Oliver Nelson - The Blues and the Abstract Truth (1961)

Oliver Nelson: compositor, arreglos, saxo alto y tenor
Eric Dolphy: saxo alto y flauta
George Barrow: saxo barítono.
Freddie Hubbard: trompeta
Bill Evans: piano
Paul Chambers: contrabajo
Roy Haynes: batería

Grabado en los estudios Van Gelder de EngleWoods Cliffs.
New Jersey, 23 de febrero de 1961.

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Biografía de Oliver Nelson (hasta la edición de The Blues and The Abstract...)*

Oliver Edwards Nelson nació en junio de 1932, en Saint Louis, Missouri, en una familia abocada a la música. Su hermano mayor era saxofonista en la orquesta de Cootie Williams en los años 40, mientras que su hermana trabajaba como pianista para diversas orquestas locales. De niño, comenzó a estudiar piano y con once años empezó a tocar el saxo alto. Al poco tiempo de tocar el saxo, obtuvo su primer trabajo como profesional, junto a su hermano, con Cootie Williams. Durante toda la década de los 40, Nelson se vio obligado a compaginar trabajos mal pagados en orquestas de baile con su primera actividad profesional: conductor de autobuses.

Todo cambió en 1950, cuando fue llamado por Louis Jordan para ocupar un pupitre en su entonces popular big band. El servicio militar truncó esa buena racha, pero le permitió incorporarse a la banda de la tercera división de marines y viajar por todos los EEUU y Japón, tocando en los clubes de oficiales.

De regreso a la vida civil, se instaló en Washington e intentó, nuevamente sin éxito, abrirse camino en el mundo de la música. Así, mientras estudiaba composición y teoría musical, se ganaba la vida trabajando como taxidermista. En 1959 se traslada a Nueva York y su suerte cambia cuando conoce a Erskine Hawkins, que lo introdujo en el mundillo musical de la Gran Manzana, y le permitió convertirse en el arreglista del popular y mítico teatro Apollo de Harlem. Al mismo tiempo, comenzó a liderar tímidamente sus propios grupos, exponiendo ya ideas musicales novedosas y sorprendentes que llamaron la atención de Quincy Jones, quien le ofreció una plaza en su orquesta. En la banda de Jones, Nelson conoció a muchos de los músicos que le acompañarían después en The Blues and the Abstract Truth.

The Blues and the Abstract Truth

Fue el quinto disco lanzado por el sello Impulse en 1961, aunque probablemente fuera el primero que nació en la cabeza de Creed Taylor, el productor responsable del sello. Taylor y Nelson habían realizado juntos varios discos para Prestige. Así fue que en cuanto crearon Impulse, Taylor ofreció a Nelson la posibilidad de hacer un disco para él, con total libertad y un buen presupuesto para grabarlo en el estudio de Rudy Van Gelder (de moda por aquel entonces). Pero se encontraban con una traba, Nelson tenía contrato en vigor con su actual compañía, Prestige. Finalmente éstos le dejaron grabar el disco para Impulse; poco podían imaginarse que se trataría del mejor disco de Nelson y uno de los más grandes en toda la historia de la música.

El éxito del disco fue inmediato y despertó enormes expectativas ante futuros lanzamientos. Taylor supo aprovecharlo: ese mismo año, además de Nelson, publicó discos de John Coltrane, Art Blakey y Max Roach. Creed Taylor inventó la marca Impulse, en pocos meses la convirtió en sinónimo de calidad jazzística.

A pesar de ser un gran instrumentista y un mejor improvisador, Oliver Nelson pasará a la posteridad como un gran arreglista y un compositor original, pero sobre todo, como el autor de "Stolen Moments".

El tema estrella de este elepé no fue escrito especialmente para este disco;  Nelson lo había escrito un año antes para la grabación de Trane Whistle de Eddie Lockjaw Davis y se editó entonces como "The Stolen Moment". Después de 'The Blues and the Abstract Truth' la pieza se ha difundido siempre con el nuevo título, y existen más de un centenar de versiones grabadas por músicos de la talla de Quincy Jones, Phil Woods, Jimmy Smith, Kenny Burrell, Milt Jackson... Frank Zappa o Andy Summers, entre otros muchos.

