta más (tal vez por ser un poco más arriesgado e introducirse en terrenos progresivos) una apreciación personal, y sobre todo en el tema que da título al álbum.

Genesis - Selling England by the Pound (1973)

Album de estudio editado en 1973

Temas

1. Dancing With The Moonlit Knight (8:01) 

2. I Know What I Like (In Your Wardrobe) (4:06) 

3. Firth Of Fifth (9:34) 

4. More Fool Me (3:09) 

5. The Battle Of Epping Forest(11:43) 

6. After The Ordeal (4:12) 

7. The Cinema Show (11:06) 

8. Aisle Of Plenty (1:31)

Duración 53:22

Músicos

- Tony Banks / Teclados, guitarra de 12 cuerdas

- Phil Collins / Batería, percusión, coros, voz principal (4) 

- Peter Gabriel / Voz principal,percusión, flauta, oboe

- Steve Hackett / guitarra electrica, guitarra clásica

- Mike Rutherford / bajo, guitarra de 12 cuerdas, sitar eléctrico

Corre el año 1973 y la mayoría de las grandes bandas han sacado o están sacando discos que marcarán época, entre ellas Genesis, que edita este año su quinto album de estudio. Vendiendo Inglaterra al peso sería la traducción de este álbum, para mí uno de los más especiales de Genesis, y junto con Foxtrot, el que considero más logrado. En los discos de Genesis la vieja Inglaterra está siempre muy presente, y en este sigue estándolo con las historias y las letras de Gabriel y la portada a cargo de Betty Swanwick llamada "El Sueño". Fue un encargo de Peter Gabriel y en la ilustración podemos apreciar  referencias a las letras de 'Selling England By the Pound', al igual que ocurre con otros discos de la banda.

El título del álbum y la letra del primer tema, 'Dancing With The Moonlight Knight' parece que fue inspirado por un panfleto del partido laborista de la época y su eslogan durante las elecciones celebradas justo antes de lanzar el álbum. "Can you tell me when my country lies..." (puedes decirme cuando mi país miente...) así es como da comienzo la letra de este primer tema y musicalmente está lleno de altos y bajos, de claros y oscuros, de ritmos, de melodías y de coros, desde su inicio hasta el final, que recuerda una caja musical. Para mí es una verdadera obra de arte dentro de la música y un referente para muchos grupos posteriores y actuales como 'Marillion' y 'Happy The Man'.

Dance With The Moonlight Know

Peter Gabriel siempre amó el teatro, y por ello en sus actuaciones representaba sus canciones disfrazado de algún personaje que le permitiese dar vida al tema interpretado y cantado de un modo más visual y expresivo. Esa forma tan teatral de abordar los temas más complejos y espinosos también la llevó a las letras y portadas de sus discos. En la canción que abre este álbum siempre aparecía caracterizado como Britania.

Dance With The Moonlight Know  -  Live

'I Know What I Like' es un buen tema, aunque un tanto comercial y llegó a ser su primer gran éxito en la era Gabriel. Personalmente no me gusta mucho. Prefiero 'Firth Of Fifth', otra de las mejores canciones y más en el estilo sinfónico repleto de bellas melodías de Genesis.

'More Fool Me' es una canción breve, más popera que el resto, pero sin perder nada de atractivo por ello.

En concierto

'The Battle of Epping Forest' es otro de los grandes temas de este disco, aunque a veces pueda sonar un tanto repetitivo, ya desde su comienzo nos introduce en el campo de batalla. Su historia nos la comenta el propio Gabriel, "Suelo guardar recortes de periódicos que me interesan. La historia de "The Battle of Epping Forest" fue tomada de una noticia genuina del Times. Luego la dejé y cuando volví a buscarla la había perdido, por lo que fabriqué la historia completa acerca de dos pandillas luchando en Londres."

Genesis  -  La banda al completo

La canción es particularmente característica dado que Peter Gabriel hace cambios de voces para los diferentes personajes, teniendo también recurrentes cambios en el tempo. Fue interpretada en vivo durante la gira del álbum. Gabriel solía moverse por el escenario contando la historia, e incluso volaba atado a un arnés, hasta que la canción fue descartada por cuestiones de seguridad.

Selling England By The Pound Live 1973

'After The Ordeal' es un tema folk corto que nos lleva de lleno a las verdes campiñas de Inglaterra con ese sonido tan pastoral y relajado.

'The Cinema Show' es tal vez junto con la apertura del disco su mejor momento y uno de los temas más complejos de Genesis. Está dividida en dos partes, una primera lenta con guitarras acústicas de 12 cuerdas y flautas, donde por primera vez escuchamos a Gabriel y a Collins cantando juntos. Su segunda parte está presidida por el solo de teclado de Tony Banks acompañado después por una sección rítmica, para volver a finalizar con guitarras acústicas y flautas que enlazan con 'Aisle of Plenty' de un modo magistral y consiguiendo fundir los dos temas en uno sólo. La voz de Gabriel aquí y en general en todo el disco, pienso que está en el mejor momento de su carrera con Genesis. El resto del grupo muestra una compenetración asombrosa, donde lo primero es el disco y ninguno de los músicos intenta sobresalir con demostraciones de virtuosismo gratuitas. Un gran disco, un gran principio y un gran final.