"Oliver era muy especial. Tenía sentido melódico, sabía escribir para varias voces como nadie. Era tan elocuente que podía hablar de un montón de cosas. Tenía formación en historia de la música, clásica o de cualquier otro tipo", decía Creed Taylor. Esta formación como musicólogo le sirvió para grabar temas con un enorme sentido melódico, rítmico, variedad de estilos y sobre todo de gran calidad en su composición y desarrollo musical.

Esta obra maestra se grabó en una sola sesión, casi sin repeticiones, e inmediatamente se convirtió en un éxito a pesar de que la mezcla de estilos no formaba parte del lenguaje musical de aquel tiempo ni estaba de moda. Todas las emisoras jazz querían el lp, pero incluso muchas emisoras pop radiaron "Stolen Moments" durante mucho tiempo, convirtiendo al tema en un estándar del jazz moderno.

The Blues and the Abstract Truth (1961)

Escuchar aquí

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The Blues and the Abstract Truth

Todos los temas compuestos por Nelson.

"Stolen Moments" - 8:46

"Hoe-Down" - 4:43

"Cascades" - 5:32

"Yearnin '" - 6:24

"Butch and Butch" - 4:35

"Teenie's Blues" - 6:33

The Blues and the Abstract Truth es un disco que pretende explorar las diversas formas y estructuras de los blues, aunque la mayoría de los temas que lo componen no se estructuran como blues convencionales de 12 compases, sí añaden el componente fundamental del blues, el feelin' o sentimiento que debe prevalecer en cualquier blues que se precie. 

Aquí hay mucho más que 'Stolen Moments', su tema más conocido y tal vez la cara visible de este álbum. 'Hoe-Down' es una pieza de A. Copland que resultará conocida a muchos de escucharla en versiones como la realizada por Emerson, Lake & Palmer para su álbum Trilogy, una joya rediseñada y arreglada por Nelson. 'Cascades' y 'Butch and Butch' nos muestran el modo de entender el bop que tiene este maestro de la música. 'Yearnin', una balada blues preciosa con magníficos solos intermedios que recuerdan un poco los arreglos de 'Hoe-Down' y hacen de ella una de las grandes piezas de este elepé. 'Teenie's Blues' es otra de las joyas del disco, con esa intro de bajo y saxo un tanto inquietante que desemboca en las improvisaciones de una banda que aporta un sabor extraordinario y saber hacer impresionantes. Así es que aunque los arreglos y composiciones sean de Oliver Nelson, este disco no sería lo mismo sin los extraordinarios músicos que conforman la banda y con una calidad tan grande y tan capaz como para grabar este álbum en una sola sesión de grabación.

* Algunos datos se han extraído de vinilos míticos del jazz.

Titus Groan (1970)

Álbum de estudio editado en 1970

Temas
1. It Wasn't For You (5:33)

2. Hall Of Bright Carvings (11:37)

a) Theme 

b) Dusty High-Value Hall 

c) The Burning 

d) Theme

3. I Can't Change (5:41) 

4. It's All Up With Us (6:07) 

5. Fuschia (6:18)

Bonus en la reedición CD: 

6. Open The Door Homer (3:30) 

7. Woman Of The World (4:32) 

8. Liverpool (5:54)

Duración: 49:12

Titus Groan:
- Stuart Cowell / teclados, guitarra, vocalista

- John Lee / bajo

- Tony Priestland / saxofón, flauta, oboe

- Jim Toomey / batería

La banda estaba formada por Stuart Cowell (teclados, guitarra, voz), John Lee (bajo), Tony Priestland (saxofón, flauta, oboe) y Jim Toomey (batería), este grupo de rock progresivo británico tomó su nombre del personaje central de la novela gótica de Mervyn Peake - una variación de la novela de Tolkien, El Señor de los Anillos, fijación compartida por muchos grupos similares de la época.
En este disco tenemos un heavy prog con tintes folk que nos llegó desde el Reino Unido en 1970. Su música era muy original, teniendo en cuenta los diversos instrumentos de viento tocados por Tony Priestland y lo poco común del oboe en una banda de rock, junto con el saxofón y las flautas. La originalidad de ese sonido tan poco común y tan representativo es lo que le otorga esa cualidad atemporal que les libra de sonar viejos o caducos, aún después de tantos años. Al igual que Jethro Tull, su sonido presenta también un cierto sabor medieval y profundo, sin llegar a ser complejo. Añadiendo a todo lo anterior una base rítmica impecable, unos riffs de guitarra que muchas veces se adentran en terrenos hard rock y las armonías vocales que sirven de contraste. Sólo falta servir el cóctel: una música impecable y bien ejecutada que convierte este álbum en un disco de culto.

Titus Groan

'It Wasn't For You' abre este disco. Es un tema jazz rock en la misma línea de bandas como If, Blodwyn Pig o los primeros Jethro Tull. Me parece muy bueno y de gran calidad el trabajo de Lee y Toomey al bajo y batería respectivamente, y como no, el del resto de la banda.

Los 11 minutos de 'Hall Of Bright Carvings', dividida en 3 partes distintas, son sencillamente únicos. La música se va transformando una y otra vez logrando que el tema sea enormemente variado y entretenido, destacando como siempre las partes tocadas por Priestland en los diversos instrumentos de viento que aparecen y que aportan ese sabor entre folk y medieval. También es genial el combo formado por John Lee al bajo y Jim Toomey (a lo largo de todo el disco) a la batería, que aportan una sólida base rítmica sobre la que se sostiene el resto de la banda.

'It's All Up With Us' es tal vez el tema que más me gusta de todo el disco. Tiene un sonido similar al que después haría Caravan en sus mejores trabajos. Las armonías vocales de Stuart Cowell sobresalen por encima del resto, aunque la base rítmica y las partes de viento también son más que buenas.

'Fuschia' también es un bello tema con buenas y bellas voces, asentado sobre un ritmo heavy que se mantiene casi durante todo el tiempo, con un acompañamiento de flautas y guitarras característico de Titus Groan. Es el tema que cerraba el disco original. Las diversas reediciones en CD añaden varios bonus, normalmente tres, entre los que destacaría 'Woman of the World', que es un tema rock blues muy bien facturado, sencillo, pero efectivo. Los otros dos temas en mi opinión perjudican más que nada el resto de un álbum en el que sólo veo un punto débil, la mala producción del disco. Por otra parte me reafirmo en lo que había mencionado antes, una música impecable y bien ejecutada que convierten este trabajo en un disco de culto.

Aquí abajo hay un vídeo en el que se puede seleccionar el tema a escuchar. En este vídeo está disponible el álbum completo de esta fantástica banda británica de los primeros años setenta. 

Titus Groan (1970) Álbum completo

Chick Corea - Return to Forever (1972)

Álbum de estudio editado en 1972

Temas:
1. Return to Forever (12:06)
2. Crystal Silence (6:59)
3. What Games Shall We Play Today? (4:30)
4. Sometime Ago/La Fiesta (23:13)

Duración: 45:58

Return to Forever:
- Airto Moreira / percusión, batería, voces
- Stanley Clarke / bajo
- Chick Corea / teclados, piano
- Joe Farrell / flauta, saxofón
- Flora Purim / percusión, voces

Return to Forever es la obra del pianista, teclista y compositor de jazz Chick Corea.

Armando Anthony Corea nació en la localidad de Chelsea, Massachussetts, el 12 de junio de 1941 en una familia de ascendencia mediterránea, principalmente siciliana.

Chick Corea cursó estudios clásicos, pero inició su andadura en la música tocando en grupos de música latina, como los de Phil Barboza, Mongo Santamaría y Willie Bobo.