Genesis - 'Cinema Show' y 'Aisle of Plenty'

Manfred Mann's Earth Band - Solar Fire (1973)

Album de estudio editado en 1973

Temas

1. Father Of Day, Father Of Night (9:53) 

2. In The Beginning, Darkness (5:19) 

3. Pluto The Dog (2:45) 

4. Solar Fire (5:14) 

5. Saturn, Lord Of The Ring / Mercury, The Winged Messenger (6:30) 

6. Joybringer (3:23) 

7. Earth, The Circle (3:48)

Duración: 36:52

Re-Mastered 1998 (2 Bonus Tracks) Mann 006:

8. Joybringer (3:22)

9. Father Of Day, Father Of Night (3:01)

Músicos

- Manfred Mann / órgano, sintetizadores, voces 

- Colin Pattenden / bajo

- Mick Rogers / vocalista líder, guitarra

- Chris Slade / batería 

Solar Fire es uno de los mejores discos que Manfred Mann´s Earth Band publicó y tal vez seguramente sea su disco más orientado hacia el rock. Los teclados de Manfred Mann se alzan como protagonistas indiscutibles en este álbum, además de las guitarras y los arreglos instrumentales, algunos de ellos inspirados en la suite clásica de Gustav Holst, Los Planetas.

Este fue el primer disco de la banda que tuve la oportunidad de escuchar y el que siempre circuló entre mi grupo de amigos. Más tarde tuve la oportunidad de escuchar otros discos que también me encantan, como 'Good Earth', 'Nightingales and Bombers' (mi favorito) y su primer trabajo 'Manfred Mann's Earth Band'. Sin embargo sus álbumes más famosos me resultan un tanto comerciales, aunque me gusta mucho la versión en vivo de Mighty Quinn publicada en 'Watch'. También me resulta bastante pasable 'The Roaring Silence', pero prefiero todo lo que publicaron hasta 1975 y que son los que he mencionado antes, además de 'Messin', 'Glorified Magnified' y por supuesto, 'Solar Fire'.

Watch  -  Mighty Quinn Live 

Volviendo a Solar Fire, resulta difícil de creer que 'Father of day, Father of night' sea una versión de Bob Dylan. Es un tema largo que ilustra a la perfección el sonido que me gusta de esta banda, una especie de hard rock progresivo con predominio de teclados y guitarras eléctricas. También están bastante presentes en este disco los coros femeninos que le dan un aire clásico y tétrico. Posiblemente sea el mejor tema del disco.

Father of Day, Father of Night  Live 1974

'In The Beginnning, Darkness' sigue la estela del tema anterior, un poco más cerca del hard rock progresivo y en el que las mejores partes siguen siendo las improvisaciones de teclados y guitarra. Me encanta el ritmo de 'Pluto the Dog', que recuerda a veces a Pink Floyd, no sé si por los cargantes ladridos del perro. 'Solar Fire' también es una buena canción, pero que no aporta nada diferente a lo que venimos escuchando hasta ahora, excepto el poder seguir disfrutando del peculiar sonido de órganos y sintetizadores. 'Saturn, Lord of the Ring / Mercury the Winged Messenger' es otro buen tema, dividido en tres partes, una más rítmica, otra lenta y una última improvisada. Por último 'Earth the Circle' partes 1 y 2 son improvisaciones y variaciones para el lucimiento del líder de la banda, resultando más interesante la parte 1.

Album completo Solar Fire de Manfred Mann's Earth Band

'Joybringer' no figuraba en mi edición anterior y ahora si en los bonos de las últimas remasterizaciones. Parece que hubo dos ediciones distintas en el Reino Unido y en los EEUU, siendo en esta última en la que aparecía 'Joybringer' y faltaba una de las partes de 'Earth the Circle'. Es el tema más comercial con diferencia y no me extraña que prefiriesen incluirla para el mercado americano. Entre los temas que adoro de este grupo, está 'As Above So Below' (increíble improvisación que se utilizó para la pista Mighty Quinn del álbum Watch) incluida en 'Nightingales & Bombers',  tal vez su mejor álbum junto con el primero y 'Solar Fire'.

Give Me The Good Earth, Live 74 (del álbum Good Earth)

Aunque no sea este uno de los grandes del rock progresivo, si que es un gran disco de una banda bastante poco conocida e imprescindible en cualquier discografía de rock progresivo y rock en general.

Enlace al primer disco de Manfred Mann's Earth Band (Primer álbum).
Enlace a Manfred Mann's Earth Band site UK.

Escuchar en Spotify aquí.