En 1968 comenzó de verdad en el hard bop de la mano de Miles Davis, tocando en su banda y participando en la grabación de alguno de los mejores discos de éste, como Filles du Kilimanjaro, In a Silent Way, Bitches Brew, Live Evil, On the Corner y At Fillmore. Con la banda de Miles Davis también vivió el Festival de la Isla de Wight en agosto de 1970.

Return to Forever nació en 1972 con la idea de acompañar a Chick Corea en su primer disco, pero no había una intención clara de continuar como una banda. El grupo estaba compuesto por el propio Chick Corea a los teclados, Airto Moreira (con quien había estado en la banda de Miles Davis) percusionista y batería, el saxofonista y flautista Joe Farrell y Flora Purim (esposa de Airto) a las voces y percusión. Por último otra de las piezas claves de la formación: Stanley Clarke en el bajo. Con semejante evento de músicos nació la primera formación de Return To Forever, a la que está dedicada esta mini reseña.

Return to Forever

Su primer disco fue publicado sólo en Europa por el sello ECM, las actuaciones de promoción del álbum fueron muy escasas y no se editaría en los EEUU hasta 1975. Tras este primer trabajo volvieron a entrar en el estudio en octubre de 1972 y el resultado sería el álbum, 'Light as a Feather', un compilado de melodías brasileras reinterpretadas desde las influencias del Jazz al que venía apuntando el grupo.

El primer trabajo de Return to Forever está considerado como uno de los discos clásicos del jazz rock, y una de esas grabaciones que hicieron historia, al igual que Bitches Brew de Miles Davis, los primeros trabajos de Mahavishnu Orchestra o Weather Report, entre otros grandes del jazz rock.

El enfoque de la música jazz que tenía Chick Corea era bastante distinto del de otras bandas de jazz rock, con ritmos más mediterráneos y latinos, en los que destacan tanto el piano eléctrico de Chick, las percusiones de Airto Moreira, el bajo de Stanley Clarke (eléctrico en la cara A y contrabajo en la B), los saxos y flautas de Joe Farrell y por último las voces y percusión de Flora Purim, como un conjunto totalmente compenetrado y con músicos de calidad más que contrastada. Todas estas cualidades juntas logran que la escucha de este álbum sea prácticamente obligada.

La primera canción se puede dividir en cinco partes. Hay tres piezas cortas en las que Corea toca simples melodías inolvidables, acompañado por Purim. El ritmo de batería de Moreira da a la composición una sensación de amplitud único y original. 

El segundo tema, "Crystal Silence", es una canción de Corea. El tema lo interpretan Corea y Farrell, con un poco de percusión suave en el fondo, destacando un largo solo de saxofón. 

"What Game Shall We Play Today?", es otra de las canciones de Corea. Tiene una melodía muy dulce y las voces de Purim contribuyen a realzar esa dulzura. Farrell toca aquí la flauta. 

Crystal Silence

La cara B del álbum tiene un solo tema que consta de tres partes diferentes. Probablemente se han grabado sin cortes y esta es la razón por la que no se separan en pistas individuales, las líneas de bajo también realzan esa unidad. Los primeros siete minutos del tema consisten en una introducción improvisada por Corea, Farrell y Clarke de ritmo lento. "Sometime Ago" es una canción con sabor latino interpretada por la voz de Purim y los solos de flauta de Farrell. Después de esa canción Farrell cambia al saxofón soprano y la orquesta sigue tocando "La Fiesta", uno de los clásicos del jazz de Corea. La canción es una pieza instrumental con aires flamencos que sirve también como punto final de esta joya de la música.

El vídeo de arriba es una auténtica maravilla en la que se puede disfrutar de dos grandes de la música jazz, Return To Forever y los Headhunters de Herbie Hankock. Para escuchar esos ritmos latinos y africanos que tanto influyeron en todo tipo de música moderna. Una gozada escuchar los duelos de guitarra y teclado, los ritmos de las baterías y los bajos, todo ello a pares y con músicos de una talla increíble.

Gracious - Gracious! (1970)

Cara A:

Introduction (Paul Davis and Martin Kitcat)

Heaven (Paul Davis and Martin Kitcat)

Hell (Paul Davis and Martin Kitcat)

Cara B:

Fugue In 'D' Minor (Paul Davis and Martin Kitcat)

The Dream (Paul Davis and Martin Kitcat) 

Gracious:

Alan Cowderoy, voces, guitarra

Paul Davis, vocalista, guitarra acústica

Martin Kitcat, voces, teclados, piano

Robert Lipson, batería

Tim Wheatley, bajo

Gracious fue una banda británica de rock progresivo que tuvo actividad entre los años 1967 a 1971, cuando grabaron dos discos. Después volverían a surgir en 1990 grabando un tercer álbum.

Los orígenes de la banda se encuentran en la larga amistad  entre el vocalista Paul Davis y el guitarrista Alan Cowderoy, que venía de los tiempos en los que ambos estudiaban juntos en una escuela católica. Decidieron formar una banda juntos y le dieron el nombre de Satan's Disciples. Al empezar a tocar en la escuela no tuvieron más remedio que acortar el nombre a Disciples. Davis era batería y vocalista, Cowderoy tocaba la guitarra solista y otros dos compañeros de clase tocaban bajo y guitarra rítmica. En 1968 se unen a la banda Martin Kitcat (teclados), Mark Laird (bajo) y Robert Lipson (batería), lo que permite a Davis centrarse como cantante en el escenario.

El sonido primario de la banda estaba infuenciado por Cream y el movimiento blues británico, sobre todo John Mayall & the Bluesbreakers, incluso llegaron hacer alguna jam con Eric Clapton.
Pete Townshend se interesó en ellos ese año de 1968 y los llevó como teloneros de The Who.

Se cambiaron el nombre a Gracious (Gracious! a partir del primer álbum) y en 1969 ya estaban compartiendo cartel con King Crimson y recorriendo Alemania en una gira de 6 meses. Al regreso de esta gira, Brian Shepherd (jefe de Vertigo) fue a verles y les ofreció un contrato para grabar. De este contrato saldrían dos discos: Gracious! y  This is...

Edición BGO con sus dos discos

La intención de esta breve entrada no es describir la música de Gracious, sino darla un poco a conocer a través de su primer álbum. Para mí el segundo es igual de bueno. Lo que más me gusta de esta banda es ese estilo tan inglés para crear música sencilla a través de composiciones un poco más complejas, combinando el pop más beat con orquestaciones y composiciones más propias de la música clásica y del rock progresivo. Como por ejemplo en el tema Heaven, donde se puede apreciar esa evolución, desde un inicio poco comercial (pero muy melódico) para a partir del minuto 3:50 realizar un giro que convierte la canción en algo más propio de la mejor música beat. Lo mismo ocurre en la cara B del disco, temas Fugue in D Minor y The Dream, donde se juega también con esas combinaciones de música clásica con blues, jazz y rock.
Es este otro de esos discos que tuvieron su importancia en la evolución de la música británica, que buscó nuevas fórmulas a través de la experimentación y combinación de estilos distintos con bastante poca suerte comercial, pero con mucha calidad musical. Un disco que hay que escuchar.

Gracious! (1970) álbum completo

Heaven, de Gracious (a partir del minuto 3:50 sobre todo, un tema precioso)

Gracious, Live en la Isla de Wight (1970)

Y para terminar otra escucha recomendada, el segundo álbum. Publicado en 1971 se aprecia un giro hacia la música más dura dentro del movimiento progresivo de los primeros años setenta. Tal vez empujados por el fracaso comercial de su primer álbum o tal vez como evolución lógica de la música de la propia banda. Aunque menos conocido aún que su primer trabajo, este es tal vez mejor que el anterior.

This is... Gracious (1971)